jueves, 26 de julio de 2007

WHITESNAKE "1987" (1987)


Estamos en el año 1987, año clave en la evolución de la historia del rock y el metal, pues fue en ese año, junto con el 86 y el 88, cuando el por “muchos alabado, por muchos odiado” hard-rock reinaba con total autoridad en la comunidad metálica. Muchas grandes obras nos dejó esa intensa etapa: Slippery When Wet, The Final Countdown, Hysteria, Girls, Girls, Girls, Permanent Vacation, etc. Pero sin duda una de las mayores, por no decir la mayor, fue este genial álbum, llamado simplemente como el año que le vio nacer, 1987, obra de Whitesnake, la mítica banda británica de David Coverdale, uno de los mejores cantantes que haya dado el rock jamás.

El álbum mostraba a unos Whitesnake que empezaban una segunda etapa totalmente alejada de su estilo inicial: los discos de puro rock n’ roll con tintes blueseros y puro sonido británico dejaban paso a este 1987, un disco de puro hard-rock melódico de finales de los 80, con todo lo que eso conlleva: una imagen remozada y “americanizada”, cueros chillones, pelos cardados, cantidad de hits en las listas, emisión continúa de los temas en la radio y conciertos masivos.
Aunque muchos seguidores de Whitesnake vieron (y siguen viendo) aquella nueva etapa como artificial, amanerada, e incluso muchos renegaron (y reniegan) de ella, 1987 es sin duda el mejor álbum de Whitesnake, y contiene muchas de sus mejores y más recordadas canciones.

Muchos aseguran que Whitesnake cambiaron la orientación de su sonido por expresa voluntad de Coverdale, que quería de una vez por todas conquistar USA por todo lo alto, tras un intento fallido del también genial, aunque olvidado, Slide it in, el último disco con su sonido primario. Junto con el virtuoso John Sykes a la guitarra ( que habría grabado parte de Slide it in para la edición americana), el recuperado Neil Murray y el nuevo fichaje Aynsley Dunbar (ex-Journey, entre otros) Coverdale consiguió parir un disco que, como quería, dio la vuelta al mundo.

Y no era para menos. El disco se abría con la mítica "Still Of The Night"



una de las canciones más recordadas de la historia del rock, con un riff de esos que se recuerdan generación tras generación.

"Bad Boys"



el segundo corte, era un petardazo hard-rockero cañero y directo, que se convirtió en un clásico inamovible de Whitesnake en los directos posteriores, e incluso en la actual gira de reunión sirve para abrir la mayoría de los conciertos.

El tercer tema era una semi-balada rockera de estribillo muy popular, aunque muchos la consideran extremadamente comercial; se trata de "Give Me All Your Love".

Por el cuarto tema la cosa se relajaba del todo con el impresionante baladón "Looking For Love", sin duda la mejor balada de Whitesnake: una voz desgarradora, instrumentación exquisita, complejísima y llena de atmósferas, donde la magia y los punteos imposibles de Sykes dejarán a cualquiera con la boca abierta.

"Cryin’ In The Rain" era una excelente versión de su viejo clásico blues, aparecido en el 82 en su clásico disco Saints and sinners. La diferencia de opiniones respecto cuál es mejor, si esta versión o la original, es enorme entre los fans de la serpiente, pero servidor cree que el trabajo de Sykes en la nueva versión es sencillamente espectacular.

Y entonces venía el gran suceso del disco: la archiconocida balada "Is This Love"



una de las canciones más famosas de toda la historia, y ya no sólo entre la comunidad metálica. Si bien la instrumentación no es nada del otro mundo, su estribillo pegadizo a más no poder la hace irresistible.

Tras esta inmortal balada venían tres grandes canciones de puro rock: la pegadiza y festiva "Straight For The Heart", la melódica "Don’t Turn Away" y la agresiva "Children Of The Night".

El disco continuaba de forma mítica con "Here I Go Again 87"



la versión de su misma canción también aparecida originariamente en el Saints and sinners, y que se convirtió en el single de más éxito de la historia de Whitesnake. La canción se iniciaba con una preciosa melodía de teclado y Coverdale cantando de forma cálida y brillante, para transformarse después en una enorme canción de hard-rock, con los dedos mágicos de Sykes deslizándose carismáticamente por el mástil.

El redondo se cerraba con la brutal e intensísima "You’re Gonna Break My Heart Again", sin duda, la canción más dura que Whitesnake compusieron jamás.
Destacar que el disco se publicó en dos versiones: la americana, que cambiaba el color de la portada, eliminaba incomprensiblemente dos temas (Looking for love y You’re gonna break my heart again) y que cambiaba la configuración del track-list, y la del resto del mundo, la que nos ocupa en estas líneas, y la verdad, sea dicha, altamente superior.

Que el disco se editase en dos versiones (algo que sólo se explica desde una estrategia comercial de Mr. Coverdale) no agradó en absoluto ni a John Sykes ni a Neil Murray, y fue una de las razones de peso para que Coverdale cambiase totalmente la formación de cara a su siguiente álbum , el no menos conocido Slip of the tongue.

En definitiva, 1987 es uno de los monolitos, de las definitivas obras cumbre del hard-rock de finales de los 80, y dejarlo de escuchar por considerarlo artificial, amanerado y bastante peor que sus primeros obras, significa, a parte de no tener razón, dejar en el olvido a uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. En todos los sentidos, MÍTICO.

Critica extraida de : http://www.metal4all.net

martes, 24 de julio de 2007

THE RAMONES "IT'S ALIVE" (1977)


Pues sí, señores, The Ramones, toda una institución nivel mundial. Creadores de un sonido propio y peculiar largamente imitado, The Ramones es una banda que ha entrado en la historia de la música por la puerta grande merced a un trabajo honesto y de una calidad extraordinaria. Mucha gente piensa que “los tres acordes” de los Ramones son algo demasiado simple para catalogarlo de “delicatessen” musical, pero os aseguro que, después de escuchar este disco, no os va quedar mas remedio que quitaros el sombrero.

Supongo que en 1977 los discos en directo estarían de moda. El caso es que en ese año The Ramones, un cuarteto de N.Y. y que simulan ser una familia (en realidad el nombre “Ramone” lo cogen de una broma de Paul McCartney) han reventado ya el mercado con varios discos de un rock cañero, rápido, simple y potente que se empezaría a llamar Punk-rock. Sus actuaciones en el CBGB les dan la reputación suficiente para salir mas allá de los límites de la gran manzana y en sólo dos años y tres discos de estudio a sus espaldas dan el salto a la pérfida Albión para, en la nochevieja de 1977 en el Rainbow Theatre, grabar lo que más tarde sería uno de los discos definitivos de la historia.

Producido por su inseparable Ed Stasium, “It´s Alive” es uno de esos directos grabados en un solo día, que captan perfectamente lo que representaba el grupo en el escenario. Con un repertorio de 28 canciones, donde la mayoría no sobrepasa los dos minutos, dan un repaso a todos los clásicos de la banda en aquella fecha.

Blitzkierg Bop


Rockaway Beach


Sheena is a Punk Rocker


We´re a happy family


Las influencias de Beach Boys, Buddy Holly, Mc5 quedan patentes a lo largo y ancho del disco pero tamizadas por ese sonido característico de Los Ramones. Pocas pausas entre copla y copla, mucha energía y grandes dosis de diversión es lo que nos ofrecen los “hermanos Ramone”. El resto de la historia es de sobra conocido. Los siguientes años graban decenas de discos, unos mejores y otros peores pero todos con la impronta del grupo hasta su desaparición definitiva a finales de la década pasada. También hay otro directo “Loco Live” grabado en Barcelona (España fue durante mucho tiempo una especie de santuario para el grupo) pero que no alcanza las cotas de calidad de este “It´s Alive”.

Ahora que, desgraciadamente debido a los recientes fallecimientos de Dee Dee y Joey, es tarde para verlos en directo, a no ser que sea en el mismísimo Infierno, sólo nos queda consolarnos y recordarlos con discos como este. GABBA GABBA HEY!

Critica extraida de : http://perso.wanadoo.es/thesentinel2002/thesentinel-editorial.htm

lunes, 23 de julio de 2007

JUDAS PRIEST "SAD WINGS OF DESTINY" (1976)

Heavy Metal. Nada mejor que estas dos palabras para poder describir el contenido de esta obra maestra y atemporal de los británicos. Todos y cada uno de los adjetivos que puedan aplicársele a esas dos palabras, a ese género musical, pueden hacerse extensivas y aumentadas a “Sad Wings Of Destiny”. Un disco en el que Downing y Tipton hacen sonar sus guitarras más metálicas de lo que nunca nadie lo había hecho hasta ese día mientras que la voz de Halford está tan afilada como la cuchilla de Jack the Ripper, y donde Judas Priest se quitan de encima el estigma de Black Sabbath y superan con creces su titubeante debut.

Los clichés, los tópicos, las exageraciones, la simplicidad e infantilidad de unas letras a veces apocalípticas y otras que simplemente, como en el caso de “Victim Of Changes”, se comentan por si solas de lo manidas que son, y, en definitiva, todo lo que años más tarde sería la definición del Heavy Metal se dan citan, algunas por vez primera, en este disco editado hace mas de treinta años y que es necesario reivindicar, no ya por ser mejor o peor que otros posteriores sino precisamente por eso, por ser anterior a todos ellos, por su condición de pionero en muchas cosas (y deudor en otras que también hay que decirlo) y, claro está, por su inmensa calidad en cada una de sus coplas.

La apertura con “Victim Of Changes

un complejo tema de casi ocho minutos con una parte central sobrecogedora que todavía hereda muchos guiños a Black Sabbath y una banda pletórica es, por derecho propio, uno de los grandes clásicos del grupo que no falta en casi ninguno de sus conciertos. Por el contrario, esto último es lo único que tiene en común con “The Ripper


porque, aparte de ser otro gran clásico de la banda, aquí la banda se muestra directa, precisa y agresiva como el bisturí de Jack el Destripador. Sin duda una de las mejores interpretaciones de Rob Halford en toda su carrera.

Dreaming Deceiver” es un medio tiempo reposado, lleno de reminiscencias de los Sabbath más tranquilos (aunque Halford no es Ozzy ni Ozzy es Halford) y que enganchan perfectamente (en realidad es un mismo tema divido en dos partes) con “Deceiver”.

Un descanso con “Prelude” y vuelta a la carga con otro clásico como “Tyrant” con Halford doblándose las voces de manera extraordinaria y unos guitarras, como siempre a lo largo y ancho del disco, tan simples y básicos como inspirados.

Genocide


mantiene sobradamente el listón con otra andanada de Heavy Metal con un curioso interludio donde una voz en off (otro detalle más de lo que luego harían decenas de bandas) nos anuncia, aunque sólo sea casualidad, el nombre del próximo lanzamiento de la banda. El siguiente es el tema raro, por decirlo de alguna manera, del disco. Y es que “Epitath” es de todo menos lo que te esperas de una canción de Judas Priest. Halford bordando una triste letra sobre un precioso y melancólico piano. Desde luego uno de los temas menos conocidos de la banda y que sin embargo es todo un placer para los oídos. Y para terminar, pues otro clásico porque “Island Of Domination” es el colofón perfecto para un trabajo perfecto con Halford desgañitándose una vez más sobre un estupendo riff.

Podríamos dividir las etapas de la banda por décadas, por cantantes o, medio en broma, por los diferentes logotipos que el grupo ha tenido hasta la fecha (curioso esto de los logotipos) e incluso, ya apurando la broma hasta la exageración, por la puñetera cruz (¡cosa más fea!) que sale por vez primera en este disco colgada del cuello del ángel.

Tonterías aparte, está claro que la época de apogeo, éxito y mayor inspiración de la banda fue la correspondida entre 1980 ("British Steel") y 1986 ("Turbo"), años donde pulieron definitivamente su estilo y alcanzaron un estatus de banda realmente grande, pero eso no es óbice para dejar a un lado su extenso y buen trabajo desarrollado en los años setenta, donde discos como éste y los siguientes dejaron el terreno bien abonado para su coronación en los ochenta como auténticos reyes del Heavy Metal.

Critica extraida de : http://perso.wanadoo.es/thesentinel2002/thesentinel-editorial.htm

viernes, 20 de julio de 2007

ESPECIAL DAVE LOMBARDO

Dave Lombardo es un baterista principalmente conocido como miembro original de la banda
estadounidense de thrash metal,Slayer.

Si,en Slayer,jajajaja,empezamos con The Antichrist donde parece que se va a caer el escenario,velocidad,potencia,es Slayer,no hace falta que siga,¿verdad?

Demostracion de Lombardo de como se debe tocar Raining Blood en la bateria,sesion intensa desde luego,otra joya de Slayer.

Tenemos aqui dos de las mejores canciones de este gran grupo de thrash metal,para algunos,el mejor,¿pero tienen alguna cancion mala?:

Angel of Death que son 5 minutos de caña y velocidad con un riff de King que enloquece a la gente

War Esemble es otra de las canciones donde el thrash de Slayer se pasea por todo el lugar donde esten tocando y dejan a todo el mundo en pie aplaudiendo.

Lombardo nació el 16 de Febrero de 1965 en La Habana,Cuba y su familia se radicó en California,EE.UU.
Dos años más tarde. Lombardo comenzó a tocar la batería a temprana edad, lo que le ha llevado a ser uno de los baterista más renombrados en el mundo del rock. Su trabajo con Slayer ha sido descrito como “asombrosamente innovador”, ha sido comparado con bateristas famosos como Virgil Donati y Mike Portnoy y ha recibido múltiples menciones en publicaciones y encuestas de bateristas, especialmente por sus interpretaciones en vivo.

Tambien grabo un disco con VoodoCult,aqui os dejo la cancion Killer Patrol,brutalidad pura y dura con Lombardo y sus baquetas.

Cabe mencionar que, aparte de la aclamación que su carrera con Slayer le ha traído, Lombardo también es un hábil baterista de jazz, como evidencian sus colaboraciones con Jhon Zorn Grip Inc. y Fantomas

Aqui tocando Rusty Nail con Grip Inc. con un cantante que tiene una voz cojonuda el y grupo suena de perlas.

Lombardo es miembro fundador de la banda pionera de thrash Slayer, con la cual tocó desde 1981 hasta 1992, cuando dejó el grupo para fundar Grip Inc. Su reemplazo en Slayer fue Paul Bostaph. Lombardo se reunió a la banda de forma provisional en 2001 para la gira de promoción del disco God Hates Us All y ha permanecido con el grupo desde entonces.

El 6 de julio de 2004 reemplazó al baterista de Metallica,Lars Ulrich,junto con Joey Jordyson,baterista de Slipknot, en el festival Download en Donningtong,Inglaterra, cuando Ulrich tuvo que ser hospitalizado.

Dos directos con Metallica en remplazo de Ulrich,Battery y The four horseman,canciones muy conocidas de Metallica que por supuesto no plantean ningun problema para Lombardo xD


Lombardo es reconocido también por su trabajo con otros músicos como Apocalyptica,Fantomas,Testament y Jhon Zorn.

Lombardo figura prominentemente en la pelicula Cremaster 2 del cineasta y escultor Matheww Barney.
Lombardo esta casado y tiene dos hijos. Actualmente reside en Victorville, California.

Y para acabar un solo de Lombardo que espero os guste porque es acojonante,perdon si se corta un poco el video :(

Bueno,y hasta aqui el especial a Dave Lombardo,espero os haya gustado,primer especial que hago,a ver ahora las criticas.........jejejeje.


un saludo


miércoles, 18 de julio de 2007

ESPECIAL "IRON MAIDEN" (2ª PARTE)


El siguiente álbum de la doncella sale en septiembre de 1986. "Somewhere in Time" traía un sonido que a muchos fans de la banda no les gustó; se incluyeron teclados y sintetizadores, marcando un ligero cambio en el estilo de sonido de la Doncella (incluso el Eddie de la portada se "modernizó", corvintiendose en una especie de robot cibernético). Destaca en este disco la activa participación en composición del Adrian Smith, con temas como

"Wasted Years"



"Stranger in a Strange Land"



A pesar del rechazo inicial de algunos fans, el disco alcanzó el puesto nº 3 en Inglaterra con estupendas canciones como "Heaven Can´t Wait" y el grupo se embarco en su nueva gira "Somewhere On The Road Tour".


Esta gira comenzó en Belgrado y terminó ocho meses más tarde en Osaka. El espectáculo de estos conciertos era sensacional, con plataformas que elevaban a los miembros de la banda y un Eddie inflable que mostraba su cabeza y sus garras a ambos lados del escenario. Iron Maiden tocó en numerosos paises y dio numerosas entrevistas, con lo que se recogió material para la edición en 1987 de "12 Wasted Years", un video docuental sobre los 12 años de vida y éxito de la banda.

"Seventh Son Of A Seventh Son" sera el séptimo disco de Iron Maiden, el cual verá la luz en abril de 1988. Continua la senda del disco anterior, con el uso de nuevo de sintetizadores y en él se pueden encontrar temas como

"Can I Play with Madness"



"The Evil That Men Do"



"The Clairvoyant" (Increible video promocional del Festival de Donington)



Éste fue el primer álbum conceptual de Iron Maiden, inspirado en la leyenda del "séptimo hijo del séptimo hijo", al cual combatiría a las fuerzas del mal. La gira "Seventh Tour Of a Seventh Tour" comenzó en EE.UU. y llevo a la banda a tocar en la mítica novena edición del festival de Donington, junto con Megadeth, Kiss y Guns'N Roses, donde se congregó la mayor afluencia de espectadores de la historia.

En este momento la banda se toma un ligero descanso. Bruce y Adrian grabaron por una parte material propia mientras que Steve Harris se pasó el tiempo editando las grabaciones de Birmingham para el video "Maiden England", que se lanzó en noviembre de 1989, siendo uno de los vídeos más vendidos de la Doncella.

Después de siete años de formación estable, surge un nuevo abandono en el seno de la banda. Adrian Smith, que había estado el año anterior trabajando en solitario para su proyecto A.S.A.P., decide que no puede dar el 100% en la banda y que quiere desarrollar su propio estilo. De mutuo acuerdo abandona el grupo y su sustituto fue Janick Gers, conocido por haber tocado con Ian Gillan entre otros y por haber trabajado con Bruce Dickinson en su álbum en solitario "Tattoed Millionare".


Tras la incorporación de Janick Gers, la banda lanza en octubre de 1990 su nuevo disco: "No Prayer For The Dying". Iron Maiden intentan volver al sonido de sus raices, abandonando el uso de los sintetizadores, pero el álbum no consiguió los niveles de popularidad deseados, pese a contar con buenos temas como

"Holy Smoke"



"Bring Your Daughter To The Slaughter"



y llegar al Nº 2 en Inglaterra. Para la gira "No Prayer On The Road Tour 90-91", Iron Maiden abandonó las grandes producciones pasadas y simplemente cubrian el escenario con un enorme telón. El recorrido de la girá finalizó prematuramente en Salt Lake City (se había planificado ir a Japón y Australia), debido a las dificultades que aparecieron con la guerra del Golfo.

Para el siguiente disco, se decidió que Eddie necesitaba un notorio cambio de imagen. Este fue el primer albúm en el que Derek Riggs no haría la portada, sino Melvyn Grant, el cual varío el rumbo de las últimos diseños de Derek. El álbum "Fear of the Dark" salió a la venta en mayo de 1992 y la banda consiguió su tercer primer puesto en las listas de Inglaterra.

"Fear Of The Dark"



"Be Quick Or Be Dead"



"Afraid To Shoot Strangers"



Su nuevo tour comenzó en Escandinavia y de nuevo volvieron a Donington, donde se filmó el show para un futuro álbum.

En este momento se produce el mayor punto de inflexión de toda la historia de la banda: Bruce Dickinson decide abandonar la banda para dedicarse a su carrera en solitario por completo. A pesar de las insistencias del resto de la banda, la decisión ya estaba tomada. Steve Harris decidió recopilar grabaciones en directo para la edición de un doble álbum, que finalmente se editó en dos discos separados, "A Real Dead One" con material en directo desde el inicio hasta 1985 y "A Real Live One" con grabaciones desde 1986 hasta 1992. También se lanzó otro doble álbum en directo con la grabación del espectáculo de Donington llamado "Live At Donington", saliendo en agosto de 1992. Dickinson tubo la oportunidad de despedirse de sus fans en el concierto efectuado el 28 de agosto de 1993 en los Pinewood Studios de Inglaterra, grabación que se editó en el video "Raising Hell".

Tras doce años de Bruce Dickinson, la banda se vé obligada a buscar un nuevo cantante. Desde luego tenía que estar a la altura de lo que Iron Maiden representa y se barajaron nombres como el de Michael Kiskie (ex-Helloween), Joey Belladona (ex-Anthrax) e incluso el mismísimo Paul Di'Anno. Tras la escucha de 5000 cintas, el elegido para cubrir el puesto fue Blaze Bayley de Wolfsbane, dato que la banda anunció a finales de 1993, junto con la noticia de la grabación de un nuevo álbum. Además del nuevo vocalista, Iron Maiden cambió de productor. Desde 1980 Martin Birch había producido o co-producido los álbumes de la Doncella.


Para el siguiente disco, la banda se tomó su tiempo con el fin de no precipitar los acontecimientos, además Blaze sufrió un accidente de moto que le hizo perder tiempo con la reciperación. Así, "The X-Factor" salió el 2 de octubre de 1995 para demostrar que Iron Maiden tenía un aceptable futuro sin Bruce Dickinson. Canciones como

"Sign of the Cross" (Con Bruce Dickinson, originalmente canta blaze bayley)



"Man On The Edge" (Aqui si es blaze bayley jejejejeje)



muestran unas composiciones más maduras y quizá más complejas que las de los primeros discos. La gira de presentación del disco pasó por Israel, Sudáfrica, Bulgaria, Hungria, Rumanía, Canadá o Japón. En verano tocaron en Sudamérica y en varios festivales como el "Monsters of Rock" ante 50.000 personas en Sao Paulo.

Blaze Balyley demostró desde el principio que no venía a sustituir a nadie, tenía su estilo propio, pero cierto es que su voz no se adaptaba bien a las antiguas canciones con Bruce Dickinson.

Posteriormente apareció el disco recopilatorio "The Best Of The Beast" con los grandes clásicos de la banda y una nueva canción: "Virus"



Este disco tenía como portada una recopilación de todos los Eddies anteriores de la banda juntos. El siguiente disco fue "Virtual XI", un disco que continuaba las composiciones de "The X-Factor" con temas como "Don't Look To The Eyes Of A Stranger", "The Clansman" o la energética "Futureal"



Para la portada vuelven a contar con Melvyn Grant, que creará un Eddie un tanto especial, mostrando sólo su cabeza. En la gira de presentación este disco, durante la guira Sudamericana en 1998, se decidió prescindir de los servicios de Blaze Bayley, pues se tuvieron que cancelar algunos shows debido a que las actuaciones del mismo dejaban en algunos momentos bastante que desear, terminando aquí esta corta etapa de la banda.

Después del fuerte cruce de declaraciones que mantenían Bruce y el resto de la banda tras su salida del grupo, nadie podía imaginar la noticia que se produciría en enero de 1999: Bruce Dickinson volvía al seno de Iron Maiden, y no lo hacía solo, también regresaba Adrian Smith y sin producirse la salida de ninguno de los actuales guitarristas, con lo que Iron Maiden comenzaba una nueva etapa de rejuvenecimiento con Bruce Dickinson y tres guitarristas. Para conmemorar esta reunión y los 20 años de "Iron Maiden", se lanza "Ed Hunter": un recopilatorio con 20 temas elegidos por los fans a través de Internet y que incluía el videojuego "Ed-Hunter". Como cabía esperar tras la reunión, la gira posterior fue un rotundo éxito.


El esperado nuevo single "The Wicker Man"



salía a la venta el 8 de mayo del 2000, demostrando que empezaba una nueva etapa llena de buena música. El disco, con portada a manos de Derek Riggs de nuevo, no se hacía esperar y salía el 29 de Mayo bajo el nombre de "Brave New World".



A pesar de que todos los integrantes de la banda pasaban de los 40 años, la bestia nos trajo un disco lleno de rabia y calidad para tapar la boca de aquellos que pensaban que Iron Maiden habían muerto. Bruce volvía a demostrar ser una de las mejores y más potentes voces del mundo y los tres guitarras adornaban cualquier rincón de cada canción, con múltiples solos por parte de los tres.

Durante el año 2002, Iron Maiden lanzó una gran cantidad de material. Lanzó la grabación del "Rock In Rio 3", tanto en doble disco como en DVD (con material extra), un concierto verdaderamente impresionante. También es lanzado un nuevo recopilatorio bajo el nombre de "Edward The Great". Tras el disco en directo y el recopilatorio, se saca una caja, llamada "Eddie's Archives", con material especial como "Beast Over Hammersmith" con la grabación del mítico concierto de 1982 en el Hammersnith Odean en la gira de "Beast On The Road Tour", el "BBC Archives", un doble con grabaciones del "Friday Rock Show Session de 1979", "Reading Festival" de 1980 y de 1982 y el "Monsters Of Rock Festival" de Donington de 1988, así como otro doble con las caras B de todos los discos de la Doncella. Desde luego un auténtico lujo para los fans de la banda. Estos lanzamientos sirvieron para una nueva gira durante el 2003, "Give me Ed 'Till I'm Dead" donde tocaron un gran repertorio de canciones de todas sus épocas, con un escenario decorado con tapices con todos los Eddies de su historia. En estos shows tocaron alguna canción del nuevo disco que estaba ya grabado y que saldría en breve.


A mediados del 2003, se lanza un nuevo DVD "Visions of the Beast" que contenía todos los videoclips de la historia de Iron Maiden perfectamente organizados, así como alguna que otra sorpresa oculta (como pista mencionar el texto de la camiseta que vestía Steve Harris durante la gira: "666 The Number of the Beast, 664 The Bloke Next the Beast"). En septiembre se lanza el nuevo álbum "Dance of Death", un disco que continua por la senda marcada por el anterior "Brave New World", incluyendo grandes canciones como

"Rain Maker"



"Wildest Dreams"



"No More Lies" o "Montsegur". Como era lógico, el disco viene seguido por una gira que recibe una aceptación enorme, donde en ciertas canciones del nuevo disco el escenario acompaña con la decoración a las mismas y Bruce Dickinson se disfraza ejecutando sencillas representaciones de ambientación.

Tras esta gira, Iron Maiden anuncia su intención de bajar el ritmo de actuaciones a partir del 2004, de modo que los conciertos para la nueva gira se llevarán a cabo en menos ciudades que las anteriores, lo cual empieza a notarse en la rápida venta de entradas para los pocos conciertos anunciados, agotando en pocas horas la mayoría de ellas, según salen a la venta. El último lanzamiento, y motivo de la gira, es un DVD muy especial: recoge grabaciones en directo de las primeras épocas de Iron Maiden, como "Live at the Rainbow" de diciembre de 1980, "Beast Over Hammersmith" de marzo de 1982 y "Live ar Dortmund" en 1983 en Alemania, así como un documental sobre la época y otros contenidos extra. Dado el lanzamiento de este DVD, Iron Maiden han anunciado que para la gira volverá, a la época del "Number of the Beast" con la decoración del escenario y con la elección de gran parte del repertorio. Así pues, una oportunidad única para volver a ver a los Iron Maiden del '83.

En el 2006, salio a la calle su ultimo album hasta la fecha de hoy, "A Matter Of Life And Death" con varias canciones de grande factura "Different World"



"Longest Day"



con otra gran gira que les ha llevado por todo el planeta.

Biografia extraida de : http://www.webironmaiden.com

martes, 17 de julio de 2007

TED NUGENT "DOUBLE LIVE GONZO" (1978)


Tras el sensacional “Cat scratch fever” de 1977, TED NUGENT se decidió a grabar un disco en directo, y lo hizo, como hemos comentado aquí en otras ocasiones, en un año mágico para ese tipo de álbumes, ya que en 1978 se publicaron algunos de los mejores discos en directo de la historia del rock. “Double live gonzo” fue uno de ellos, sin ninguna duda.

Los tres primeros discos publicados por esta bestia de la guitarra fueron realmente grandes, constituyendo uno de los mejores primeros tramos de carrera discográfica jamás encontrados. No podía elegirse, pues, mejor momento para plasmar toda esta potencia, creatividad y rabia en un directo. Los conciertos de TED NUGENT gozaban de fama por ser calientes e intensos, así que el principal hándicap era poder trasladar ese calor e intensidad a los surcos de un Lp. TED no sólo lo consiguió, sino que además grabó uno de los mejores discos en directo de toda la historia. Su guitarra sonaba mágica, poderosa, tremenda. La banda, por su parte, conjuntada al cien por cien y dando perfecta réplica a la maestría de este magnífico guitarrista y compositor.

Si a ello añadimos un sonido en directo impecable, poco más podemos pedir a un álbum en vivo para que se convierta en un clásico desde su misma publicación. Todos los temas son magníficos, conformando un repertorio no sólo repleto de calidad, sino muy bien elegido y escalonado. Ahí está el éxito por excelencia de esa etapa de TED NUGENT: “Cat scratch fever



que no faltaba en ninguno de sus conciertos, pero también la apasionante jam que es “Motor city madhouse



con sus más de 10 minutos de duración de excitante rock poderoso, o la sensacional versión de “Baby, please don’t go”, del genio del blues JOE WILLIAMS, pasando por la divertida “Wang dang sweet poontang” y sin olvidarnos de la GENIAL "Stranglehold".



“Double live gonzo” es el testimonio de la grandeza de un hombre que en los 70 fue uno de los más grandes guitarristas y compositores del rock, además de un showman espectacular, que en los 80 consiguió mantener el tipo y que posteriormente ha degenerado mucho. No obstante, nada podrá jamás empañar la grandeza de este maravilloso doble álbum en directo y de la trayectoria musical que muestra.

Extraido de : http://www.mundorock.org

lunes, 16 de julio de 2007

CHILDREN OF BODOM "SOMETHING WILD" (1998)


Cuando en 1997-98 Childen of Bodom hicieron su debut con este "SomthingWild", nos dieron una lección de virtuosidad, derroche de energía, complejidad musical, y tal vez lo más impactante eran sus edades, apenas pasaban de los 18 años!!!.

Este fue el disco que (además de Stratovarius) enfoco la vista del metal en Finlandia, logró unir a los que oían Black y Power Metal, algo que parecía imposible, más que un boommmm, era "Algo Salvaje", 7 canciones más una Outro escondida, unos 33 minutos, y el deseo de conocer y escuchar más de estos Niños de Bodom, porque además de ser tan corto, el disco solo traía la letra de una sola canción, "Touch like an angel of death", que tuvimos que esperar un tiempo para tener más información, pero eso es otro capitulo que luego veremos.

Todo inicia con una tormenta y un ambiente peculiar de Children, descargando

"Deadnight Warrior"


con intro de la película "It" y desde el principio son cambios guitarras que se persiguen en escalas melodiosas, batería a media velocidad hasta el segundo minuto de la canción, velocidad y luego desaceleración para entrar a los solos, "In the Shadows"


inicia con el bajo y luego al tarro... esta es de las más largas del disco y para mi de las mejores, muchos cambios de ritmo, Wirman hace muy buen trabajo en la ambientación de esta pieza.

Luego viene un título en dos canciones "Red Light In My Ejes, Pts 1 y 2", claro musicalmente nada que ver, solo comparten el título, tal vez la letra si traiga la relación, la 1ra pareciera ser, al inicio, la balada del disco pero no, conforme se desarrolla ese concepto se pierde, la 2da parte es un poco mas pirotécnica al inicio y creo que es mejor que la 1ra, el ritmo y la complejidad es mayor, es de sinfonía porque su primer riff es tomado de la Sinfonía Nº 25 de Mozart y el riff final del Requiem k.492: "Confutatis".

"Lake Bodom"


es la 5ta con unos riffs muy pegajosos tiene un "no se que", que la pone entre las mejores del disco, un bloque de solos entrelazados entre Laiho y Wirman en guitarra y teclado le pone un clavel en el ojal "The Nail" es la mas extensa, con una intro ¿otra de película?, si "Nightmare On Elm Street 2", da paso a lo que hasta ahora nos tienen acostumbrados sobre la base de las guitarras el teclado y la batería hacen malabares y cambios de ritmo y unos solos increíbles.

La penúltima es para mi la mejor, "Touch like angel of death", la única con letra y es un poco fuera de lo normal con relación a las otras canciones del disco, no es un derroche de virtuosidad, pero tiene un pegue excelente, el teclado soporta gran parte de la canción, además los solos son buenísimos. Alexi Laiho y compañía hicieron en enorme "Breakthrough" con este "Something Wild" marcando la historia del metal a nivel mundial, una historia que hasta hoy consta de 5 capítulos, esperamos que no nos decepcionen estos Niños de Bodom.

Extraido de : http://www.metalicos.com/

sábado, 14 de julio de 2007

ESPECIAL "JOHN PETRUCCI"

Guitarrista integrante de bandas como Dream Theater y Liquid Tension Experiment. Nacido el 12 de julio de 1967, Petrucci se crió en un ambiente familiar de músicos en Long Island, New York. Aunque sus padres no son músicos, su hermana mayor tocaba el piano y órgano eléctrico, su hermano toca el bajo y su hermana menor toca el clarinete. Aunque su hermana influyó en sus intereses musicales hasta cierto punto, John dice que empezó a tocar la guitarra eléctrica porque todos los muchachos del vecindario tocaban y le parecía algo divertido. Estudió en la escuela de música contemporánea de Berklee en Boston, donde junto a su compañero de secundaria John Myung, conocen a Mike Portnoy y fundan lo que hoy es Dream Theater.

John empezó a tomar clases de guitarra a los 12 años, practicando hasta 6 horas diarias con su colega bajista Myung, y de ahí ha surgido como uno de los guitarristas más importantes del mundo, en el marco del éxito de su banda Dream Theater, ha logrado el reconocimiento y respeto de muchos músicos en el mundo debido a su notable habilidad para componer estructuras musicales complejas y bellas, prueba de esto por ejemplo es su incorporación en la gira G3 junto a Joe Satriani y Steve Vai.

Actualmente John contribuye a la revista Guitar World Magazine con una columna mensual y también contribuyó con la escritura de las partituras para los libros de "Images and Words" y "Awake" (dos discos de Dream Theater). Tiene también un video actualmente a la venta. Los guitarristas que más han influido en el estilo de John (llamados todos casualmente Steve ó Al) han sido Steve Vai, Al Di Meola, Alex Lifeson (del grupo Rush), Steve Howe (del grupo Yes), Alan Holdsworth y el legendario Stevie Ray Vaughan. Sin embargo su máxima influencia, y la que el cita siempre como su guitarrista favorito cuando se le pregunta, es Steve Morse.

Empezó a experimentar con una guitarra de 7 cuerdas para el disco "Awake", lo cual, él cree, le dio al disco un toque más pesado y ha contribuido en la manera de componer y potenciar las posibilidades de este instrumento. Escribe activamente en su casa con su "four track studio" (consola de 4 canales) y siempre lleva con él un secuenciador a todas sus giras. A John le gusta, cuando no se encuentra totalmente envuelto en su música, hacer ejercicios, pasear en barco, el ciclismo y comer.

Fue a principio de los 90’s cuando apareció en el mercado el impresionante disco “Images And Words” y desde ese momento todas las miradas se centraron en el excelente guitarrista que interpretaba de manera perfectas veloces figuras y excelentes solos cargados de virtuosismo y talento. Ahí cambió radicalmente el estereotipo del guitarrista rock, basándose principalmente en lo innovador del lenguaje que proponía Petrucci y que hasta el día de hoy se utiliza casi como estándar para medir a sus pares.

Marcado por su escalofriante técnica, un gran gusto por ser exageradamente veloz, John Petrucci junto a Mike Portnoy se han transformado en los rostros representantes de Dream Theater, no sólo por que entre ambos han compuesto la gran mayoría de los cientos de temas de la banda, sino también porque en los últimos discos, ambos han realizado labores de producción, convirtiéndose, por si fuera poco, en los voceros de la banda.

Por otro lado, el sorprendente guitarrista no conforme con su agotadora labor en Dream Theater, trabaja en docenas de proyectos paralelos. Aquí destacan los 2 discos con Liquid Tension Experiment, la excelente participación de la gira G3 junto a Steve Vai y Joe Satriani y por último, la sorprendente placa solista “Suspended Animation”, lanzado este mismo año y que, por supuesto ha generado toda la expectativa que se podía esperar de cualquier trabajo de Petrucci o cualquiera de los integrantes de la banda que acaba de dejar nuestro país.

Por otra parte, si hablamos de John Petrucci y sus trabajos paralelos a Dream Theater, es imposible no hacer eferencia al excelente material pedagógico musical que ha publicado el eximio instrumentista, donde destaca por sobre todo el excelente libro / video “Rock Discipline”… sin duda material que todo guitarrista debe tener y estudiar, para trabajar la técnica y conocer un poco sobre las artimañas de Petrucci.

Extraido de : wikipedia y varias webs (ya no me acuerdo JAJAJAJAJA)

Ahora vamos a los videos, primero pondre, los mejores en su etapa en dream theater, y luego rarezas, solos y clases del MAESTRO!!

Canciones con DREAM THEATER!!

"Metropolis Pt.1"



"Learning To Live"



"Hollow Years" (Esta baladita le molara a ECHORIATH)



"Overture 1928/Strange Deja Vu" (Del alucinante directo Live Scenes From New York)



Ahora vamos con las rarezas, cosas extrañas, versiones de canciones.....

Empezamos con un solo de guitarra del mago petrucci



Tocando una guitarra Ibanez de 7 cuerdas



Un solo marca de la casa, la imagen no es muy buena, sorry!! ALUCINANTE!!



Unas pequeñas lecciones de su DVD "Rock Discipline"



De uno de sus discos en solitario, la cancion es Glasgow Kiss, tocada en la gira G3



El clasico de pantera "Cemetery Gates" versionada con dream theater (Con algunos invitados)



Y para acabar otro clasico, esta vez, Master Of Puppets de Metallica



Un saludin!!

viernes, 13 de julio de 2007

VENOM "WELCOME TO HELL" (1981) & "BLACK METAL" (1982)



“Venom fue la mejor banda del mundo con los peores músicos del planeta” Kerry King, Slayer.

Cuando en los años 50 la cerrada y conservadora sociedad estadounidense calificó el rock and roll como ‘la música del diablo’ ni se imaginaban que precisamente esa música, décadas después, les daría la razón. Hasta la aparición de la banda de Newcastle, lo único que se consideraba ‘Black Metal’ eran Jimi Hendrix y Phil Lynott, acepción realmente ridícula en nuestros días.
Y fue en 1979 cuando ese concepto comenzó a coger un significado bien distinto. Conrad Lant trabajaba en los modestos estudios Impulse, algo que a la postre sería fundamental en el desarrollo de la banda de la que estamos hablando.

Y fue cuando Conrad coincidió con Jeff Dunn, por entonces en Guillotine, el momento en que tomaron la decisión de fundar un grupo en el que la temática principal de las canciones fuera el ocultismo y el enaltecimiento del Diablo. Jeff llevó a Conrad a conocer a su banda que basaba su repertorio en versiones de clásicos como Saxon o Judas Priest. Pero Conrad tenía claro que él no quería formar parte de ‘una banda más’, quería tener una banda con una personalidad propia y única dentro del circuito metálico. Algo que, aunque resultara pretencioso para una banda que ni siquiera se había formado, resultó ser su mejor arma. Para muestra, un botón, no debutaron en Inglaterra que pudieron hacerlo en un local digno de los señores de las tinieblas, con suficiente amplitud para sus juegos pirotécnicos.

Lo curioso de ese debut es que fue en 1984, nada menos que cinco años después de haberse formado. Tras varias idas y venidas, finalmente Jeff y Conrad dieron con el batería de una formación llamada Oberon y así llegó Tony Bray que conformaría con Jeff y Conrad la alineación clásica de Venom. Para dejar clara su propuesta decidieron que Jeff, Conrad y Tony no eran nombres que sonaran demasiado satánicos con lo que adoptaron distintos sobrenombres artísticos: Conrad pasó a ser Cronos, un líder titán de la mitología griega hijo de Urano y Gea que, entre otras cosas, derrocó y castró a su padre; Jeff adoptó el nombre de Mantas, un demonio de antiguas culturas asiáticas; y Tony escogió Abbadon inspirándose en la tradición hebrea donde significa literalmente ‘el demonio del hoyo insondable’.

A través del trabajo de Cronos en Impulse, comenzaron a hacer sus primeras grabaciones de los temas que iban componiendo, una mezcla de metal ultra-rápido inspirado en las huestes de Lemmy Kilminster y los riffs cortantes de Judas Priest, voces agresivas y temática oscurantista. Tal era su determinación y tesón que después de varias demos de ínfimas prestaciones técnicas, Neat Records finalmente les produce su primer single, “In League With Satan”. Un título suficientemente claro y una temática más que directa, pero es que desde el primer momento se percibía que Venom era una banda con algo especial dentro del movimiento NWOBHM, ya que aunque la maldad y las figuras oscuras habían sido exteriorizadas por Black Sabbath, la diferencia principal era que mientras Ozzy y los suyos parecía que pretendían huir de esa maldad que les atormentaba, Venom decidió ir más allá y formar parte de la misma maldad e incluso del mismo Infierno.

A pesar de que comercialmente no se le podía augurar un gran futuro a su música, ese mismo año, Neat Records decide recopilar esas demos grabadas y aglutinarlas en “Welcome To Hell”, debut en larga duración de Cronos, Mantas y Abbadon. Un disco con un valor histórico incalculable, ya que nadie, absolutamente nadie, había sido capaz de acercarse a una propuesta como la plasmada en esa placa (quizás sus compañeros de generación Angel Witch eran los que más se acercaron a su sonido). Un trabajo de auténticos visionarios que cambiarían el metal para siempre tanto musical como visualmente.

El pésimo sonido de la grabación, a priori un hándicap, jugó a su favor ya que las canciones sonaban aún más crudas, sangrantes y cercanas a su mayor influencia: el rock sucio y canalla de Motorhead, aunque solo Satán sabe que sería de este disco con una producción decente. Además, el disco tuvo un impacto inmediato debido a su portada, nada menos que una cabeza de carnero que se funde con un pentagrama, lo que no deja lugar a dudas de lo que se puede encontrar uno en el interior. Una perfecta combinación de imagen y música: Venom venía mismísimo Infierno y eran los mensajeros elegidos por el Príncipe de las Tinieblas para hacer llegar su mensaje a todos los rincones del planeta. Y es que se podría decir sin equivocarnos que, probablemente, “Welcome To Hell” fue el primer disco ‘extremo’ de la historia y semilla de los estilos más agresivos del metal: thrash, death, black, grindcore… todos le deben lealtad a Venom.

"Welcome To Hell"



"Witching Hour"



Pero lo mejor estaba por llegar, ya que sólo un año después editaron este pedazo de historia llamado “Black Metal”, germen fundamental en un estilo que precisamente tomaría su nombre de este álbum y que ha alcanzado una popularidad difícilmente imaginable cuando fue registrado en 1982. Cargado de pinceladas efectistas e intros lisérgicas como cuando llenaron de arena el estudio y comenzaron a removerla para la intro de “Buried Alive



un corte basado en un relato de Allan Poe, que nos lleva directamente al interior de un sucio agujero en el que agonizamos mientras estos tres zumbados nos van echando más y más tierra encima.

Toda una lección de cómo crear atmósferas cargadas e irrespirables. “Teacher’s Pet” es el equivalente al “Poison” del “Welcome To Hell”, una carcajada de Venom hacia quien les tomaba en serio, porque si “Poison” es una canción que habla de las enfermedades venéreas, la incluida en este disco no es sino una historia de sexo y lujuria entre una profesora y uno de sus alumnos, contada con pelos y señales y que según cuenta la leyenda está basada en algo que le ocurrió al propio Mantas en sus años escolares y que encima tiene un interludio de lo más blues. No deja de ser cachondo que unos tipos feos y malos como Venom que basaban sus letras en el satanismo y el ocultismo se desmarcaran con cortes como el acabamos de comentar.

La inspiración para “Countess Bathory



proviene de la supuesta biografía de Elisabeth Bathory reflejada en la peli de serie Z “Countess Drácula” protagonizada por la pechugona Ingrid Pitt en la que con la ayuda del Capitán Dobi la condesa buscaba la eterna juventud bañando sus generosas curvas en sangre de jovencitas vírgenes (otro grupo inglés, Cradle Of Filth, le dedicaría un disco completo al asunto). Y por supuesto, también tenemos a los Venom más típicos, punkarras y mosqueados en “To Hell And Back”, “Don’t Burn The Witch” o la misma “Black Metal” llenos de riffs pastosos, batería al borde del colapso y blasfemias a los cuatro vientos.

Precisamente “Don’t Burn The Witch” no sólo es la mejor canción del disco sino que probablemente sea la mejor de los de Newcastle y uno de los mejores riffs de todo el circuito extremo. Además, la voz de Cronos anunciaría la guturalidad de la posterior ola de death metal. Otra vez debemos rendirnos ante la brillante simpleza de su propuesta.

Y como epílogo, una nueva ida de olla. “Black Metal” incluye una introducción de su siguiente pesadilla musical, “At War With Satan”. La duración del tema homónimo sumada a la de esta intro da como resultado de 21 minutos y 12 segundos en homenaje al “2112” de Rush. Venom rindiendo tributo a Rush!! Otro claro ejemplo de su actitud cachonda y lejana a su imaginería de rudos rockeros satánicos.

Black Metal



es uno de esos discos que marcaron un momento en la historia, una clase magistral de mala ostia y rapidez que resultaría en uno de los trabajos más influyentes del rock. Y es que Venom nunca ha sido una banda más. Más rápidos y sucios que Motorhead, más malignos y satánicos que Black Sabbath, más demoníacos y con más pirotecnia que Kiss, con más cuero que Judas Priest y más ‘true’ que Manowar.

Y casi tan ridículos como Spinal Tap, por aquellos primeros años en los que aseguraban tener un plan para conquistar el mundo y someterlo bajo las enseñanzas de Lucifer. Realmente lisérgico. Sencillamente, un disco tan imprescindible en la discoteca de aquel que se considere un ‘metalhead’ como “The Number Of The Beast”, “Screaming For Vengeance” o “Restless & Wild”, que también vieron la luz ese mismo glorioso 1982.

Critica extraida de : http://www.metal4all.net

jueves, 12 de julio de 2007

UFO "STRANGERS IN THE NIGHT" (1979)


Es difícil explicar con palabras lo que hay dentro, porque no es un disco en directo con improvisaciones, solos o variaciones al uso de sus propios temas, sino una colección de las canciones más representativas de la discografía del grupo tocadas en directo, con un feeling que pocos discos de este tipo logran captar, quizá ese sea el resumen con el paso de los años. Lo cierto es que son 13 temas que si por separado son a cual mejor, reunidos en un solo disco suponen uno de las piezas imprescindibles en toda discografía que se precie de ser completa.

En realidad es un doble en directo grabado entre Chicago y Louisville durante la gira del “Obsession” en 1978, con la formación clásica de UFO: Michael Schenker a la guitarra, Phil Mogg cantando, Andy Parker en la batería, Pete Way al bajo, el polivalente Paul Raymond en las teclas y guitarra y la colaboración de Paul Chapman metiendo rítmicas. Chapman ya había trabajado con UFO en el ’74 y fue el que sacó las castañas del fuego al grupo cuando Schenker les dejó tras la edición de este disco para reunirse con Scorpions de nuevo, volver a pensárselo y montar sus M.S.G. Y es que UFO también han sido cantera de grandes músicos, posteriormente reconocidos, como Bernie Marsden (Whitesnake, SOS), Billy Sheehan (David Lee Roth, Mr. Big, Talas), Danny Peyronel (en nuestros Banzai y Tarzen) o últimamente Ainsley Dunbar, aunque este ya con el colmillo retorcido.

Volviendo al disco, un “Hello Chicago... pleased to wellcome... U.F.O.” de presentación deja paso a “Natural Thing”, rock and roll del “No heavy pettin’” del ’76 con la voz de Mogg y la guitarra de Schenker en primer plano, con solo clásico en pentatónica y final empalmando con “Out in the street


en la que el piano eléctrico de Raymond es el protagonista, con un arpegio que ha quedado para la historia y sobre el que se construye toda la canción. Varios cambios de ritmo en plan progresivo, y el Schenker de los primeros Scorpions en el solo de guitarra. “Only you can rock me”, es de corte también progresivo, con más presencia del bajo de Pete Way y un colchón de teclas que oscurecen algo el protagonismo de las guitarras. Y para cerrar la cara 1 el clásico entre clásicos del “Phenomenon” (1974): “Doctor doctor”, con sus acordes en quinta, los coros de Way arropando la voz de Mogg en el “...living, loving...” famoso, y que es uno de los temas del género que no tiene solo de guitarra como dato curioso.

La cara 2 se abre con “Mother Mary”, muy guitarrera, con demostración de tapping. Le sigue “This kids” en una onda parecida, con un riff muy heavy, y cierra el primer volumen “Love to love”, la más tranquila del disco, que sin ser balada sí está concebida como obra sinfónica de cadencia lenta, con las teclas otra vez en primer plano llevando el peso del tema, recordando los inicios del grupo no como banda heavy sino más bien de corte progresivo, aunque pertenezca a su disco “Lights out” (1977) de la etapa Schenker.

La cara 3 empieza con “Lights out

la más cañera del disco, seguida de una versión de “Rock bottom


de más de 11 minutos, quizá el momento cumbre del disco, por lo menos en cuanto a feeling.

La última cara también se abre con “Too hot to handle


con un riff que siempre me recordó al “Living after midnight” de Judas Priest, y un estribillo no sé si pegadizo o pegajoso. “I’m a loser”, otro clásico, con el piano marca de la casa en lo más alto, “Let it roll” con ritmo de doble bombo y “shoot shoot”, cencerro incluido, y un “Thank you very much, good bless, good night...” terminan el disco.

Si alguien no tiene nada de los UFO clásicos y le gustaría, este es su disco. Por cierto, U.F.O. = Unidentified Flying Object (OVNI), ya, ya se que no hace falta, pero por si acaso...

Extraido de : http://perso.wanadoo.es/thesentinel2002