Como ya hemos informado previamente, el cantante de QUIET RIOTKevin DuBrow fue encontrado muerto su casa de Las Vegas el pasado domingo 25 de noviembre a los 52 años de edad. Todavía se desconocen las causas del fallecimiento, que se harán públicas tan pronto como terminen la autopsia y se sepa el resultado de los análisis de toxicología.
Según cuenta MTV.com, un vecino del cantante alertó a la policía, que levantó el cadáver a las cinco y veinte de la tarde. El vocalista había estado el mes pasado en Nueva Orleans celebrando su cumpleaños y según personas cercanas a DuBrow, parecía encontrarse bien de salud. Un portavoz del departamento de policía de Las Vegas declaró que no se habían encontrado signos de violencia ni cerraduras forzadas.
Compañeros de banda como el bajista original de QUIET RIOT Kelly Garni, el guitarrista Alex Grossi, Chuck Wright o el batería Frankie Banali, han realizado breves declaraciones pidiendo respeto y lamentando la pérdida de su amigo no demasiado aclaratorias; al igual que Bill Chavis, presidente del sello Chavis Records que editó en el 2006 el último álbum de QUIET RIOT "Rehab".
Aparte, Frankie Banali ha enviado un breve comunicado a la CNN hablando de la muerte de DuBrow, y hasta Rudy Sarzo ha comentado sobre el asunto a Headbanger's Blog:
"Todos estamos todavía conmocionados," declaró Sarzo a Headbanger's Blog. "Esto es lo último que esperas escuchar cuando te levantas por la mañana. Era alguien que amaba la vida. Le encantaba divertirse y pasar un buen rato. Todos los días para él eran una fiesta, así era cuando tocábamos juntos."
Sarzo añadió, "Creo que será recordado por ser un auténtico cantante de rock. Fue uno de los mejores cantantes de los '80s."
Varias fotos profesionales del fallecido cantante de QUIET RIOTKevin DuBrow recopiladas a lo largo de los últimos 25 años pueden verse en Wire Image.
Un reportaje de MSNBC.com sobre la muerte de DuBrow puede verse aquí.
QUIET RIOT se formaron en 1975 de la mano del fallecido guitarrista Randy Rhoads, conocido luego por su estancia en los dos primeros álbumes de OZZY OSBOURNE.
Rhoads se acompañó del bajista Kelly Garni, el batería Drew Forsyth y el cantante Kevin DuBrow, consiguiendo editar el debut homónimo del grupo con la división japonesa de CBS/Sony en 1977. Dos años más tarde y con la misma compañía, lanzaron su segundo álbum titulado “II”, un disco que a la postre marcaría el fin de esta primera etapa del grupo, que se separó al marchar Randy Rhoads a OZZY OSBOURNE. Aunque habían obtenido cierta respuesta en Japón, estaban algo decepcionados al verse circunscritos a la tierra del sol naciente mientras que en el resto del mundo seguían siendo unos completos desconocidos.
DuBrow formó su propia banda llamada DUBROW, grupo que pasó a llamarse QUIET RIOT en 1983 con una formación totalmente renovada. En la batería se encontraba Frankie Banali, la guitarra corrió a cargo de Carlos Cavazo y el bajista elegido fue el renombrado Rudy Sarzo. Ese mismo año editaron con Epic el álbum "Metal Health", impactando en las listas americanas con la versión de los británicos SLADE "Cum' On Fell The Noize" y con el tema título. El disco es considerado el primer álbum de Heavy Metal en conseguir el número 1 en EE UU.
A pesar del fulgurante renacimiento, las siguientes ofertas del grupo no corrieron la misma suerte. La misma formación intentó repetir la fórmula un año más tarde con "Condition Critical", incluso realizaron otra versión de SLADE grabando "Mama Weer All Crazee Now", pero aunque el disco fue bien recibido, no alcanzó las cotas de su predecesor ni de lejos.
Ya en el 86 apareció "QRIII" a través de Epic, un álbum en el que se estrenaba el bajista Chuck Wright y del que singles como "Twilight Hotel" o "The Wild And The Young" pasaron prácticamente desapercibidos. Este descenso de la popularidad se vio incrementado por los comentarios despectivos e hirientes en ocasiones, que DuBrow realizaba en las entrevistas, insultando a bandas coetáneas, periodistas e incluso al propio sello del grupo. Sus compañeros de banda se cansaron hacia el final de la gira de "QRIII" en 1987, dejando a DuBrow tirado en un hotel y marchándose en el primer vuelo.
Cavazo y Banali recompusieron el grupo con el bajista Sean McNabb y el cantante Paul Shortino (ex-ROUGH CUTT), pero el álbum homónimo editado en 1988 con el desconocido sello Pasha falló estrepitosamente sumiendo al grupo definitivamente en el olvido.
Cinco años más tarde Cavazo y Banali vuelven con DuBrow de nuevo al frente, y otro bajista llamado Kenny Hilleri (que se suicidó el 5 de junio de 1996). Editan con Edel Records un aceptable, aunque para nada notorio "Terrified", disco que tuvo continuación en el año 95 con "Down To The Bone", lanzado por Kamikaze Records y de nuevo con Chuck Wright al bajo.
Ya en el 99, Rudy Sarzo regresa al grupo para lanzar "Alive And Well" con Cleopatra Records, y aunque la formación parecía sólida después de la edición de "Guilty Pleasures" en el 2001, Sarzo vuelve a marcharse poco después y no queda muy bien con DuBrow, habiendo tenido ambos hace unos meses ciertos cruces de declaraciones.
Ya con Cavazo fuera de la banda, DuBrow y Banali editaban "Rehab" en octubre del 2006 con Chavis Records y acompañados del guitarrista Neil Citron y del ex-bajista de THE FIRM y BLUE MURDER entre otros Tony Franklin.
Sirva esta breve biografía de tributo a DuBrow, en cuanto tengamos más noticias seguiremos informando.
Desde RafaBasa.com enviar nuestras condolencias a sus amigos y familiares.
Es recurrente en las conversaciones acerca de metal lo difícil que es innovar en el género. En ocasiones, parece como si ya estuviera todo inventado, y lo único que los grupos pueden hacer a estas alturas es imprimir su sello personal en la música.
Para llegar a donde estamos, sin embargo, sí que hizo falta que una serie de bandas fueran un paso más allá, que experimentaran con su sonido para abrir nuevas vías de creación. En el caso de la formación que nos ocupa, fue indispensable su trabajo para que el metal extremo, en concreto el death metal, surgiera y evolucionara. Junto a Possessed, los primeros Sepultura u Obituary, Death suponen uno de los pilares básicos del metal, que no sólo ayudaron a crear un estilo sino que tuvieron mucha parte de culpa en el desarrollo posterior del mismo. Hoy, curiosamente, os quiero hablar del último álbum en estudio del grupo, cuando éste ya estaba asentado de sobra en el mundillo.
"Scavenger of Human Sorrow"
"The Sound Of Perseverance" supone para mí, sin ningún género de duda, un disco que todo aficionado al metal debería, cuanto menos, conocer su existencia y haberlo oído aunque fuera una vez. Puede que me esté posicionando demasiado a favor de él, e incluso dar la sensación de despreciar a quien no lo tenga en cuenta. Como siempre digo, los gustos personales son como los culos, que cada uno tiene el suyo, y si este trabajo no te hace gracia no puedo censurarte ni tacharte de nada. Sólo asevero que para todo el que quiera conocer el desarrollo e historia del metal, este "The Sound Of Perseverance" debería ser de obligada escucha.
La razón de la grandeza de este Lp es que en él se encuentran todos los rasgos que definen el metal en general. Hay crudeza, sobre todo gracias a la voz de Chuck Schuldiner en este disco, muy cercana al black metal y que sin duda pone los pelos de punta. Hay técnica, siendo este uno de los trabajos más perfeccionistas y bien logrados en ese sentido que he tenido la suerte de oír. Hay fuerza, velocidad, hay majestuosidad, hay momentos más pausados (imprescindible el tema "Voice Of The Soul", con la conjunción grandiosa de guitarra acústica y eléctrica), hay oscuridad, letras muy filosóficas y misteriosas, hay caña... e incluso una sorpresita final.
Chuck Schuldiner, líder del grupo y desgraciadamente fallecido en 2001 a causa de un cáncer, demuestra en este largo por qué debe ser considerado uno de los mejores guitarristas y vocalistas de metal extremo de la historia. Y es que oír sus armónicos, sus solos, sus arpegios...es comprender lo enorme que Death fueron. Además, Chuck no estaba sólo en "The Sound Of Perseverance". Como siempre hizo a lo largo de su trayectoría (y es que Schuldiner nunca contó con una formación fija en su grupo, pasando por él muchos músicos distintos, entre ellos Steve Digiorgio y Ralph Santolla), contó con la colaboración de unos músicos de primer nivel. Scott Clendenin al bajo realiza un trabajo sobresaliente, sirviendo de excelente apoyo al dúo de guitarras. En éstas se encontraba junto a Chuck Shannon Hamm, complemento perfecto al talentoso líder de la banda. Da gusto oír cómo se complementan a las mil maravillas a lo largo de todo el álbum, repartiéndose los solos y facturando una obra de gran calidad.
"Spirit Crusher"
Por último, lo que Richard Christy aporta a éste álbum nunca es convenientemente valorado. Porque la batería de "The Sound Of Perseverance" me parece, de verdad, de lo más enorme que me he echado a la cara. Ritmos jazzísticos muy complejos, una pegada a los parches de una rotundidad asombrosa, un manejo de los platos genial, un doble bombo usado con mucha sabiduría, momentos más pausados y enrrevesados mezclados con otros de puro y directo death metal...perdonad si me vuelvo un poco fan empedernido de este disco, pero para mí es demasiado.
¿Qué decir de las composiciones excelentes, de las letras profundas y conseguidas? Sólo puedo pediros que os atreváis a escuchar el álbum, incluso aunque el metal más cañero no os haga excesiva gracia. Sabréis todo lo que Death aportó al death metal y al desarrollo del technical death metal posteriormente. Todo está encerrado en este complejo álbum, que quizá por esta complejidad haya que analizar en varias escuchas. Que, espero, os enganche tanto que no os importe hacerlas.
¡Se me olvidaba la sorpresa que os comenté! "The Sound of Perseverance" se atreve a cerrar con una version del "Painkiller". Y...no sé si decir que mejora la original porque los Judas y Halford me gustan demasiado, pero oír los agudos asombrosos de Chuck en su rasgadísima voz, la caña burra de los instrumentos y la manera en que cambian los solos para que suenen más como la tónica general del álbum, es algo muy grande.
Volviendo la mirada 15 años atrás en el tiempo, recuerdo que Helloween se había dado a conocer en nuestro país con el “Walls of Jericho”, un album que incluso tocaron en forma íntegra en el espacio “Música a otro Nivel” en la radio Tiempo.
Sin duda, el impacto de “Walls” fue grande y todos los que estábamos en el metal en esa época, tuvimos la oportunidad de descubrir una banda nueva de Alemania, desde donde antes sólo conocíamos a Scorpions y Accept (y a unos primigenios Kreator, Sodom y Destruction).
Quizás debido a su estilo acelerado y speed, Helloween fue etiquetado lisa y llanamente como Thrash Metal, ya que la denominación “Power Metal” o “Melodic Power Metal” ni siquiera se acuñaba todavía.
En esos tiempos pretéritos, las noticias escaseaban, no existía internet, ni siquiera revistas especializadas en nuestro país, sólo los fanzines con calidad de fotocopia, por lo tanto, era muy difícil saber los movimientos de las bandas. Por lo general uno se encontraba con las novedades cuando iba a una tienda de discos y descubría con excitación que había llegado el nuevo album de alguna banda. Por ello, muchos se sorprendieron al ver que en el “Keeper 1” debutaba un nuevo cantante: Michael Kiske. Si bien es cierto Kai Hansen no cantaba mal y poseía una voz alta y aguda, era un “guitarrista que cantaba”, por lo que la incorporación de Kiske se constituyó en un real aporte y en un acierto destacado. Su voz pletórica, su amplio registro, su caudal generoso, de inmediato hicieron que Kiske se ganara el cariño y respeto de todos los fans, no sólo de Helloween, sino del metal. Claro, no todos los días aparecía un cantante que se pudiera parar de igual a igual al lado de un Dickinson por ejemplo. Además no cantaba con ese extraño acento alemán que por esos días tenían Klaus Meine de Scorpions y Udo Dirksneider de Accept.
El ritmo marcial de la intro “Initiation”, fluídamente daba paso a la potencia acelerada de “I´m Alive”
un tema de esos para cantar con el puño apretado y desatar el headbanging. Sin duda, un clásico instantáneo que deslumbraba además, por sus punteos de guitarras “gemelas” de exquisita técnica de la dupla Michael Weikath/Kai Hansen, siempre apoyado por el bajo poderoso y rimbombante de Markus Grosskopf y la batería inagotable y llena de talento de Ingo Schwichtenberg, un bateria pletórico, que lamentablemente hace unos años, sumido en una profunda depresión, acabó trágicamente con su vida suicidándose.
La cosa no podía continuar de mejor forma que con la maravillosa “A Little Time” un tema de autoría de Kiske, donde el novato cantante demostraba todo su talento como compositor.
Ya con la llegada de “Twilight of the God”
de ritmos cambiantes y con la voz subiendo y bajando, quedaba claro con sólo escuchar 3 temas, que Helloween había logrado superar el listón que había quedado con “Walls” y era una banda mejor en todos los sentidos. Sin duda en esto tuvo mucho que ver la incorporación de Kiske, que le dio una nueva dimensión al sonido del grupo con su extraordinaria voz; pero Weikath y Hansen mejoraron como compositores (como lo demuestran la riqueza de los arreglos de la poderosa balada “A Tale That Wasn´t Right” por ejemplo), y toda la banda mejoró como ejecutantes, como queda de manifiesto en el himno “Future World”
quizás un tema más accesible, más “radial” pero impecablemente matizado y arreglado con sutilizas técnicas como la utilización de un Emulator.
Si a esta altura el album ya podía vaticinarse como un clásico seguro dentro de la discografía del grupo, aún faltaba esa obra magnánima de 13 minutos de duración que lleva por título “Halloween”,
un temazo por donde se le mire, con una base demoledora, la voz de Kiske a tope de facultades y unas guitarras avasallantes que te dejan sin aire de sólo imaginar como simples mortales podían germinar con febril brillantez solos tan técnicos pero llenos de feeling a la vez. Sin duda, la guinda de la torta y que dejaba en evidencia además la prolija y cuidada producción de Tommy Newton y Tommy Hansen tras las perillas, dos desconocidos, que unos años más tarde se convertirían en verdaderos “gurús” del estilo y muchas bandas pasarían bajo su tutela buscando ese “sonido” a lo Helloween. ¿Qué más se puede decir de album impecable, que rezuma potencia y calidad en todos sus surcos demostrándonos a una banda que se acercaba paulatinamente al peak de su capacidad y de su talento?
Tal vez la única crítica negativa que se podría hacer a este album que con justicia se ganó un sitial de honor entre los discos clásicos del metal, sea su corta duración: sólo 37 minutos de música.
Y no hay que olvidar que todos sabíamos que venía un “Keeper” Parte 2, pero muy pocos, a la luz de los impecables pergaminos expuestos en esta primera parte, confiaban en que la banda sería capaz de superar el nivel de esta placa. Pero los milagros ocurren y fue ahí cuando por primera vez escuché la frase “ a veces, segundas partes son incluso mejores”.
Es cierto. El “Keeper 1” es mucho más trascendente que esta segunda parte, porque mostró una fórmula nunca vista hasta el momento y es esa placa la que genera más influencia en el mundo del heavy metal. Pero muchas veces caemos en la tentación de echar a competir un par de discos de alguna banda y creemos que el “triunfo” de uno desmerece al otro. En varias ocasiones he escuchado la frase “sí, el Keeper 2 es bueno, pero no tanto como el 1”. Personalmente no estoy de acuerdo.
Tal vez porque por un asunto generacional escuché ambos discos al mismo tiempo, pero este segundo Keeper tiene una de las mejores colecciones de canciones que es escuchado en mi vida. No vamos a entrar a analizar si ésta es la mejor formación de la historia de Helloween, o si Kiske y Hansen eran efectivamente lo que nos cautivaba del Helloween ochentero y la de ahora es una banda totalmente distinta. Concentrémonos en la música.
“Estructuralmente”, este “Keeper 2” es similar al primero. ‘Invitation’, típica introducción épica, da paso a ‘Eagle fly free’,
un clásico inoxidable, una muestra de que velocidad e intensidad sólo se hacen una cuando los interpretes son unos monstruos. Kiske te vuela la cabeza con su asombrosa voz, la dupla Hansen-Weikath son un verdadero delirio para tus oídos... y ni hablar de Grosskopf y Schwichtenberg, absolutamente inhumanos. Ufff, que temazo!! De puro escucharlo terminas transpirando, con la adrenalina al máximo. Hasta el día de hoy Helloween ha intentado emular aquella fórmula velocidad-virtuosismo-intensidad, con pocos resultados al nivel de esta joyita. El Helloween de la era Deris tiene un sonido mucho más grueso y aplastante que intenso.
El éxito de su primera parte le permitió al grupo experimentar y jugar más en el estudio, lo que lamentablemente no significó pasarla mejor (Hansen abandonaría la banda pocos meses después). Por eso, no es raro encontrarnos con temas tan variados como ‘You always walk alone’, que bien podría aparecer en el “Powerslave” de Maiden, y tal vez por eso no es una canción con la que uno se identifique o que prefiera de este disco. Nos encontramos también con la locura de ‘Rise and Fall’, con evidentes saludos (¿o parodias?) a Queen, una melodía juguetona y alegre. Marca distancia de cualquier otra banda de heavy metal, demostrando que éste también puede ser un estilo imaginativo, entretenido y que se ríe incluso de si mismo. Compuesta por Weikath, a ratos parece un juego, una joda. Pero está perfectamente insertada entre 2 temas que no son el Helloween típico: la mencionada ‘You always walk alone’ y ‘Dr. Stein’.
En ‘Dr. Stein’,
Weikath nos ratifica que su joda es “en serio”. Otro tema “distinto”, es cierto. Pero qué bien hecho que está. El teclado es de antología. El coro masivo convoca a involucrarse con la canción, lo que no cuesta mucho teniendo ésta una melodía tan pegajosa. Otra vez vemos a Helloween marcando distancia de sus pares. Pero mucho más que eso, se muestran como una banda atrevida, con personalidad.
La paz aparece repentinamente con ‘We got the right’, la joyita de este “Keeper 2”. La voz de Kiske aquí se va, disculpen la expresión, a la mierda. Es decir, empieza haciendo juego con el bajo de Grosskopf, y poco a poco comienza a tomar vuelo, lo mismo que la canción. Pero de golpe uno siente como sube, sube, sube y sigue subiendo. La primera vez que escuchas este tema piensas “¡¡¡cuándo se detiene este tipo!!!”. Es impresionante, nunca en mi vida escuché una garganta como la de Kiske. Tal vez no sea el mejor vocalista de la historia ni nada por el estilo, pero esta canción la puede cantar él y nadie más que él. De todas formas, no sólo es su vozarrón el que te deja de espaldas, es toda la banda que toca con todo. ¡Qué temazo! Un coro épico, una melodía que vuela por sí sola. Te llega a dar escalofríos. Es una muestra de cuánto creció el heavy metal en esos años dorados. Pónganle atención a la letra por favor, bien clarito el mensaje, solamente que uno no le pone mucha atención ante tamaña interpretación. Personalmente, siempre he creído que en 1988 tuvimos en ‘We got the Right’ y ‘The Prophecy’ (de Iron Maiden) a 2 de las canciones más subvaloradas de la historia.
Cuando termina ‘We got the Right’, uno queda con la sensación de que termina el disco. Fue demasiada intensidad, demasiada pasión, demasiado dramatismo. Por suerte, el disco no finalizó. Kai Hansen, que no se había pronunciado aún en esta placa, se despacha una tripleta de temazos. El primero de ellos es ‘Save us’, pura velocidad, pura adrenalina. Una de las canciones con sonido más agresivo de la colección de Keepers. Se nota la mano de Kai, porque aquí no hay metal progresivo ni experimentos. La banda se siente fuera de control, pidiendo a gritos “por favor, sálvennos”. Otro temón, Helloween arrasando con todo.
‘March of Time’ nos devuelve al Helloween que evoluciona, que crece. Tras haber escuchado el “Keeper 1” y la primera parte de esta segunda entrega, ya sentimos en temas como éste un estilo propio, reconocible, y bien consolidado. Suena tan bien, tan perfecto, que hace que uno casi pierda la capacidad de asombro. Y debe ser uno de los mejores coros de toda la discografía de los germanos. Hasta ahí llegamos a lo que podemos calificar como “temas de heavy metal”. Porque cuando nos topamos con ‘I want out’,
y logramos sacarnos de la mente a qué disco y qué banda pertenece, la sentimos como un tema de rock & roll del más clásico. Con la salvedad de que está tocada como si a cada miembro del grupo se le quemaran las manos con sus instrumentos y que el vocalista canta como si se fuera a acabar el mundo. Ingo marca el inicio del tema, como diciendo “agarrense que alla vamos”. El resto es un goce absoluto. Espectacular.
‘Keeper of the Seven Keys’ cierra este fenomenal disco de la mejor forma posible. Como habíamos dicho en un inicio, se repite la fórmula del tema épico de 13 minutos de cierre. Tal vez por la inevitable comparación, uno pierde la objetividad para calificar esta canción. Personalmente, me gusta más ‘Halloween’, pero eso no quita que ‘Keeper of the seven keys’ sea una pieza de colección. El broche de oro para casi una hora sensacional.
La tentación de comparar la tenemos todos, pero este “Keeper of the Seven Keys Part II” se ganó su lugar en la historia por sí solo. No es “la segunda parte”. Es “otra” obra maestra de una de las bandas más importantes del género. Y es el mejor testimonio de ese Helloween que se paraba de igual a igual con Judas, con Maiden o con el que le pusieran al lado. Hoy, ese Helloween es sólo un recuerdo. Cambiaron su sonido, su estilo, y ni hablar de los interminables cambios de integrantes. Esta versión, con Andy Deris a la cabeza, también ha tenido momentos notables. Pero ya llegará el momento de recordarlos. Pero no será ahora. Será, eso sí, más temprano que tarde.
Uno de los mejores trabajos de esta gran banda, para muchos el mejor de toda su carrera.
Despues de haber tenido que abandonar a su antiguo líder, Syd Barrett, por sus problemas con las drogas, el resto del grupo (con David Gilmour sustituyendo a Barrett en la guitarra) prosiguió con su carrera con gran éxito, sacando discos tan interesantes como "Atom heart mother" o "Meddle".
Puede ser que no fueran tan buenos como el genial "The piper at the gates of dawn" (de su época psicodélica con Barrett al frente del grupo), pero demostraron que Pink Floyd podía seguir sobreviviendo sin Barrett. "The dark side of the moon" fue un Lp muy arriesgado. Muchos se preguntaron porque un grupo con unos trabajos tan elogiados como los mencionados anteriormente, que seguían cosechando grandes éxitos y creando un estilo propio, cambiaron súbitamente de estilo. Si durante el resto de su carrera hubieran seguido componiendo discos como los anteriores, sin cambiar apenas de estilo, Pink Floyd ya ocuparía un lugar privilegiado en la historia del rock. Pero no fue así. Decidieron experimentar con nuevos estilos y lo consiguieron con éxito. Este album es el primer fruto de este cambio de estilo. Un trabajo más exitoso aún que los anteriores (23 millones de ejemplares vendidos) y realmente mítico.
El disco comienza con una bien ejecutada introducción que después se empalma directamente con "Breathe", una sencilla pero muy efectiva pieza. Le sigue, "On the run", un tema instrumental, posiblemente el más prescindible de todo el disco, pero que encaja muy bien. A continuación se empiezan a oir unos enigmáticos relojes: son la introducción para el tema "Time"
uno de los más celebres del album y de Pink Floyd, con un espléndido solo de batería al principio del tema, ejecutado a la perfección por Nick Mason, y con un David Gilmour en plena forma en la guitarra.
La siguiente canción, "The great gig in the sky", compuesta por el teclista Wright, es una hermosa balada, posiblemente la mejor composición que ha hecho Wright en toda su carrera. A ésta le sigue la canción más famosa y pegadiza del Lp, "Money"
una auténtica obra maestra de Roger Waters y una de las mejores canciones que ha dado Pink Floyd, menos compleja que otras, pero más alegre y rítmica. Después de la descarga de adrenalina en "Money", aparece una composición muy relajante y moderada, "Us and them", otra pieza fundamental del disco.
"Any colour you like" es otra pieza instrumental que, como "On the run", es algo prescindible pero encaja a la perfección dentro del conjunto. Y para acabar el album, dos canciones más de Waters, "Brain damage" y "Eclipse" (que por un tiempo iba a ser el título del disco), que suponen el final perfecto para este gran trabajo.
Éste es, junto a "The wall", el disco más famoso de Pink Floyd. Sin embargo éste suele gustar más por varias razones: es más sencillo pero tampoco en exceso; aquí todos los componentes escriben canciones (aunque Waters compone tres en solitario y escribe las letras) mientras que en "The Wall" es Waters el líder absoluto. Razones no faltan para oir este soberbio disco, imprescindible para cualquier fan de Pink Floyd que se precie.
Critica extraida de : http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/
Jammie Thomas es una estadounidense de 30 años que ninguno de nosotros querríamos tener por vecina. Aloja en su cerebro una mente perversa, capaz de las más terribles atrocidades. Es una delincuente, una maleante, una desalmada, una facinerosa.
Para que os hagáis una idea aproximada de lo cruel que puede llegar a ser esta chica, debéis saber que no ha tenido reparos en bajarse 24 canciones de Internet a través de programas P2P y compartirlas gratuitamente con otros internautas. ¡Pero dónde vamos a llegar con seres así!
Pero no os preocupéis. La "justicia" norteamericana ha tomado cartas en el asunto y la ha castigado como se merece. Esta semana un juzgado de Minnesota la ha condenado a pagar a las discográficas 9.250 dólares por cada uno de los 24 temas que se ha descargado, lo que significa que en total deberá abonar 222.000 dólares. ¡Para que aprenda!
Dada la extrema gravedad del asunto, en la causa se han personado Capitol Records, Sony BMG Music Entertainment, Arista Records, Interscope Records, Warner Bros Records y UMG Recordings, que a estas horas están celebrando por todo lo alto la decisión que ha acabado tomando el jurado.
Me alegro. Estaba en juego el futuro económico de muchos artistazos, que a estas alturas, y con la jodida piratería haciendo estragos, apenas si pueden comprarse un par de jets privados, 4 ó 5 Ferraris y 2 ó 3 mansiones al cabo del año. ¡Qué desgracia por favor! Con todo lo que hacen por la sociedad, con las horas y horas que dedican a hacer de este un mundo mejor, con lo que se desviven por participar en causas solidarias cuando están promocionando sus discos, con lo bonachones que son joder, y esta choriza robándoles ¡24 canciones!. ¡Mala! ¡Delincuente! ¡No tienes corazón!
Desde este pequeñito y poco visitado blog, animo a la SGAE y compañía a que inicien una batalla legal de igual magnitud en este santo país. ¡Joder, que nos estamos jugando el futuro de apellidos ilustres como Bisbal, Sanz, Iglesias o Ubago! ¡Es que a este paso no les va a quedar más remedio que ir por la vida con sólo 6 ó 7 coches de clase alta sin más! ¡Nada de superdeportivos, nada de yates como los del Pocero! ¡Señores, que si las cosas siguen así van a tener que ponerse a trabajar, ostia! ¡Pero qué desgracia por favor!
Si se tiene que meter entre rejas a millones de jodidos internautas, liberticidas genéticos, incapaces de respetar la propiedad intelectual, que lo hagan. Todo sea por la música, por la vida, por la cultura, por Teddy Bautista, por Ramoncín (¡genio!), por esos dioses que lo dan todo por nosotros esperando a cambio sólo unos cuantos miles de millones de euros. Se merecen eso y más.
Extraido de una web de puta madre : http://www.abadiadigital.com
Cuando se habla de Megadeth de inmediato se viene a la memoria la imagen de Dave Mustaine y su cinturón de balas en el video de 'Holy Wars... The Punishment Due', la canción que da la partida a este disco espectacular que consolidó, definitivamente, la grandeza que la banda insinuó en el anterior "Peace Sell... But Who's Buying".
"Rust In Peace" es majestuoso, las guitarras son el elemento principal de un sonido potente, bien elaborado y convincente que encontraba en Marty Friedman al guitarrista líder ideal. Porque si bien Megadeth es, y siempre ha sido, la banda de Dave Mustaine, el hombre ha tenido el mérito de encontrar músicos que sean capaces de desarrollar sus ideas. Ahora con Friedman, el baterista Nick Menza y el siempre dispuesto bajista Dave Ellefson, la banda estaba completa con su mejor alineación y listos para entregar el disco más trascendente de su historia.
Como les contaba el disco arranca con 'Holy Wars'
una denuncia pública que hoy en día se hace más latente que nunca por los problemas en el Medio Oriente. Ya en esa época Mustaine le enrostraba al mundo que esos pueblos se estaban matando por religión o por un pedazo de tierra. O sea, Megadeth no era sólo música, también habían ideas, denuncias y un discurso que intentaba develar los misterios que han rodeado las intervenciones norteamericanas alrededor del mundo. En lo musical, esta canción debe ser una de las más importantes y reconocibles en la carrera de la banda, con una velocidad inusitada que reflejaba el speed thrash que los convirtió en uno de los 'cuatro jinetes' del movimiento de la Bay Area. Analicen cada estructura, cada melodía, cada solo, cada detalle, cada quiebre... Megadeth realmente hizo una obra maestra.
Después de esos....minutos de presentación, el disco sigue golpeando fuerte con 'Hangar 18'
otro polémico secreto que oculta el gobierno de Estados Unidos, el caso de los extraterrestres capturados en el Área 51 en Nuevo México. "Possibly I've Seen Too Much/ Hangar 18 I Know Too Much..." decía la amenaza de Mustaine, una amenaza que retrataba la actualidad de la banda y la preocupación por el ambiente que los rodeaba. Esta es otra de las canciones 'emblema' de la banda, enérgica y dinámica, con guitarras poderosas que se llenan con los juegos de Friedman y con la voz apretada de Mustaine que se consolidaba como la característica del grupo.
'Take No Prisoners' era una de las más polémicas del disco por el hecho de tener en su coro la palabra 'sh*t', eso generaba más controversia que la idea general que iba en contra de las guerras y el silencio que encierran. Esta canción tiene una estrofa con una de las ideas más memorables de Mustaine: "Don't ask what you can do for your country / Ask what your country can do for you" (No preguntes que puedes hacer por tu patria / pregunta que puede hacer tu patria por ti); la versión opuesta a la declaración del presidente J.F. Kennedy para alentar el patriotismo nacional. Eso era Megadeth en el '90, anarquía y rebelión, el cuestionamiento de todos los poderes fácticos a través del mejor metal del mundo.
Ya con esas tres canciones podemos estar absolutamente pagados, tres clásicos impresionantes que marcaron a una generación y que iniciaron el cuestionamiento de los años posteriores: ¿Metallica o Megadeth? Sin embargo, el disco sigue y las canciones se suceden. Tal vez lo que viene no haya trascendido tanto como las anteriores (las letras, por ejemplo, se ponen mucho más fantásticas), pero de todas maneras vale la pena recordar. 'Five Magics', 'Poison Was The Cure' y la risa hechicera de 'Lucretia' son el condimento de la idea general, con potencia, calidad y la distinción de los riffs de la guitarra. Todas ellas son distintas pero tienen el hilo conductor del virtuosismo, demostrado en cada detalle y sobre todo en los solos, porque hay que aclarar algo, Megadeth aparte de todo es una banda para guitarristas.
'Tornado Of Souls', 'Down Patrol' y 'Rust In Peace… Polaris' continúan el legado desde el arranque. La primera es notable por la búsqueda de los quiebres rítmicos y la aceleración de las cuerdas; la segunda destaca por la preponderancia del bajo y por la oscuridad de la advertencia final; mientras que la última, la que cierra el disco es otra majestuosa muestra de la pomposidad metalera que consiguieron en este disco: Nick Menza es un cañón detrás de los tambores; Friedman confirma porque es considerado como uno de los guitarristas más virtuosos y rápidos del metal; Ellefson mantiene su nivel parejo y de bajo perfil; y Mustaine desarrolla todo su ego de genio.
El cierre impecable para un disco histórico, el paso hasta la cumbre de una banda con un comienzo tambaleante que se consolidó de una manera diferente, oponiéndose y criticando, pero siempre con la música por delante, no se fueron en puros discursos y se preocuparon de crear la mejor música que podían... y lo consiguieron. Personalmente, yo me quedo con Megadeth, muchas más actitud y virtuosismo.
Dejamos cualquier actividad en el blog hasta septiembre, para ir dejando buen sabor de boca, unos videos que han salido ultimamente, de grupos de metal, de diferentes estilos......
Estamos en el año 1987, año clave en la evolución de la historia del rock y el metal, pues fue en ese año, junto con el 86 y el 88, cuando el por “muchos alabado, por muchos odiado” hard-rock reinaba con total autoridad en la comunidad metálica. Muchas grandes obras nos dejó esa intensa etapa: Slippery When Wet, The Final Countdown, Hysteria, Girls, Girls, Girls, Permanent Vacation, etc. Pero sin duda una de las mayores, por no decir la mayor, fue este genial álbum, llamado simplemente como el año que le vio nacer, 1987, obra de Whitesnake, la mítica banda británica de David Coverdale, uno de los mejores cantantes que haya dado el rock jamás.
El álbum mostraba a unos Whitesnake que empezaban una segunda etapa totalmente alejada de su estilo inicial: los discos de puro rock n’ roll con tintes blueseros y puro sonido británico dejaban paso a este 1987, un disco de puro hard-rock melódico de finales de los 80, con todo lo que eso conlleva: una imagen remozada y “americanizada”, cueros chillones, pelos cardados, cantidad de hits en las listas, emisión continúa de los temas en la radio y conciertos masivos. Aunque muchos seguidores de Whitesnake vieron (y siguen viendo) aquella nueva etapa como artificial, amanerada, e incluso muchos renegaron (y reniegan) de ella, 1987 es sin duda el mejor álbum de Whitesnake, y contiene muchas de sus mejores y más recordadas canciones.
Muchos aseguran que Whitesnake cambiaron la orientación de su sonido por expresa voluntad de Coverdale, que quería de una vez por todas conquistar USA por todo lo alto, tras un intento fallido del también genial, aunque olvidado, Slide it in, el último disco con su sonido primario. Junto con el virtuoso John Sykes a la guitarra ( que habría grabado parte de Slide it in para la edición americana), el recuperado Neil Murray y el nuevo fichaje Aynsley Dunbar (ex-Journey, entre otros) Coverdale consiguió parir un disco que, como quería, dio la vuelta al mundo.
Y no era para menos. El disco se abría con la mítica "Still Of The Night"
una de las canciones más recordadas de la historia del rock, con un riff de esos que se recuerdan generación tras generación.
"Bad Boys"
el segundo corte, era un petardazo hard-rockero cañero y directo, que se convirtió en un clásico inamovible de Whitesnake en los directos posteriores, e incluso en la actual gira de reunión sirve para abrir la mayoría de los conciertos.
El tercer tema era una semi-balada rockera de estribillo muy popular, aunque muchos la consideran extremadamente comercial; se trata de "Give Me All Your Love".
Por el cuarto tema la cosa se relajaba del todo con el impresionante baladón "Looking For Love", sin duda la mejor balada de Whitesnake: una voz desgarradora, instrumentación exquisita, complejísima y llena de atmósferas, donde la magia y los punteos imposibles de Sykes dejarán a cualquiera con la boca abierta.
"Cryin’ In The Rain" era una excelente versión de su viejo clásico blues, aparecido en el 82 en su clásico disco Saints and sinners. La diferencia de opiniones respecto cuál es mejor, si esta versión o la original, es enorme entre los fans de la serpiente, pero servidor cree que el trabajo de Sykes en la nueva versión es sencillamente espectacular.
Y entonces venía el gran suceso del disco: la archiconocida balada "Is This Love"
una de las canciones más famosas de toda la historia, y ya no sólo entre la comunidad metálica. Si bien la instrumentación no es nada del otro mundo, su estribillo pegadizo a más no poder la hace irresistible.
Tras esta inmortal balada venían tres grandes canciones de puro rock: la pegadiza y festiva "Straight For The Heart", la melódica "Don’t Turn Away" y la agresiva "Children Of The Night".
El disco continuaba de forma mítica con "Here I Go Again 87"
la versión de su misma canción también aparecida originariamente en el Saints and sinners, y que se convirtió en el single de más éxito de la historia de Whitesnake. La canción se iniciaba con una preciosa melodía de teclado y Coverdale cantando de forma cálida y brillante, para transformarse después en una enorme canción de hard-rock, con los dedos mágicos de Sykes deslizándose carismáticamente por el mástil.
El redondo se cerraba con la brutal e intensísima "You’re Gonna Break My Heart Again", sin duda, la canción más dura que Whitesnake compusieron jamás. Destacar que el disco se publicó en dos versiones: la americana, que cambiaba el color de la portada, eliminaba incomprensiblemente dos temas (Looking for love y You’re gonna break my heart again) y que cambiaba la configuración del track-list, y la del resto del mundo, la que nos ocupa en estas líneas, y la verdad, sea dicha, altamente superior.
Que el disco se editase en dos versiones (algo que sólo se explica desde una estrategia comercial de Mr. Coverdale) no agradó en absoluto ni a John Sykes ni a Neil Murray, y fue una de las razones de peso para que Coverdale cambiase totalmente la formación de cara a su siguiente álbum , el no menos conocido Slip of the tongue.
En definitiva, 1987 es uno de los monolitos, de las definitivas obras cumbre del hard-rock de finales de los 80, y dejarlo de escuchar por considerarlo artificial, amanerado y bastante peor que sus primeros obras, significa, a parte de no tener razón, dejar en el olvido a uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. En todos los sentidos, MÍTICO.
Pues sí, señores, The Ramones, toda una institución nivel mundial. Creadores de un sonido propio y peculiar largamente imitado, The Ramones es una banda que ha entrado en la historia de la música por la puerta grande merced a un trabajo honesto y de una calidad extraordinaria. Mucha gente piensa que “los tres acordes” de los Ramones son algo demasiado simple para catalogarlo de “delicatessen” musical, pero os aseguro que, después de escuchar este disco, no os va quedar mas remedio que quitaros el sombrero.
Supongo que en 1977 los discos en directo estarían de moda. El caso es que en ese año The Ramones, un cuarteto de N.Y. y que simulan ser una familia (en realidad el nombre “Ramone” lo cogen de una broma de Paul McCartney) han reventado ya el mercado con varios discos de un rock cañero, rápido, simple y potente que se empezaría a llamar Punk-rock. Sus actuaciones en el CBGB les dan la reputación suficiente para salir mas allá de los límites de la gran manzana y en sólo dos años y tres discos de estudio a sus espaldas dan el salto a la pérfida Albión para, en la nochevieja de 1977 en el Rainbow Theatre, grabar lo que más tarde sería uno de los discos definitivos de la historia.
Producido por su inseparable Ed Stasium, “It´s Alive” es uno de esos directos grabados en un solo día, que captan perfectamente lo que representaba el grupo en el escenario. Con un repertorio de 28 canciones, donde la mayoría no sobrepasa los dos minutos, dan un repaso a todos los clásicos de la banda en aquella fecha.
“Blitzkierg Bop”
“Rockaway Beach”
“Sheena is a Punk Rocker”
“We´re a happy family”
Las influencias de Beach Boys, Buddy Holly, Mc5 quedan patentes a lo largo y ancho del disco pero tamizadas por ese sonido característico de Los Ramones. Pocas pausas entre copla y copla, mucha energía y grandes dosis de diversión es lo que nos ofrecen los “hermanos Ramone”. El resto de la historia es de sobra conocido. Los siguientes años graban decenas de discos, unos mejores y otros peores pero todos con la impronta del grupo hasta su desaparición definitiva a finales de la década pasada. También hay otro directo “Loco Live” grabado en Barcelona (España fue durante mucho tiempo una especie de santuario para el grupo) pero que no alcanza las cotas de calidad de este “It´s Alive”.
Ahora que, desgraciadamente debido a los recientes fallecimientos de Dee Dee y Joey, es tarde para verlos en directo, a no ser que sea en el mismísimo Infierno, sólo nos queda consolarnos y recordarlos con discos como este. GABBA GABBA HEY!
Critica extraida de : http://perso.wanadoo.es/thesentinel2002/thesentinel-editorial.htm
Heavy Metal. Nada mejor que estas dos palabras para poder describir el contenido de esta obra maestra y atemporal de los británicos. Todos y cada uno de los adjetivos que puedan aplicársele a esas dos palabras, a ese género musical, pueden hacerse extensivas y aumentadas a “Sad Wings Of Destiny”. Un disco en el que Downing y Tipton hacen sonar sus guitarras más metálicas de lo que nunca nadie lo había hecho hasta ese día mientras que la voz de Halford está tan afilada como la cuchilla de Jack the Ripper, y donde Judas Priest se quitan de encima el estigma de Black Sabbath y superan con creces su titubeante debut.
Los clichés, los tópicos, las exageraciones, la simplicidad e infantilidad de unas letras a veces apocalípticas y otras que simplemente, como en el caso de “Victim Of Changes”, se comentan por si solas de lo manidas que son, y, en definitiva, todo lo que años más tarde sería la definición del Heavy Metal se dan citan, algunas por vez primera, en este disco editado hace mas de treinta años y que es necesario reivindicar, no ya por ser mejor o peor que otros posteriores sino precisamente por eso, por ser anterior a todos ellos, por su condición de pionero en muchas cosas (y deudor en otras que también hay que decirlo) y, claro está, por su inmensa calidad en cada una de sus coplas.
La apertura con “Victim Of Changes”
un complejo tema de casi ocho minutos con una parte central sobrecogedora que todavía hereda muchos guiños a Black Sabbath y una banda pletórica es, por derecho propio, uno de los grandes clásicos del grupo que no falta en casi ninguno de sus conciertos. Por el contrario, esto último es lo único que tiene en común con “The Ripper”
porque, aparte de ser otro gran clásico de la banda, aquí la banda se muestra directa, precisa y agresiva como el bisturí de Jack el Destripador. Sin duda una de las mejores interpretaciones de Rob Halford en toda su carrera.
“Dreaming Deceiver” es un medio tiempo reposado, lleno de reminiscencias de los Sabbath más tranquilos (aunque Halford no es Ozzy ni Ozzy es Halford) y que enganchan perfectamente (en realidad es un mismo tema divido en dos partes) con “Deceiver”.
Un descanso con “Prelude” y vuelta a la carga con otro clásico como “Tyrant” con Halford doblándose las voces de manera extraordinaria y unos guitarras, como siempre a lo largo y ancho del disco, tan simples y básicos como inspirados.
“Genocide”
mantiene sobradamente el listón con otra andanada de Heavy Metal con un curioso interludio donde una voz en off (otro detalle más de lo que luego harían decenas de bandas) nos anuncia, aunque sólo sea casualidad, el nombre del próximo lanzamiento de la banda. El siguiente es el tema raro, por decirlo de alguna manera, del disco. Y es que “Epitath” es de todo menos lo que te esperas de una canción de Judas Priest. Halford bordando una triste letra sobre un precioso y melancólico piano. Desde luego uno de los temas menos conocidos de la banda y que sin embargo es todo un placer para los oídos. Y para terminar, pues otro clásico porque “Island Of Domination” es el colofón perfecto para un trabajo perfecto con Halford desgañitándose una vez más sobre un estupendo riff.
Podríamos dividir las etapas de la banda por décadas, por cantantes o, medio en broma, por los diferentes logotipos que el grupo ha tenido hasta la fecha (curioso esto de los logotipos) e incluso, ya apurando la broma hasta la exageración, por la puñetera cruz (¡cosa más fea!) que sale por vez primera en este disco colgada del cuello del ángel.
Tonterías aparte, está claro que la época de apogeo, éxito y mayor inspiración de la banda fue la correspondida entre 1980 ("British Steel") y 1986 ("Turbo"), años donde pulieron definitivamente su estilo y alcanzaron un estatus de banda realmente grande, pero eso no es óbice para dejar a un lado su extenso y buen trabajo desarrollado en los años setenta, donde discos como éste y los siguientes dejaron el terreno bien abonado para su coronación en los ochenta como auténticos reyes del Heavy Metal.
Critica extraida de : http://perso.wanadoo.es/thesentinel2002/thesentinel-editorial.htm
Dave Lombardo es un baterista principalmente conocido como miembro original de la banda estadounidense de thrash metal,Slayer.
Si,en Slayer,jajajaja,empezamos con The Antichrist donde parece que se va a caer el escenario,velocidad,potencia,es Slayer,no hace falta que siga,¿verdad?
Demostracion de Lombardo de como se debe tocar Raining Blood en la bateria,sesion intensa desde luego,otra joya de Slayer.
Tenemos aqui dos de las mejores canciones de este gran grupo de thrash metal,para algunos,el mejor,¿pero tienen alguna cancion mala?:
Angel of Death que son 5 minutos de caña y velocidad con un riff de King que enloquece a la gente
War Esemble es otra de las canciones donde el thrash de Slayer se pasea por todo el lugar donde esten tocando y dejan a todo el mundo en pie aplaudiendo.
Lombardo nació el 16 de Febrero de 1965 en La Habana,Cuba y su familia se radicó en California,EE.UU. Dos años más tarde. Lombardo comenzó a tocar la batería a temprana edad, lo que le ha llevado a ser uno de los baterista más renombrados en el mundo del rock. Su trabajo con Slayer ha sido descrito como “asombrosamente innovador”, ha sido comparado con bateristas famosos como Virgil Donati y Mike Portnoy y ha recibido múltiples menciones en publicaciones y encuestas de bateristas, especialmente por sus interpretaciones en vivo.
Tambien grabo un disco con VoodoCult,aqui os dejo la cancion Killer Patrol,brutalidad pura y dura con Lombardo y sus baquetas.
Cabe mencionar que, aparte de la aclamación que su carrera con Slayer le ha traído, Lombardo también es un hábil baterista de jazz, como evidencian sus colaboraciones con Jhon Zorn Grip Inc. y Fantomas
Aqui tocando Rusty Nail con Grip Inc. con un cantante que tiene una voz cojonuda el y grupo suena de perlas.
Lombardo es miembro fundador de la banda pionera de thrash Slayer, con la cual tocó desde 1981 hasta 1992, cuando dejó el grupo para fundar Grip Inc. Su reemplazo en Slayer fue Paul Bostaph. Lombardo se reunió a la banda de forma provisional en 2001 para la gira de promoción del disco God Hates Us All y ha permanecido con el grupo desde entonces.
El 6 de julio de 2004 reemplazó al baterista de Metallica,Lars Ulrich,junto con Joey Jordyson,baterista de Slipknot, en el festival Download en Donningtong,Inglaterra, cuando Ulrich tuvo que ser hospitalizado.
Dos directos con Metallica en remplazo de Ulrich,Battery y The four horseman,canciones muy conocidas de Metallica que por supuesto no plantean ningun problema para Lombardo xD
Lombardo es reconocido también por su trabajo con otros músicos como Apocalyptica,Fantomas,Testament y Jhon Zorn.
Lombardo figura prominentemente en la pelicula Cremaster 2 del cineasta y escultor Matheww Barney. Lombardo esta casado y tiene dos hijos. Actualmente reside en Victorville, California.
Y para acabar un solo de Lombardo que espero os guste porque es acojonante,perdon si se corta un poco el video :(
Bueno,y hasta aqui el especial a Dave Lombardo,espero os haya gustado,primer especial que hago,a ver ahora las criticas.........jejejeje.
El siguiente álbum de la doncella sale en septiembre de 1986. "Somewhere in Time" traía un sonido que a muchos fans de la banda no les gustó; se incluyeron teclados y sintetizadores, marcando un ligero cambio en el estilo de sonido de la Doncella (incluso el Eddie de la portada se "modernizó", corvintiendose en una especie de robot cibernético). Destaca en este disco la activa participación en composición del Adrian Smith, con temas como
"Wasted Years"
"Stranger in a Strange Land"
A pesar del rechazo inicial de algunos fans, el disco alcanzó el puesto nº 3 en Inglaterra con estupendas canciones como "Heaven Can´t Wait" y el grupo se embarco en su nueva gira "Somewhere On The Road Tour".
Esta gira comenzó en Belgrado y terminó ocho meses más tarde en Osaka. El espectáculo de estos conciertos era sensacional, con plataformas que elevaban a los miembros de la banda y un Eddie inflable que mostraba su cabeza y sus garras a ambos lados del escenario. Iron Maiden tocó en numerosos paises y dio numerosas entrevistas, con lo que se recogió material para la edición en 1987 de "12 Wasted Years", un video docuental sobre los 12 años de vida y éxito de la banda.
"Seventh Son Of A Seventh Son" sera el séptimo disco de Iron Maiden, el cual verá la luz en abril de 1988. Continua la senda del disco anterior, con el uso de nuevo de sintetizadores y en él se pueden encontrar temas como
"Can I Play with Madness"
"The Evil That Men Do"
"The Clairvoyant" (Increible video promocional del Festival de Donington)
Éste fue el primer álbum conceptual de Iron Maiden, inspirado en la leyenda del "séptimo hijo del séptimo hijo", al cual combatiría a las fuerzas del mal. La gira "Seventh Tour Of a Seventh Tour" comenzó en EE.UU. y llevo a la banda a tocar en la mítica novena edición del festival de Donington, junto con Megadeth, Kiss y Guns'N Roses, donde se congregó la mayor afluencia de espectadores de la historia.
En este momento la banda se toma un ligero descanso. Bruce y Adrian grabaron por una parte material propia mientras que Steve Harris se pasó el tiempo editando las grabaciones de Birmingham para el video "Maiden England", que se lanzó en noviembre de 1989, siendo uno de los vídeos más vendidos de la Doncella.
Después de siete años de formación estable, surge un nuevo abandono en el seno de la banda. Adrian Smith, que había estado el año anterior trabajando en solitario para su proyecto A.S.A.P., decide que no puede dar el 100% en la banda y que quiere desarrollar su propio estilo. De mutuo acuerdo abandona el grupo y su sustituto fue Janick Gers, conocido por haber tocado con Ian Gillan entre otros y por haber trabajado con Bruce Dickinson en su álbum en solitario "Tattoed Millionare".
Tras la incorporación de Janick Gers, la banda lanza en octubre de 1990 su nuevo disco: "No Prayer For The Dying". Iron Maiden intentan volver al sonido de sus raices, abandonando el uso de los sintetizadores, pero el álbum no consiguió los niveles de popularidad deseados, pese a contar con buenos temas como
"Holy Smoke"
"Bring Your Daughter To The Slaughter"
y llegar al Nº 2 en Inglaterra. Para la gira "No Prayer On The Road Tour 90-91", Iron Maiden abandonó las grandes producciones pasadas y simplemente cubrian el escenario con un enorme telón. El recorrido de la girá finalizó prematuramente en Salt Lake City (se había planificado ir a Japón y Australia), debido a las dificultades que aparecieron con la guerra del Golfo.
Para el siguiente disco, se decidió que Eddie necesitaba un notorio cambio de imagen. Este fue el primer albúm en el que Derek Riggs no haría la portada, sino Melvyn Grant, el cual varío el rumbo de las últimos diseños de Derek. El álbum "Fear of the Dark" salió a la venta en mayo de 1992 y la banda consiguió su tercer primer puesto en las listas de Inglaterra.
"Fear Of The Dark"
"Be Quick Or Be Dead"
"Afraid To Shoot Strangers"
Su nuevo tour comenzó en Escandinavia y de nuevo volvieron a Donington, donde se filmó el show para un futuro álbum.
En este momento se produce el mayor punto de inflexión de toda la historia de la banda: Bruce Dickinson decide abandonar la banda para dedicarse a su carrera en solitario por completo. A pesar de las insistencias del resto de la banda, la decisión ya estaba tomada. Steve Harris decidió recopilar grabaciones en directo para la edición de un doble álbum, que finalmente se editó en dos discos separados, "A Real Dead One" con material en directo desde el inicio hasta 1985 y "A Real Live One" con grabaciones desde 1986 hasta 1992. También se lanzó otro doble álbum en directo con la grabación del espectáculo de Donington llamado "Live At Donington", saliendo en agosto de 1992. Dickinson tubo la oportunidad de despedirse de sus fans en el concierto efectuado el 28 de agosto de 1993 en los Pinewood Studios de Inglaterra, grabación que se editó en el video "Raising Hell".
Tras doce años de Bruce Dickinson, la banda se vé obligada a buscar un nuevo cantante. Desde luego tenía que estar a la altura de lo que Iron Maiden representa y se barajaron nombres como el de Michael Kiskie (ex-Helloween), Joey Belladona (ex-Anthrax) e incluso el mismísimo Paul Di'Anno. Tras la escucha de 5000 cintas, el elegido para cubrir el puesto fue Blaze Bayley de Wolfsbane, dato que la banda anunció a finales de 1993, junto con la noticia de la grabación de un nuevo álbum. Además del nuevo vocalista, Iron Maiden cambió de productor. Desde 1980 Martin Birch había producido o co-producido los álbumes de la Doncella.
Para el siguiente disco, la banda se tomó su tiempo con el fin de no precipitar los acontecimientos, además Blaze sufrió un accidente de moto que le hizo perder tiempo con la reciperación. Así, "The X-Factor" salió el 2 de octubre de 1995 para demostrar que Iron Maiden tenía un aceptable futuro sin Bruce Dickinson. Canciones como
"Sign of the Cross" (Con Bruce Dickinson, originalmente canta blaze bayley)
"Man On The Edge" (Aqui si es blaze bayley jejejejeje)
muestran unas composiciones más maduras y quizá más complejas que las de los primeros discos. La gira de presentación del disco pasó por Israel, Sudáfrica, Bulgaria, Hungria, Rumanía, Canadá o Japón. En verano tocaron en Sudamérica y en varios festivales como el "Monsters of Rock" ante 50.000 personas en Sao Paulo.
Blaze Balyley demostró desde el principio que no venía a sustituir a nadie, tenía su estilo propio, pero cierto es que su voz no se adaptaba bien a las antiguas canciones con Bruce Dickinson.
Posteriormente apareció el disco recopilatorio "The Best Of The Beast" con los grandes clásicos de la banda y una nueva canción: "Virus"
Este disco tenía como portada una recopilación de todos los Eddies anteriores de la banda juntos. El siguiente disco fue "Virtual XI", un disco que continuaba las composiciones de "The X-Factor" con temas como "Don't Look To The Eyes Of A Stranger", "The Clansman" o la energética "Futureal"
Para la portada vuelven a contar con Melvyn Grant, que creará un Eddie un tanto especial, mostrando sólo su cabeza. En la gira de presentación este disco, durante la guira Sudamericana en 1998, se decidió prescindir de los servicios de Blaze Bayley, pues se tuvieron que cancelar algunos shows debido a que las actuaciones del mismo dejaban en algunos momentos bastante que desear, terminando aquí esta corta etapa de la banda.
Después del fuerte cruce de declaraciones que mantenían Bruce y el resto de la banda tras su salida del grupo, nadie podía imaginar la noticia que se produciría en enero de 1999: Bruce Dickinson volvía al seno de Iron Maiden, y no lo hacía solo, también regresaba Adrian Smith y sin producirse la salida de ninguno de los actuales guitarristas, con lo que Iron Maiden comenzaba una nueva etapa de rejuvenecimiento con Bruce Dickinson y tres guitarristas. Para conmemorar esta reunión y los 20 años de "Iron Maiden", se lanza "Ed Hunter": un recopilatorio con 20 temas elegidos por los fans a través de Internet y que incluía el videojuego "Ed-Hunter". Como cabía esperar tras la reunión, la gira posterior fue un rotundo éxito.
El esperado nuevo single "The Wicker Man"
salía a la venta el 8 de mayo del 2000, demostrando que empezaba una nueva etapa llena de buena música. El disco, con portada a manos de Derek Riggs de nuevo, no se hacía esperar y salía el 29 de Mayo bajo el nombre de "Brave New World".
A pesar de que todos los integrantes de la banda pasaban de los 40 años, la bestia nos trajo un disco lleno de rabia y calidad para tapar la boca de aquellos que pensaban que Iron Maiden habían muerto. Bruce volvía a demostrar ser una de las mejores y más potentes voces del mundo y los tres guitarras adornaban cualquier rincón de cada canción, con múltiples solos por parte de los tres.
Durante el año 2002, Iron Maiden lanzó una gran cantidad de material. Lanzó la grabación del "Rock In Rio 3", tanto en doble disco como en DVD (con material extra), un concierto verdaderamente impresionante. También es lanzado un nuevo recopilatorio bajo el nombre de "Edward The Great". Tras el disco en directo y el recopilatorio, se saca una caja, llamada "Eddie's Archives", con material especial como "Beast Over Hammersmith" con la grabación del mítico concierto de 1982 en el Hammersnith Odean en la gira de "Beast On The Road Tour", el "BBC Archives", un doble con grabaciones del "Friday Rock Show Session de 1979", "Reading Festival" de 1980 y de 1982 y el "Monsters Of Rock Festival" de Donington de 1988, así como otro doble con las caras B de todos los discos de la Doncella. Desde luego un auténtico lujo para los fans de la banda. Estos lanzamientos sirvieron para una nueva gira durante el 2003, "Give me Ed 'Till I'm Dead" donde tocaron un gran repertorio de canciones de todas sus épocas, con un escenario decorado con tapices con todos los Eddies de su historia. En estos shows tocaron alguna canción del nuevo disco que estaba ya grabado y que saldría en breve.
A mediados del 2003, se lanza un nuevo DVD "Visions of the Beast" que contenía todos los videoclips de la historia de Iron Maiden perfectamente organizados, así como alguna que otra sorpresa oculta (como pista mencionar el texto de la camiseta que vestía Steve Harris durante la gira: "666 The Number of the Beast, 664 The Bloke Next the Beast"). En septiembre se lanza el nuevo álbum "Dance of Death", un disco que continua por la senda marcada por el anterior "Brave New World", incluyendo grandes canciones como
"Rain Maker"
"Wildest Dreams"
"No More Lies" o "Montsegur". Como era lógico, el disco viene seguido por una gira que recibe una aceptación enorme, donde en ciertas canciones del nuevo disco el escenario acompaña con la decoración a las mismas y Bruce Dickinson se disfraza ejecutando sencillas representaciones de ambientación.
Tras esta gira, Iron Maiden anuncia su intención de bajar el ritmo de actuaciones a partir del 2004, de modo que los conciertos para la nueva gira se llevarán a cabo en menos ciudades que las anteriores, lo cual empieza a notarse en la rápida venta de entradas para los pocos conciertos anunciados, agotando en pocas horas la mayoría de ellas, según salen a la venta. El último lanzamiento, y motivo de la gira, es un DVD muy especial: recoge grabaciones en directo de las primeras épocas de Iron Maiden, como "Live at the Rainbow" de diciembre de 1980, "Beast Over Hammersmith" de marzo de 1982 y "Live ar Dortmund" en 1983 en Alemania, así como un documental sobre la época y otros contenidos extra. Dado el lanzamiento de este DVD, Iron Maiden han anunciado que para la gira volverá, a la época del "Number of the Beast" con la decoración del escenario y con la elección de gran parte del repertorio. Así pues, una oportunidad única para volver a ver a los Iron Maiden del '83.
En el 2006, salio a la calle su ultimo album hasta la fecha de hoy, "A Matter Of Life And Death" con varias canciones de grande factura "Different World"
"Longest Day"
con otra gran gira que les ha llevado por todo el planeta.
Biografia extraida de : http://www.webironmaiden.com
