[RiPMeTaL]

Rise To Fall "Restore The Balance" (2010)

2010-03-19T23:23:00.006+01:00

Disco debut, y para mi, sorpreson y uno de los discos del año, estos vascos, me sorprendieron nada mas escuchar su single debut......

"Redrum"

Un disco que llevo escuchandolo varias semanas, ESPECTACULAR, death melodico con una produccion INCREIBLE, todavia me pregunto si son vascos, no acabo de creermelo ;)

Todo el disco, es UNA AUTENTICA PASADA!!!! DE ESCUCHA OBLIGADA!!!

Raices del Metalcore!!! (Parte 1)

2009-08-24T20:46:00.005+02:00

Despues de tanto sin dar señales de vida, he vuelto para intentar enseñar a una persona, colega mia, raices de un estilo que ahora esta tan de moda, el metalcore, nessslipknot, es va para ti!!!

Tampoco me quiero extender mucho en el tema, pero bueno, para mas informacion nos podemos ir aqui http://es.wikipedia.org/wiki/Death_metal_mel%C3%B3dico o a este http://es.wikipedia.org/wiki/Death_metal , de todas maneras, eso es historia y ahi esta, pero vamos a realmente interesante, y son los videos, y por eso estoy aqui............

Una de las principales influencias, sin duda es AT THE GATES, su disco de 1995 "slaughter of the soul" marco las bases de lo que seria el death melodico en años posteriores, una buenisima critica, la tenemos aqui http://www.elportaldelmetal.com/critica/gates-slaughter-soul de los colegas del portal del metal, y tambien en este mismo blog, este disco que se sale de principio a fin y tengo que decir, uno de mis discos favoritos!!!!

"Blinded By Fear"

si la anterior tenia caña, la que da nombre al disco, es LA PUTA POLLA!!!!

"Slaughter Of The Soul"

No voy a poner mas canciones, por que si no, meto todas las canciones del disco ;) DISCO RECOMENDADISIMO y uno de los mejores discos del genero!!!!

Otro de mis favoritos, IN FLAMES, una banda que tiene 2 etapas super diferentes, una que es totalmente innovadora y altamente aconsejable con discos como JESTER RACE, WHORACLE, COLONY (con este disco los conoci yo) y por supuesto CLAYMAN, y su etapa americana, donde se amariconaron totalmente, tienen canciones buenas, pero en conjunto no superan a su primera etapa, le toca el turno a un corte del disco JESTER RACE.....del año 1996.

"Artifacts Of The Black Rain"

Y ahora no nos olvidemos de uno de sus grandes exitos de su primera epoca...........

"Food For The Gods"

No nos podemos olvidar de estos finlandeses que con un toque mas melodico y con algo de power metal, pero igual de salvaje, consiguieron muchisimo exito alla por el año 1997, con su disco debut, SOMETHING WILD, si, me estoy refiriendo a CHILDREN OF BODOM, su single debut......

y para acabar con esta grandisima banda COB........

"Silent Night, Bodom Night" del mismo disco del 97!!!!!

Otro de los pioneros del estilo, DARK TRANQUILLITY, empezaron mas o menos por el mismo año que IN FLAMES, la principal diferencia entre ellos es que IF han cambiado para mariconarse y DT mantienen ese sonido del metal melodico, una banda que no ha perdido sus raices, BRAVO POR ELLOS!!!!!

"Punish My Heaven" del su disco Gallery del 95.

Como se puede apreciar, este video es su ultimo single del 2007, y mantienen ese sonido que les hizo famosos.....

"Focus Shift"

Y para acabar esta primera parte, otros que tambien salieron de suecia, SOILWORK, con su segundo disco, dejaron a criticos y fans acojonados, THE CHAINHEART MACHINE es el disco en cuestion, y esta una de las mejores canciones......

"Generation Speedkill"

Otra prueba de su death metal melodico...........

"Stabbing The Drama"

Con esto doy por terminada la primera entrega, pero tranquilo ness, que pronto te preparo otra, para que luego no digas o pienses que no se hace buen metal en europa...........

UN SALUDO!!!

Judas Priest - Nostradamus (2008)

2008-07-05T21:13:00.003+02:00

Despues de tantos meses sin publicar nada interesante, voy a comentar unas palabras sobre la ultima obra de los JUDAS, y es que hay opiniones para todos los gustos, que es un mierda o que es una obra maestra..........como acabo de decir para gustos...

Primeramente, hay que decir que Judas Priest ya no deben demostrar nada a nadie, por discos como stained class, hell bent for leather, british steel, screaming for vengeance o painkiller son autenticas leyendas del heavy metal y eso nadie lo pone en duda, pero, aqui llega el kit de la cuestion, han realizado una obra conceptual u opera rock (como mas os guste), se han arriesgado a realizar una obra dificil de digerir y que no entra en la primera escucha, pero despues de escucharlo varias veces por lo menos "para mi" me parece un DISCO NOTABLE.

El disco tiene muchas introducciones, con duraciones de 1 o 2 minutos, que si por mi fuera algunas las quitaria, y hay varias canciones que son de obligada escucha como PROPHECY, REVELATIONS, WAR, PESTILENCE AND PLAGUE, CONQUEST y NOSTRADAMUS, para mi las mejores.

Aparte de estas canciones, han incluido varias baladas que no son gran cosa, pero que igual a alguien le deja buen sabor de boca, particularmente a mi no me dicen nada.
Hay en momentos que se hace algo tedioso, y aburrido, pero luego vuelve a subir, para luego otra vez venirse abajo, si tuviese que quedarme con uno de los dos discos, me quedaria sin duda con el primero, aunque siendo un disco conceptual con muchas intros y siendo doble cd, no pueden ir por separado, se debe escuchar entero.

Otra de las cosas que distinguen a JUDAS de las demas bandas es que siempre han intentado innovar, recuerdo en su epoca que el PAINKILLER no fue bien recibido por sus fans, para despues ser considerado uno de los mejores discos de su carrera (y uno de los mejores del HEAVY METAL), y es que JUDAS han intentado siempre innovar, si hubieran hecho un disco del tipo BRITISH STEEL, se les criticaria que se repiten, pero no, han intentado innovar, y es bueno darle una OPORTUNIDAD.

Ahora solo os queda a vosotros la ultima decision, escucharlo y que cada uno saque sus propias conclusiones, para mi es un GRAN DISCO.

Os dejo el primer single del disco "WAR"

Espero no tardar tanto en publicar mas cosas en el blog...UN SALUDO!! :)

KEVIN DUBROW, descanse en PAZ!!!

2007-11-28T12:53:00.000+01:00

Como ya hemos informado previamente, el cantante de QUIET RIOT Kevin DuBrow fue encontrado muerto su casa de Las Vegas el pasado domingo 25 de noviembre a los 52 años de edad. Todavía se desconocen las causas del fallecimiento, que se harán públicas tan pronto como terminen la autopsia y se sepa el resultado de los análisis de toxicología.

Según cuenta MTV.com, un vecino del cantante alertó a la policía, que levantó el cadáver a las cinco y veinte de la tarde. El vocalista había estado el mes pasado en Nueva Orleans celebrando su cumpleaños y según personas cercanas a DuBrow, parecía encontrarse bien de salud. Un portavoz del departamento de policía de Las Vegas declaró que no se habían encontrado signos de violencia ni cerraduras forzadas.

Compañeros de banda como el bajista original de QUIET RIOT Kelly Garni, el guitarrista Alex Grossi, Chuck Wright o el batería Frankie Banali, han realizado breves declaraciones pidiendo respeto y lamentando la pérdida de su amigo no demasiado aclaratorias; al igual que Bill Chavis, presidente del sello Chavis Records que editó en el 2006 el último álbum de QUIET RIOT "Rehab".

Aparte, Frankie Banali ha enviado un breve comunicado a la CNN hablando de la muerte de DuBrow, y hasta Rudy Sarzo ha comentado sobre el asunto a Headbanger's Blog:

"Todos estamos todavía conmocionados," declaró Sarzo a Headbanger's Blog. "Esto es lo último que esperas escuchar cuando te levantas por la mañana. Era alguien que amaba la vida. Le encantaba divertirse y pasar un buen rato. Todos los días para él eran una fiesta, así era cuando tocábamos juntos."

Sarzo añadió, "Creo que será recordado por ser un auténtico cantante de rock. Fue uno de los mejores cantantes de los '80s."

Varias fotos profesionales del fallecido cantante de QUIET RIOT Kevin DuBrow recopiladas a lo largo de los últimos 25 años pueden verse en Wire Image.

Un reportaje de MSNBC.com sobre la muerte de DuBrow puede verse aquí.

QUIET RIOT se formaron en 1975 de la mano del fallecido guitarrista Randy Rhoads, conocido luego por su estancia en los dos primeros álbumes de OZZY OSBOURNE.

Rhoads se acompañó del bajista Kelly Garni, el batería Drew Forsyth y el cantante Kevin DuBrow, consiguiendo editar el debut homónimo del grupo con la división japonesa de CBS/Sony en 1977. Dos años más tarde y con la misma compañía, lanzaron su segundo álbum titulado “II”, un disco que a la postre marcaría el fin de esta primera etapa del grupo, que se separó al marchar Randy Rhoads a OZZY OSBOURNE. Aunque habían obtenido cierta respuesta en Japón, estaban algo decepcionados al verse circunscritos a la tierra del sol naciente mientras que en el resto del mundo seguían siendo unos completos desconocidos.

DuBrow formó su propia banda llamada DUBROW, grupo que pasó a llamarse QUIET RIOT en 1983 con una formación totalmente renovada. En la batería se encontraba Frankie Banali, la guitarra corrió a cargo de Carlos Cavazo y el bajista elegido fue el renombrado Rudy Sarzo. Ese mismo año editaron con Epic el álbum "Metal Health", impactando en las listas americanas con la versión de los británicos SLADE "Cum' On Fell The Noize" y con el tema título. El disco es considerado el primer álbum de Heavy Metal en conseguir el número 1 en EE UU.

A pesar del fulgurante renacimiento, las siguientes ofertas del grupo no corrieron la misma suerte. La misma formación intentó repetir la fórmula un año más tarde con "Condition Critical", incluso realizaron otra versión de SLADE grabando "Mama Weer All Crazee Now", pero aunque el disco fue bien recibido, no alcanzó las cotas de su predecesor ni de lejos.

Ya en el 86 apareció "QRIII" a través de Epic, un álbum en el que se estrenaba el bajista Chuck Wright y del que singles como "Twilight Hotel" o "The Wild And The Young" pasaron prácticamente desapercibidos. Este descenso de la popularidad se vio incrementado por los comentarios despectivos e hirientes en ocasiones, que DuBrow realizaba en las entrevistas, insultando a bandas coetáneas, periodistas e incluso al propio sello del grupo. Sus compañeros de banda se cansaron hacia el final de la gira de "QRIII" en 1987, dejando a DuBrow tirado en un hotel y marchándose en el primer vuelo.

Cavazo y Banali recompusieron el grupo con el bajista Sean McNabb y el cantante Paul Shortino (ex-ROUGH CUTT), pero el álbum homónimo editado en 1988 con el desconocido sello Pasha falló estrepitosamente sumiendo al grupo definitivamente en el olvido.

Cinco años más tarde Cavazo y Banali vuelven con DuBrow de nuevo al frente, y otro bajista llamado Kenny Hilleri (que se suicidó el 5 de junio de 1996). Editan con Edel Records un aceptable, aunque para nada notorio "Terrified", disco que tuvo continuación en el año 95 con "Down To The Bone", lanzado por Kamikaze Records y de nuevo con Chuck Wright al bajo.

Ya en el 99, Rudy Sarzo regresa al grupo para lanzar "Alive And Well" con Cleopatra Records, y aunque la formación parecía sólida después de la edición de "Guilty Pleasures" en el 2001, Sarzo vuelve a marcharse poco después y no queda muy bien con DuBrow, habiendo tenido ambos hace unos meses ciertos cruces de declaraciones.

Ya con Cavazo fuera de la banda, DuBrow y Banali editaban "Rehab" en octubre del 2006 con Chavis Records y acompañados del guitarrista Neil Citron y del ex-bajista de THE FIRM y BLUE MURDER entre otros Tony Franklin.

Sirva esta breve biografía de tributo a DuBrow, en cuanto tengamos más noticias seguiremos informando.

Desde RafaBasa.com enviar nuestras condolencias a sus amigos y familiares.

"Bang Your Head (Metal Health)"

"Cum On Feel The Noize"

"The Wild And The Young"

"Mama Were All Crazee Now"

"Let`s get Crazy"

"Picking Up The Pieces"

Extraido de : www.rafabasa.com

DEATH "THE SOUND OF PERSEVERANCE" (1998)

2007-11-11T19:06:00.000+01:00

Es recurrente en las conversaciones acerca de metal lo difícil que es innovar en el género. En ocasiones, parece como si ya estuviera todo inventado, y lo único que los grupos pueden hacer a estas alturas es imprimir su sello personal en la música.

Para llegar a donde estamos, sin embargo, sí que hizo falta que una serie de bandas fueran un paso más allá, que experimentaran con su sonido para abrir nuevas vías de creación. En el caso de la formación que nos ocupa, fue indispensable su trabajo para que el metal extremo, en concreto el death metal, surgiera y evolucionara. Junto a Possessed, los primeros Sepultura u Obituary, Death suponen uno de los pilares básicos del metal, que no sólo ayudaron a crear un estilo sino que tuvieron mucha parte de culpa en el desarrollo posterior del mismo. Hoy, curiosamente, os quiero hablar del último álbum en estudio del grupo, cuando éste ya estaba asentado de sobra en el mundillo.

"Scavenger of Human Sorrow"

"The Sound Of Perseverance" supone para mí, sin ningún género de duda, un disco que todo aficionado al metal debería, cuanto menos, conocer su existencia y haberlo oído aunque fuera una vez. Puede que me esté posicionando demasiado a favor de él, e incluso dar la sensación de despreciar a quien no lo tenga en cuenta. Como siempre digo, los gustos personales son como los culos, que cada uno tiene el suyo, y si este trabajo no te hace gracia no puedo censurarte ni tacharte de nada. Sólo asevero que para todo el que quiera conocer el desarrollo e historia del metal, este "The Sound Of Perseverance" debería ser de obligada escucha.

La razón de la grandeza de este Lp es que en él se encuentran todos los rasgos que definen el metal en general. Hay crudeza, sobre todo gracias a la voz de Chuck Schuldiner en este disco, muy cercana al black metal y que sin duda pone los pelos de punta. Hay técnica, siendo este uno de los trabajos más perfeccionistas y bien logrados en ese sentido que he tenido la suerte de oír. Hay fuerza, velocidad, hay majestuosidad, hay momentos más pausados (imprescindible el tema "Voice Of The Soul", con la conjunción grandiosa de guitarra acústica y eléctrica), hay oscuridad, letras muy filosóficas y misteriosas, hay caña... e incluso una sorpresita final.

Chuck Schuldiner, líder del grupo y desgraciadamente fallecido en 2001 a causa de un cáncer, demuestra en este largo por qué debe ser considerado uno de los mejores guitarristas y vocalistas de metal extremo de la historia. Y es que oír sus armónicos, sus solos, sus arpegios...es comprender lo enorme que Death fueron. Además, Chuck no estaba sólo en "The Sound Of Perseverance". Como siempre hizo a lo largo de su trayectoría (y es que Schuldiner nunca contó con una formación fija en su grupo, pasando por él muchos músicos distintos, entre ellos Steve Digiorgio y Ralph Santolla), contó con la colaboración de unos músicos de primer nivel. Scott Clendenin al bajo realiza un trabajo sobresaliente, sirviendo de excelente apoyo al dúo de guitarras. En éstas se encontraba junto a Chuck Shannon Hamm, complemento perfecto al talentoso líder de la banda. Da gusto oír cómo se complementan a las mil maravillas a lo largo de todo el álbum, repartiéndose los solos y facturando una obra de gran calidad.

"Spirit Crusher"

Por último, lo que Richard Christy aporta a éste álbum nunca es convenientemente valorado. Porque la batería de "The Sound Of Perseverance" me parece, de verdad, de lo más enorme que me he echado a la cara. Ritmos jazzísticos muy complejos, una pegada a los parches de una rotundidad asombrosa, un manejo de los platos genial, un doble bombo usado con mucha sabiduría, momentos más pausados y enrrevesados mezclados con otros de puro y directo death metal...perdonad si me vuelvo un poco fan empedernido de este disco, pero para mí es demasiado.

¿Qué decir de las composiciones excelentes, de las letras profundas y conseguidas? Sólo puedo pediros que os atreváis a escuchar el álbum, incluso aunque el metal más cañero no os haga excesiva gracia. Sabréis todo lo que Death aportó al death metal y al desarrollo del technical death metal posteriormente. Todo está encerrado en este complejo álbum, que quizá por esta complejidad haya que analizar en varias escuchas. Que, espero, os enganche tanto que no os importe hacerlas.

¡Se me olvidaba la sorpresa que os comenté! "The Sound of Perseverance" se atreve a cerrar con una version del "Painkiller". Y...no sé si decir que mejora la original porque los Judas y Halford me gustan demasiado, pero oír los agudos asombrosos de Chuck en su rasgadísima voz, la caña burra de los instrumentos y la manera en que cambian los solos para que suenen más como la tónica general del álbum, es algo muy grande.

"Painkiller"

Grande como Death, y como este disco.

Critica extraida de : http://www.metalsevilla.com

HELLOWEEN "KEEPER OF THE SEVEN KEYS I & II" (1987 y 1988)

2007-10-15T13:42:00.000+02:00

Volviendo la mirada 15 años atrás en el tiempo, recuerdo que Helloween se había dado a conocer en nuestro país con el “Walls of Jericho”, un album que incluso tocaron en forma íntegra en el espacio “Música a otro Nivel” en la radio Tiempo.

Sin duda, el impacto de “Walls” fue grande y todos los que estábamos en el metal en esa época, tuvimos la oportunidad de descubrir una banda nueva de Alemania, desde donde antes sólo conocíamos a Scorpions y Accept (y a unos primigenios Kreator, Sodom y Destruction).

Quizás debido a su estilo acelerado y speed, Helloween fue etiquetado lisa y llanamente como Thrash Metal, ya que la denominación “Power Metal” o “Melodic Power Metal” ni siquiera se acuñaba todavía.

En esos tiempos pretéritos, las noticias escaseaban, no existía internet, ni siquiera revistas especializadas en nuestro país, sólo los fanzines con calidad de fotocopia, por lo tanto, era muy difícil saber los movimientos de las bandas. Por lo general uno se encontraba con las novedades cuando iba a una tienda de discos y descubría con excitación que había llegado el nuevo album de alguna banda. Por ello, muchos se sorprendieron al ver que en el “Keeper 1” debutaba un nuevo cantante: Michael Kiske. Si bien es cierto Kai Hansen no cantaba mal y poseía una voz alta y aguda, era un “guitarrista que cantaba”, por lo que la incorporación de Kiske se constituyó en un real aporte y en un acierto destacado. Su voz pletórica, su amplio registro, su caudal generoso, de inmediato hicieron que Kiske se ganara el cariño y respeto de todos los fans, no sólo de Helloween, sino del metal. Claro, no todos los días aparecía un cantante que se pudiera parar de igual a igual al lado de un Dickinson por ejemplo. Además no cantaba con ese extraño acento alemán que por esos días tenían Klaus Meine de Scorpions y Udo Dirksneider de Accept.

El ritmo marcial de la intro “Initiation”, fluídamente daba paso a la potencia acelerada de “I´m Alive”

un tema de esos para cantar con el puño apretado y desatar el headbanging. Sin duda, un clásico instantáneo que deslumbraba además, por sus punteos de guitarras “gemelas” de exquisita técnica de la dupla Michael Weikath/Kai Hansen, siempre apoyado por el bajo poderoso y rimbombante de Markus Grosskopf y la batería inagotable y llena de talento de Ingo Schwichtenberg, un bateria pletórico, que lamentablemente hace unos años, sumido en una profunda depresión, acabó trágicamente con su vida suicidándose.

La cosa no podía continuar de mejor forma que con la maravillosa “A Little Time” un tema de autoría de Kiske, donde el novato cantante demostraba todo su talento como compositor.

Ya con la llegada de “Twilight of the God”

de ritmos cambiantes y con la voz subiendo y bajando, quedaba claro con sólo escuchar 3 temas, que Helloween había logrado superar el listón que había quedado con “Walls” y era una banda mejor en todos los sentidos. Sin duda en esto tuvo mucho que ver la incorporación de Kiske, que le dio una nueva dimensión al sonido del grupo con su extraordinaria voz; pero Weikath y Hansen mejoraron como compositores (como lo demuestran la riqueza de los arreglos de la poderosa balada “A Tale That Wasn´t Right” por ejemplo), y toda la banda mejoró como ejecutantes, como queda de manifiesto en el himno “Future World”

quizás un tema más accesible, más “radial” pero impecablemente matizado y arreglado con sutilizas técnicas como la utilización de un Emulator.

Si a esta altura el album ya podía vaticinarse como un clásico seguro dentro de la discografía del grupo, aún faltaba esa obra magnánima de 13 minutos de duración que lleva por título “Halloween”,

un temazo por donde se le mire, con una base demoledora, la voz de Kiske a tope de facultades y unas guitarras avasallantes que te dejan sin aire de sólo imaginar como simples mortales podían germinar con febril brillantez solos tan técnicos pero llenos de feeling a la vez. Sin duda, la guinda de la torta y que dejaba en evidencia además la prolija y cuidada producción de Tommy Newton y Tommy Hansen tras las perillas, dos desconocidos, que unos años más tarde se convertirían en verdaderos “gurús” del estilo y muchas bandas pasarían bajo su tutela buscando ese “sonido” a lo Helloween. ¿Qué más se puede decir de album impecable, que rezuma potencia y calidad en todos sus surcos demostrándonos a una banda que se acercaba paulatinamente al peak de su capacidad y de su talento?

Tal vez la única crítica negativa que se podría hacer a este album que con justicia se ganó un sitial de honor entre los discos clásicos del metal, sea su corta duración: sólo 37 minutos de música.

Y no hay que olvidar que todos sabíamos que venía un “Keeper” Parte 2, pero muy pocos, a la luz de los impecables pergaminos expuestos en esta primera parte, confiaban en que la banda sería capaz de superar el nivel de esta placa. Pero los milagros ocurren y fue ahí cuando por primera vez escuché la frase “ a veces, segundas partes son incluso mejores”.

Es cierto. El “Keeper 1” es mucho más trascendente que esta segunda parte, porque mostró una fórmula nunca vista hasta el momento y es esa placa la que genera más influencia en el mundo del heavy metal. Pero muchas veces caemos en la tentación de echar a competir un par de discos de alguna banda y creemos que el “triunfo” de uno desmerece al otro. En varias ocasiones he escuchado la frase “sí, el Keeper 2 es bueno, pero no tanto como el 1”. Personalmente no estoy de acuerdo.

Tal vez porque por un asunto generacional escuché ambos discos al mismo tiempo, pero este segundo Keeper tiene una de las mejores colecciones de canciones que es escuchado en mi vida. No vamos a entrar a analizar si ésta es la mejor formación de la historia de Helloween, o si Kiske y Hansen eran efectivamente lo que nos cautivaba del Helloween ochentero y la de ahora es una banda totalmente distinta. Concentrémonos en la música.

“Estructuralmente”, este “Keeper 2” es similar al primero. ‘Invitation’, típica introducción épica, da paso a ‘Eagle fly free’,

un clásico inoxidable, una muestra de que velocidad e intensidad sólo se hacen una cuando los interpretes son unos monstruos. Kiske te vuela la cabeza con su asombrosa voz, la dupla Hansen-Weikath son un verdadero delirio para tus oídos... y ni hablar de Grosskopf y Schwichtenberg, absolutamente inhumanos. Ufff, que temazo!! De puro escucharlo terminas transpirando, con la adrenalina al máximo. Hasta el día de hoy Helloween ha intentado emular aquella fórmula velocidad-virtuosismo-intensidad, con pocos resultados al nivel de esta joyita. El Helloween de la era Deris tiene un sonido mucho más grueso y aplastante que intenso.

El éxito de su primera parte le permitió al grupo experimentar y jugar más en el estudio, lo que lamentablemente no significó pasarla mejor (Hansen abandonaría la banda pocos meses después). Por eso, no es raro encontrarnos con temas tan variados como ‘You always walk alone’, que bien podría aparecer en el “Powerslave” de Maiden, y tal vez por eso no es una canción con la que uno se identifique o que prefiera de este disco. Nos encontramos también con la locura de ‘Rise and Fall’, con evidentes saludos (¿o parodias?) a Queen, una melodía juguetona y alegre. Marca distancia de cualquier otra banda de heavy metal, demostrando que éste también puede ser un estilo imaginativo, entretenido y que se ríe incluso de si mismo. Compuesta por Weikath, a ratos parece un juego, una joda. Pero está perfectamente insertada entre 2 temas que no son el Helloween típico: la mencionada ‘You always walk alone’ y ‘Dr. Stein’.

En ‘Dr. Stein’,

Weikath nos ratifica que su joda es “en serio”. Otro tema “distinto”, es cierto. Pero qué bien hecho que está. El teclado es de antología. El coro masivo convoca a involucrarse con la canción, lo que no cuesta mucho teniendo ésta una melodía tan pegajosa. Otra vez vemos a Helloween marcando distancia de sus pares. Pero mucho más que eso, se muestran como una banda atrevida, con personalidad.

La paz aparece repentinamente con ‘We got the right’, la joyita de este “Keeper 2”. La voz de Kiske aquí se va, disculpen la expresión, a la mierda. Es decir, empieza haciendo juego con el bajo de Grosskopf, y poco a poco comienza a tomar vuelo, lo mismo que la canción. Pero de golpe uno siente como sube, sube, sube y sigue subiendo. La primera vez que escuchas este tema piensas “¡¡¡cuándo se detiene este tipo!!!”. Es impresionante, nunca en mi vida escuché una garganta como la de Kiske. Tal vez no sea el mejor vocalista de la historia ni nada por el estilo, pero esta canción la puede cantar él y nadie más que él. De todas formas, no sólo es su vozarrón el que te deja de espaldas, es toda la banda que toca con todo. ¡Qué temazo! Un coro épico, una melodía que vuela por sí sola. Te llega a dar escalofríos. Es una muestra de cuánto creció el heavy metal en esos años dorados. Pónganle atención a la letra por favor, bien clarito el mensaje, solamente que uno no le pone mucha atención ante tamaña interpretación. Personalmente, siempre he creído que en 1988 tuvimos en ‘We got the Right’ y ‘The Prophecy’ (de Iron Maiden) a 2 de las canciones más subvaloradas de la historia.

Cuando termina ‘We got the Right’, uno queda con la sensación de que termina el disco. Fue demasiada intensidad, demasiada pasión, demasiado dramatismo. Por suerte, el disco no finalizó. Kai Hansen, que no se había pronunciado aún en esta placa, se despacha una tripleta de temazos. El primero de ellos es ‘Save us’, pura velocidad, pura adrenalina. Una de las canciones con sonido más agresivo de la colección de Keepers. Se nota la mano de Kai, porque aquí no hay metal progresivo ni experimentos. La banda se siente fuera de control, pidiendo a gritos “por favor, sálvennos”. Otro temón, Helloween arrasando con todo.

‘March of Time’ nos devuelve al Helloween que evoluciona, que crece. Tras haber escuchado el “Keeper 1” y la primera parte de esta segunda entrega, ya sentimos en temas como éste un estilo propio, reconocible, y bien consolidado. Suena tan bien, tan perfecto, que hace que uno casi pierda la capacidad de asombro. Y debe ser uno de los mejores coros de toda la discografía de los germanos. Hasta ahí llegamos a lo que podemos calificar como “temas de heavy metal”. Porque cuando nos topamos con ‘I want out’,

y logramos sacarnos de la mente a qué disco y qué banda pertenece, la sentimos como un tema de rock & roll del más clásico. Con la salvedad de que está tocada como si a cada miembro del grupo se le quemaran las manos con sus instrumentos y que el vocalista canta como si se fuera a acabar el mundo. Ingo marca el inicio del tema, como diciendo “agarrense que alla vamos”. El resto es un goce absoluto. Espectacular.

‘Keeper of the Seven Keys’ cierra este fenomenal disco de la mejor forma posible. Como habíamos dicho en un inicio, se repite la fórmula del tema épico de 13 minutos de cierre. Tal vez por la inevitable comparación, uno pierde la objetividad para calificar esta canción. Personalmente, me gusta más ‘Halloween’, pero eso no quita que ‘Keeper of the seven keys’ sea una pieza de colección. El broche de oro para casi una hora sensacional.

La tentación de comparar la tenemos todos, pero este “Keeper of the Seven Keys Part II” se ganó su lugar en la historia por sí solo. No es “la segunda parte”. Es “otra” obra maestra de una de las bandas más importantes del género. Y es el mejor testimonio de ese Helloween que se paraba de igual a igual con Judas, con Maiden o con el que le pusieran al lado. Hoy, ese Helloween es sólo un recuerdo. Cambiaron su sonido, su estilo, y ni hablar de los interminables cambios de integrantes. Esta versión, con Andy Deris a la cabeza, también ha tenido momentos notables. Pero ya llegará el momento de recordarlos. Pero no será ahora. Será, eso sí, más temprano que tarde.

Extraido de : http://www.rockaxis.com/

PINK FLOYD "THE DARK SIDE OF THE MOON" (1973)

2007-10-13T13:41:00.000+02:00

Uno de los mejores trabajos de esta gran banda, para muchos el mejor de toda su carrera.

Despues de haber tenido que abandonar a su antiguo líder, Syd Barrett, por sus problemas con las drogas, el resto del grupo (con David Gilmour sustituyendo a Barrett en la guitarra) prosiguió con su carrera con gran éxito, sacando discos tan interesantes como "Atom heart mother" o "Meddle".

Puede ser que no fueran tan buenos como el genial "The piper at the gates of dawn" (de su época psicodélica con Barrett al frente del grupo), pero demostraron que Pink Floyd podía seguir sobreviviendo sin Barrett.
"The dark side of the moon" fue un Lp muy arriesgado. Muchos se preguntaron porque un grupo con unos trabajos tan elogiados como los mencionados anteriormente, que seguían cosechando grandes éxitos y creando un estilo propio, cambiaron súbitamente de estilo.
Si durante el resto de su carrera hubieran seguido componiendo discos como los anteriores, sin cambiar apenas de estilo, Pink Floyd ya ocuparía un lugar privilegiado en la historia del rock. Pero no fue así. Decidieron experimentar con nuevos estilos y lo consiguieron con éxito.
Este album es el primer fruto de este cambio de estilo. Un trabajo más exitoso aún que los anteriores (23 millones de ejemplares vendidos) y realmente mítico.

El disco comienza con una bien ejecutada introducción que después se empalma directamente con "Breathe", una sencilla pero muy efectiva pieza. Le sigue, "On the run", un tema instrumental, posiblemente el más prescindible de todo el disco, pero que encaja muy bien. A continuación se empiezan a oir unos enigmáticos relojes: son la introducción para el tema "Time"

uno de los más celebres del album y de Pink Floyd, con un espléndido solo de batería al principio del tema, ejecutado a la perfección por Nick Mason, y con un David Gilmour en plena forma en la guitarra.

La siguiente canción, "The great gig in the sky", compuesta por el teclista Wright, es una hermosa balada, posiblemente la mejor composición que ha hecho Wright en toda su carrera.
A ésta le sigue la canción más famosa y pegadiza del Lp, "Money"

una auténtica obra maestra de Roger Waters y una de las mejores canciones que ha dado Pink Floyd, menos compleja que otras, pero más alegre y rítmica.
Después de la descarga de adrenalina en "Money", aparece una composición muy relajante y moderada, "Us and them", otra pieza fundamental del disco.

"Any colour you like" es otra pieza instrumental que, como "On the run", es algo prescindible pero encaja a la perfección dentro del conjunto.
Y para acabar el album, dos canciones más de Waters, "Brain damage" y "Eclipse" (que por un tiempo iba a ser el título del disco), que suponen el final perfecto para este gran trabajo.

Éste es, junto a "The wall", el disco más famoso de Pink Floyd. Sin embargo éste suele gustar más por varias razones: es más sencillo pero tampoco en exceso; aquí todos los componentes escriben canciones (aunque Waters compone tres en solitario y escribe las letras) mientras que en "The Wall" es Waters el líder absoluto.
Razones no faltan para oir este soberbio disco, imprescindible para cualquier fan de Pink Floyd que se precie.

Critica extraida de : http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/

NOS JUGAMOS EL FUTURO DE LA MUSICA!!!

2007-10-08T16:33:00.000+02:00

Jammie Thomas es una estadounidense de 30 años que ninguno de nosotros querríamos tener por vecina. Aloja en su cerebro una mente perversa, capaz de las más terribles atrocidades. Es una delincuente, una maleante, una desalmada, una facinerosa.

Para que os hagáis una idea aproximada de lo cruel que puede llegar a ser esta chica, debéis saber que no ha tenido reparos en bajarse 24 canciones de Internet a través de programas P2P y compartirlas gratuitamente con otros internautas. ¡Pero dónde vamos a llegar con seres así!

Pero no os preocupéis. La "justicia" norteamericana ha tomado cartas en el asunto y la ha castigado como se merece. Esta semana un juzgado de Minnesota la ha condenado a pagar a las discográficas 9.250 dólares por cada uno de los 24 temas que se ha descargado, lo que significa que en total deberá abonar 222.000 dólares. ¡Para que aprenda!

Dada la extrema gravedad del asunto, en la causa se han personado Capitol Records, Sony BMG Music Entertainment, Arista Records, Interscope Records, Warner Bros Records y UMG Recordings, que a estas horas están celebrando por todo lo alto la decisión que ha acabado tomando el jurado.

Me alegro. Estaba en juego el futuro económico de muchos artistazos, que a estas alturas, y con la jodida piratería haciendo estragos, apenas si pueden comprarse un par de jets privados, 4 ó 5 Ferraris y 2 ó 3 mansiones al cabo del año. ¡Qué desgracia por favor! Con todo lo que hacen por la sociedad, con las horas y horas que dedican a hacer de este un mundo mejor, con lo que se desviven por participar en causas solidarias cuando están promocionando sus discos, con lo bonachones que son joder, y esta choriza robándoles ¡24 canciones!. ¡Mala! ¡Delincuente! ¡No tienes corazón!

Desde este pequeñito y poco visitado blog, animo a la SGAE y compañía a que inicien una batalla legal de igual magnitud en este santo país. ¡Joder, que nos estamos jugando el futuro de apellidos ilustres como Bisbal, Sanz, Iglesias o Ubago! ¡Es que a este paso no les va a quedar más remedio que ir por la vida con sólo 6 ó 7 coches de clase alta sin más! ¡Nada de superdeportivos, nada de yates como los del Pocero! ¡Señores, que si las cosas siguen así van a tener que ponerse a trabajar, ostia! ¡Pero qué desgracia por favor!

Si se tiene que meter entre rejas a millones de jodidos internautas, liberticidas genéticos, incapaces de respetar la propiedad intelectual, que lo hagan. Todo sea por la música, por la vida, por la cultura, por Teddy Bautista, por Ramoncín (¡genio!), por esos dioses que lo dan todo por nosotros esperando a cambio sólo unos cuantos miles de millones de euros. Se merecen eso y más.

Extraido de una web de puta madre : http://www.abadiadigital.com

MEGADETH "RUST IN PEACE" (1990)

2007-09-10T17:00:00.000+02:00

Cuando se habla de Megadeth de inmediato se viene a la memoria la imagen de Dave Mustaine y su cinturón de balas en el video de 'Holy Wars... The Punishment Due', la canción que da la partida a este disco espectacular que consolidó, definitivamente, la grandeza que la banda insinuó en el anterior "Peace Sell... But Who's Buying".

"Rust In Peace" es majestuoso, las guitarras son el elemento principal de un sonido potente, bien elaborado y convincente que encontraba en Marty Friedman al guitarrista líder ideal. Porque si bien Megadeth es, y siempre ha sido, la banda de Dave Mustaine, el hombre ha tenido el mérito de encontrar músicos que sean capaces de desarrollar sus ideas. Ahora con Friedman, el baterista Nick Menza y el siempre dispuesto bajista Dave Ellefson, la banda estaba completa con su mejor alineación y listos para entregar el disco más trascendente de su historia.

Como les contaba el disco arranca con 'Holy Wars'

una denuncia pública que hoy en día se hace más latente que nunca por los problemas en el Medio Oriente. Ya en esa época Mustaine le enrostraba al mundo que esos pueblos se estaban matando por religión o por un pedazo de tierra. O sea, Megadeth no era sólo música, también habían ideas, denuncias y un discurso que intentaba develar los misterios que han rodeado las intervenciones norteamericanas alrededor del mundo. En lo musical, esta canción debe ser una de las más importantes y reconocibles en la carrera de la banda, con una velocidad inusitada que reflejaba el speed thrash que los convirtió en uno de los 'cuatro jinetes' del movimiento de la Bay Area. Analicen cada estructura, cada melodía, cada solo, cada detalle, cada quiebre... Megadeth realmente hizo una obra maestra.

Después de esos....minutos de presentación, el disco sigue golpeando fuerte con 'Hangar 18'

otro polémico secreto que oculta el gobierno de Estados Unidos, el caso de los extraterrestres capturados en el Área 51 en Nuevo México. "Possibly I've Seen Too Much/ Hangar 18 I Know Too Much..." decía la amenaza de Mustaine, una amenaza que retrataba la actualidad de la banda y la preocupación por el ambiente que los rodeaba. Esta es otra de las canciones 'emblema' de la banda, enérgica y dinámica, con guitarras poderosas que se llenan con los juegos de Friedman y con la voz apretada de Mustaine que se consolidaba como la característica del grupo.

'Take No Prisoners' era una de las más polémicas del disco por el hecho de tener en su coro la palabra 'sh*t', eso generaba más controversia que la idea general que iba en contra de las guerras y el silencio que encierran. Esta canción tiene una estrofa con una de las ideas más memorables de Mustaine: "Don't ask what you can do for your country / Ask what your country can do for you" (No preguntes que puedes hacer por tu patria / pregunta que puede hacer tu patria por ti); la versión opuesta a la declaración del presidente J.F. Kennedy para alentar el patriotismo nacional. Eso era Megadeth en el '90, anarquía y rebelión, el cuestionamiento de todos los poderes fácticos a través del mejor metal del mundo.

Ya con esas tres canciones podemos estar absolutamente pagados, tres clásicos impresionantes que marcaron a una generación y que iniciaron el cuestionamiento de los años posteriores: ¿Metallica o Megadeth? Sin embargo, el disco sigue y las canciones se suceden. Tal vez lo que viene no haya trascendido tanto como las anteriores (las letras, por ejemplo, se ponen mucho más fantásticas), pero de todas maneras vale la pena recordar. 'Five Magics', 'Poison Was The Cure' y la risa hechicera de 'Lucretia' son el condimento de la idea general, con potencia, calidad y la distinción de los riffs de la guitarra. Todas ellas son distintas pero tienen el hilo conductor del virtuosismo, demostrado en cada detalle y sobre todo en los solos, porque hay que aclarar algo, Megadeth aparte de todo es una banda para guitarristas.

'Tornado Of Souls', 'Down Patrol' y 'Rust In Peace… Polaris' continúan el legado desde el arranque. La primera es notable por la búsqueda de los quiebres rítmicos y la aceleración de las cuerdas; la segunda destaca por la preponderancia del bajo y por la oscuridad de la advertencia final; mientras que la última, la que cierra el disco es otra majestuosa muestra de la pomposidad metalera que consiguieron en este disco: Nick Menza es un cañón detrás de los tambores; Friedman confirma porque es considerado como uno de los guitarristas más virtuosos y rápidos del metal; Ellefson mantiene su nivel parejo y de bajo perfil; y Mustaine desarrolla todo su ego de genio.

El cierre impecable para un disco histórico, el paso hasta la cumbre de una banda con un comienzo tambaleante que se consolidó de una manera diferente, oponiéndose y criticando, pero siempre con la música por delante, no se fueron en puros discursos y se preocuparon de crear la mejor música que podían... y lo consiguieron. Personalmente, yo me quedo con Megadeth, muchas más actitud y virtuosismo.

Critica extraida de : www.rockaxis.com

CERRADO POR VACACIONES HASTA SEPTIEMBRE!!

2007-08-01T12:20:00.001+02:00

Dejamos cualquier actividad en el blog hasta septiembre, para ir dejando buen sabor de boca, unos videos que han salido ultimamente, de grupos de metal, de diferentes estilos......

Dimmu Borgir - The Serpentine Offering

Lacuna Coil - Within Me

Six Feet Under - Ghosts of the Undead

Meldrum - Purge

En septiembre volvemos con mas cosas!!

SALUDOS!!!

WHITESNAKE "1987" (1987)

2007-07-26T13:16:00.000+02:00

Estamos en el año 1987, año clave en la evolución de la historia del rock y el metal, pues fue en ese año, junto con el 86 y el 88, cuando el por “muchos alabado, por muchos odiado” hard-rock reinaba con total autoridad en la comunidad metálica. Muchas grandes obras nos dejó esa intensa etapa: Slippery When Wet, The Final Countdown, Hysteria, Girls, Girls, Girls, Permanent Vacation, etc. Pero sin duda una de las mayores, por no decir la mayor, fue este genial álbum, llamado simplemente como el año que le vio nacer, 1987, obra de Whitesnake, la mítica banda británica de David Coverdale, uno de los mejores cantantes que haya dado el rock jamás.

El álbum mostraba a unos Whitesnake que empezaban una segunda etapa totalmente alejada de su estilo inicial: los discos de puro rock n’ roll con tintes blueseros y puro sonido británico dejaban paso a este 1987, un disco de puro hard-rock melódico de finales de los 80, con todo lo que eso conlleva: una imagen remozada y “americanizada”, cueros chillones, pelos cardados, cantidad de hits en las listas, emisión continúa de los temas en la radio y conciertos masivos.
Aunque muchos seguidores de Whitesnake vieron (y siguen viendo) aquella nueva etapa como artificial, amanerada, e incluso muchos renegaron (y reniegan) de ella, 1987 es sin duda el mejor álbum de Whitesnake, y contiene muchas de sus mejores y más recordadas canciones.

Muchos aseguran que Whitesnake cambiaron la orientación de su sonido por expresa voluntad de Coverdale, que quería de una vez por todas conquistar USA por todo lo alto, tras un intento fallido del también genial, aunque olvidado, Slide it in, el último disco con su sonido primario. Junto con el virtuoso John Sykes a la guitarra ( que habría grabado parte de Slide it in para la edición americana), el recuperado Neil Murray y el nuevo fichaje Aynsley Dunbar (ex-Journey, entre otros) Coverdale consiguió parir un disco que, como quería, dio la vuelta al mundo.

Y no era para menos. El disco se abría con la mítica "Still Of The Night"

una de las canciones más recordadas de la historia del rock, con un riff de esos que se recuerdan generación tras generación.

"Bad Boys"

el segundo corte, era un petardazo hard-rockero cañero y directo, que se convirtió en un clásico inamovible de Whitesnake en los directos posteriores, e incluso en la actual gira de reunión sirve para abrir la mayoría de los conciertos.

El tercer tema era una semi-balada rockera de estribillo muy popular, aunque muchos la consideran extremadamente comercial; se trata de "Give Me All Your Love".

Por el cuarto tema la cosa se relajaba del todo con el impresionante baladón "Looking For Love", sin duda la mejor balada de Whitesnake: una voz desgarradora, instrumentación exquisita, complejísima y llena de atmósferas, donde la magia y los punteos imposibles de Sykes dejarán a cualquiera con la boca abierta.

"Cryin’ In The Rain" era una excelente versión de su viejo clásico blues, aparecido en el 82 en su clásico disco Saints and sinners. La diferencia de opiniones respecto cuál es mejor, si esta versión o la original, es enorme entre los fans de la serpiente, pero servidor cree que el trabajo de Sykes en la nueva versión es sencillamente espectacular.

Y entonces venía el gran suceso del disco: la archiconocida balada "Is This Love"

una de las canciones más famosas de toda la historia, y ya no sólo entre la comunidad metálica. Si bien la instrumentación no es nada del otro mundo, su estribillo pegadizo a más no poder la hace irresistible.

Tras esta inmortal balada venían tres grandes canciones de puro rock: la pegadiza y festiva "Straight For The Heart", la melódica "Don’t Turn Away" y la agresiva "Children Of The Night".

El disco continuaba de forma mítica con "Here I Go Again 87"

la versión de su misma canción también aparecida originariamente en el Saints and sinners, y que se convirtió en el single de más éxito de la historia de Whitesnake. La canción se iniciaba con una preciosa melodía de teclado y Coverdale cantando de forma cálida y brillante, para transformarse después en una enorme canción de hard-rock, con los dedos mágicos de Sykes deslizándose carismáticamente por el mástil.

El redondo se cerraba con la brutal e intensísima "You’re Gonna Break My Heart Again", sin duda, la canción más dura que Whitesnake compusieron jamás.
Destacar que el disco se publicó en dos versiones: la americana, que cambiaba el color de la portada, eliminaba incomprensiblemente dos temas (Looking for love y You’re gonna break my heart again) y que cambiaba la configuración del track-list, y la del resto del mundo, la que nos ocupa en estas líneas, y la verdad, sea dicha, altamente superior.

Que el disco se editase en dos versiones (algo que sólo se explica desde una estrategia comercial de Mr. Coverdale) no agradó en absoluto ni a John Sykes ni a Neil Murray, y fue una de las razones de peso para que Coverdale cambiase totalmente la formación de cara a su siguiente álbum , el no menos conocido Slip of the tongue.

En definitiva, 1987 es uno de los monolitos, de las definitivas obras cumbre del hard-rock de finales de los 80, y dejarlo de escuchar por considerarlo artificial, amanerado y bastante peor que sus primeros obras, significa, a parte de no tener razón, dejar en el olvido a uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. En todos los sentidos, MÍTICO.

Critica extraida de : http://www.metal4all.net

THE RAMONES "IT'S ALIVE" (1977)

2007-07-24T22:48:00.000+02:00

Pues sí, señores, The Ramones, toda una institución nivel mundial. Creadores de un sonido propio y peculiar largamente imitado, The Ramones es una banda que ha entrado en la historia de la música por la puerta grande merced a un trabajo honesto y de una calidad extraordinaria. Mucha gente piensa que “los tres acordes” de los Ramones son algo demasiado simple para catalogarlo de “delicatessen” musical, pero os aseguro que, después de escuchar este disco, no os va quedar mas remedio que quitaros el sombrero.

Supongo que en 1977 los discos en directo estarían de moda. El caso es que en ese año The Ramones, un cuarteto de N.Y. y que simulan ser una familia (en realidad el nombre “Ramone” lo cogen de una broma de Paul McCartney) han reventado ya el mercado con varios discos de un rock cañero, rápido, simple y potente que se empezaría a llamar Punk-rock. Sus actuaciones en el CBGB les dan la reputación suficiente para salir mas allá de los límites de la gran manzana y en sólo dos años y tres discos de estudio a sus espaldas dan el salto a la pérfida Albión para, en la nochevieja de 1977 en el Rainbow Theatre, grabar lo que más tarde sería uno de los discos definitivos de la historia.

Producido por su inseparable Ed Stasium, “It´s Alive” es uno de esos directos grabados en un solo día, que captan perfectamente lo que representaba el grupo en el escenario. Con un repertorio de 28 canciones, donde la mayoría no sobrepasa los dos minutos, dan un repaso a todos los clásicos de la banda en aquella fecha.

“Blitzkierg Bop”

“Rockaway Beach”

“Sheena is a Punk Rocker”

“We´re a happy family”

Las influencias de Beach Boys, Buddy Holly, Mc5 quedan patentes a lo largo y ancho del disco pero tamizadas por ese sonido característico de Los Ramones. Pocas pausas entre copla y copla, mucha energía y grandes dosis de diversión es lo que nos ofrecen los “hermanos Ramone”. El resto de la historia es de sobra conocido. Los siguientes años graban decenas de discos, unos mejores y otros peores pero todos con la impronta del grupo hasta su desaparición definitiva a finales de la década pasada. También hay otro directo “Loco Live” grabado en Barcelona (España fue durante mucho tiempo una especie de santuario para el grupo) pero que no alcanza las cotas de calidad de este “It´s Alive”.

Ahora que, desgraciadamente debido a los recientes fallecimientos de Dee Dee y Joey, es tarde para verlos en directo, a no ser que sea en el mismísimo Infierno, sólo nos queda consolarnos y recordarlos con discos como este. GABBA GABBA HEY!

Critica extraida de : http://perso.wanadoo.es/thesentinel2002/thesentinel-editorial.htm

JUDAS PRIEST "SAD WINGS OF DESTINY" (1976)

2007-07-23T11:51:00.000+02:00

Heavy Metal. Nada mejor que estas dos palabras para poder describir el contenido de esta obra maestra y atemporal de los británicos. Todos y cada uno de los adjetivos que puedan aplicársele a esas dos palabras, a ese género musical, pueden hacerse extensivas y aumentadas a “Sad Wings Of Destiny”. Un disco en el que Downing y Tipton hacen sonar sus guitarras más metálicas de lo que nunca nadie lo había hecho hasta ese día mientras que la voz de Halford está tan afilada como la cuchilla de Jack the Ripper, y donde Judas Priest se quitan de encima el estigma de Black Sabbath y superan con creces su titubeante debut.

Los clichés, los tópicos, las exageraciones, la simplicidad e infantilidad de unas letras a veces apocalípticas y otras que simplemente, como en el caso de “Victim Of Changes”, se comentan por si solas de lo manidas que son, y, en definitiva, todo lo que años más tarde sería la definición del Heavy Metal se dan citan, algunas por vez primera, en este disco editado hace mas de treinta años y que es necesario reivindicar, no ya por ser mejor o peor que otros posteriores sino precisamente por eso, por ser anterior a todos ellos, por su condición de pionero en muchas cosas (y deudor en otras que también hay que decirlo) y, claro está, por su inmensa calidad en cada una de sus coplas.

La apertura con “Victim Of Changes”

un complejo tema de casi ocho minutos con una parte central sobrecogedora que todavía hereda muchos guiños a Black Sabbath y una banda pletórica es, por derecho propio, uno de los grandes clásicos del grupo que no falta en casi ninguno de sus conciertos. Por el contrario, esto último es lo único que tiene en común con “The Ripper”

porque, aparte de ser otro gran clásico de la banda, aquí la banda se muestra directa, precisa y agresiva como el bisturí de Jack el Destripador. Sin duda una de las mejores interpretaciones de Rob Halford en toda su carrera.

“Dreaming Deceiver” es un medio tiempo reposado, lleno de reminiscencias de los Sabbath más tranquilos (aunque Halford no es Ozzy ni Ozzy es Halford) y que enganchan perfectamente (en realidad es un mismo tema divido en dos partes) con “Deceiver”.

Un descanso con “Prelude” y vuelta a la carga con otro clásico como “Tyrant” con Halford doblándose las voces de manera extraordinaria y unos guitarras, como siempre a lo largo y ancho del disco, tan simples y básicos como inspirados.

“Genocide”

mantiene sobradamente el listón con otra andanada de Heavy Metal con un curioso interludio donde una voz en off (otro detalle más de lo que luego harían decenas de bandas) nos anuncia, aunque sólo sea casualidad, el nombre del próximo lanzamiento de la banda. El siguiente es el tema raro, por decirlo de alguna manera, del disco. Y es que “Epitath” es de todo menos lo que te esperas de una canción de Judas Priest. Halford bordando una triste letra sobre un precioso y melancólico piano. Desde luego uno de los temas menos conocidos de la banda y que sin embargo es todo un placer para los oídos. Y para terminar, pues otro clásico porque “Island Of Domination” es el colofón perfecto para un trabajo perfecto con Halford desgañitándose una vez más sobre un estupendo riff.

Podríamos dividir las etapas de la banda por décadas, por cantantes o, medio en broma, por los diferentes logotipos que el grupo ha tenido hasta la fecha (curioso esto de los logotipos) e incluso, ya apurando la broma hasta la exageración, por la puñetera cruz (¡cosa más fea!) que sale por vez primera en este disco colgada del cuello del ángel.

Tonterías aparte, está claro que la época de apogeo, éxito y mayor inspiración de la banda fue la correspondida entre 1980 ("British Steel") y 1986 ("Turbo"), años donde pulieron definitivamente su estilo y alcanzaron un estatus de banda realmente grande, pero eso no es óbice para dejar a un lado su extenso y buen trabajo desarrollado en los años setenta, donde discos como éste y los siguientes dejaron el terreno bien abonado para su coronación en los ochenta como auténticos reyes del Heavy Metal.

Critica extraida de : http://perso.wanadoo.es/thesentinel2002/thesentinel-editorial.htm

ESPECIAL DAVE LOMBARDO

2007-07-20T11:26:00.000+02:00

Dave Lombardo es un baterista principalmente conocido como miembro original de la banda
estadounidense de thrash metal,Slayer.

Si,en Slayer,jajajaja,empezamos con The Antichrist donde parece que se va a caer el escenario,velocidad,potencia,es Slayer,no hace falta que siga,¿verdad?

Demostracion de Lombardo de como se debe tocar Raining Blood en la bateria,sesion intensa desde luego,otra joya de Slayer.

Tenemos aqui dos de las mejores canciones de este gran grupo de thrash metal,para algunos,el mejor,¿pero tienen alguna cancion mala?:

Angel of Death que son 5 minutos de caña y velocidad con un riff de King que enloquece a la gente

War Esemble es otra de las canciones donde el thrash de Slayer se pasea por todo el lugar donde esten tocando y dejan a todo el mundo en pie aplaudiendo.

Lombardo nació el 16 de Febrero de 1965 en La Habana,Cuba y su familia se radicó en California,EE.UU.
Dos años más tarde. Lombardo comenzó a tocar la batería a temprana edad, lo que le ha llevado a ser uno de los baterista más renombrados en el mundo del rock. Su trabajo con Slayer ha sido descrito como “asombrosamente innovador”, ha sido comparado con bateristas famosos como Virgil Donati y Mike Portnoy y ha recibido múltiples menciones en publicaciones y encuestas de bateristas, especialmente por sus interpretaciones en vivo.

Tambien grabo un disco con VoodoCult,aqui os dejo la cancion Killer Patrol,brutalidad pura y dura con Lombardo y sus baquetas.

Cabe mencionar que, aparte de la aclamación que su carrera con Slayer le ha traído, Lombardo también es un hábil baterista de jazz, como evidencian sus colaboraciones con Jhon Zorn Grip Inc. y Fantomas

Aqui tocando Rusty Nail con Grip Inc. con un cantante que tiene una voz cojonuda el y grupo suena de perlas.

Lombardo es miembro fundador de la banda pionera de thrash Slayer, con la cual tocó desde 1981 hasta 1992, cuando dejó el grupo para fundar Grip Inc. Su reemplazo en Slayer fue Paul Bostaph. Lombardo se reunió a la banda de forma provisional en 2001 para la gira de promoción del disco God Hates Us All y ha permanecido con el grupo desde entonces.

El 6 de julio de 2004 reemplazó al baterista de Metallica,Lars Ulrich,junto con Joey Jordyson,baterista de Slipknot, en el festival Download en Donningtong,Inglaterra, cuando Ulrich tuvo que ser hospitalizado.

Dos directos con Metallica en remplazo de Ulrich,Battery y The four horseman,canciones muy conocidas de Metallica que por supuesto no plantean ningun problema para Lombardo xD

Lombardo es reconocido también por su trabajo con otros músicos como Apocalyptica,Fantomas,Testament y Jhon Zorn.

Lombardo figura prominentemente en la pelicula Cremaster 2 del cineasta y escultor Matheww Barney.
Lombardo esta casado y tiene dos hijos. Actualmente reside en Victorville, California.

Y para acabar un solo de Lombardo que espero os guste porque es acojonante,perdon si se corta un poco el video :(

Bueno,y hasta aqui el especial a Dave Lombardo,espero os haya gustado,primer especial que hago,a ver ahora las criticas.........jejejeje.

un saludo

ESPECIAL "IRON MAIDEN" (2ª PARTE)

2007-07-18T13:09:00.000+02:00

El siguiente álbum de la doncella sale en septiembre de 1986. "Somewhere in Time" traía un sonido que a muchos fans de la banda no les gustó; se incluyeron teclados y sintetizadores, marcando un ligero cambio en el estilo de sonido de la Doncella (incluso el Eddie de la portada se "modernizó", corvintiendose en una especie de robot cibernético). Destaca en este disco la activa participación en composición del Adrian Smith, con temas como

"Wasted Years"

"Stranger in a Strange Land"

A pesar del rechazo inicial de algunos fans, el disco alcanzó el puesto nº 3 en Inglaterra con estupendas canciones como "Heaven Can´t Wait" y el grupo se embarco en su nueva gira "Somewhere On The Road Tour".

Esta gira comenzó en Belgrado y terminó ocho meses más tarde en Osaka. El espectáculo de estos conciertos era sensacional, con plataformas que elevaban a los miembros de la banda y un Eddie inflable que mostraba su cabeza y sus garras a ambos lados del escenario. Iron Maiden tocó en numerosos paises y dio numerosas entrevistas, con lo que se recogió material para la edición en 1987 de "12 Wasted Years", un video docuental sobre los 12 años de vida y éxito de la banda.

"Seventh Son Of A Seventh Son" sera el séptimo disco de Iron Maiden, el cual verá la luz en abril de 1988. Continua la senda del disco anterior, con el uso de nuevo de sintetizadores y en él se pueden encontrar temas como

"Can I Play with Madness"

"The Evil That Men Do"

"The Clairvoyant" (Increible video promocional del Festival de Donington)

Éste fue el primer álbum conceptual de Iron Maiden, inspirado en la leyenda del "séptimo hijo del séptimo hijo", al cual combatiría a las fuerzas del mal. La gira "Seventh Tour Of a Seventh Tour" comenzó en EE.UU. y llevo a la banda a tocar en la mítica novena edición del festival de Donington, junto con Megadeth, Kiss y Guns'N Roses, donde se congregó la mayor afluencia de espectadores de la historia.

En este momento la banda se toma un ligero descanso. Bruce y Adrian grabaron por una parte material propia mientras que Steve Harris se pasó el tiempo editando las grabaciones de Birmingham para el video "Maiden England", que se lanzó en noviembre de 1989, siendo uno de los vídeos más vendidos de la Doncella.

Después de siete años de formación estable, surge un nuevo abandono en el seno de la banda. Adrian Smith, que había estado el año anterior trabajando en solitario para su proyecto A.S.A.P., decide que no puede dar el 100% en la banda y que quiere desarrollar su propio estilo. De mutuo acuerdo abandona el grupo y su sustituto fue Janick Gers, conocido por haber tocado con Ian Gillan entre otros y por haber trabajado con Bruce Dickinson en su álbum en solitario "Tattoed Millionare".

Tras la incorporación de Janick Gers, la banda lanza en octubre de 1990 su nuevo disco: "No Prayer For The Dying". Iron Maiden intentan volver al sonido de sus raices, abandonando el uso de los sintetizadores, pero el álbum no consiguió los niveles de popularidad deseados, pese a contar con buenos temas como

"Holy Smoke"

"Bring Your Daughter To The Slaughter"

y llegar al Nº 2 en Inglaterra. Para la gira "No Prayer On The Road Tour 90-91", Iron Maiden abandonó las grandes producciones pasadas y simplemente cubrian el escenario con un enorme telón. El recorrido de la girá finalizó prematuramente en Salt Lake City (se había planificado ir a Japón y Australia), debido a las dificultades que aparecieron con la guerra del Golfo.

Para el siguiente disco, se decidió que Eddie necesitaba un notorio cambio de imagen. Este fue el primer albúm en el que Derek Riggs no haría la portada, sino Melvyn Grant, el cual varío el rumbo de las últimos diseños de Derek. El álbum "Fear of the Dark" salió a la venta en mayo de 1992 y la banda consiguió su tercer primer puesto en las listas de Inglaterra.

"Fear Of The Dark"

"Be Quick Or Be Dead"

"Afraid To Shoot Strangers"

Su nuevo tour comenzó en Escandinavia y de nuevo volvieron a Donington, donde se filmó el show para un futuro álbum.

En este momento se produce el mayor punto de inflexión de toda la historia de la banda: Bruce Dickinson decide abandonar la banda para dedicarse a su carrera en solitario por completo. A pesar de las insistencias del resto de la banda, la decisión ya estaba tomada. Steve Harris decidió recopilar grabaciones en directo para la edición de un doble álbum, que finalmente se editó en dos discos separados, "A Real Dead One" con material en directo desde el inicio hasta 1985 y "A Real Live One" con grabaciones desde 1986 hasta 1992. También se lanzó otro doble álbum en directo con la grabación del espectáculo de Donington llamado "Live At Donington", saliendo en agosto de 1992. Dickinson tubo la oportunidad de despedirse de sus fans en el concierto efectuado el 28 de agosto de 1993 en los Pinewood Studios de Inglaterra, grabación que se editó en el video "Raising Hell".

Tras doce años de Bruce Dickinson, la banda se vé obligada a buscar un nuevo cantante. Desde luego tenía que estar a la altura de lo que Iron Maiden representa y se barajaron nombres como el de Michael Kiskie (ex-Helloween), Joey Belladona (ex-Anthrax) e incluso el mismísimo Paul Di'Anno. Tras la escucha de 5000 cintas, el elegido para cubrir el puesto fue Blaze Bayley de Wolfsbane, dato que la banda anunció a finales de 1993, junto con la noticia de la grabación de un nuevo álbum. Además del nuevo vocalista, Iron Maiden cambió de productor. Desde 1980 Martin Birch había producido o co-producido los álbumes de la Doncella.

Para el siguiente disco, la banda se tomó su tiempo con el fin de no precipitar los acontecimientos, además Blaze sufrió un accidente de moto que le hizo perder tiempo con la reciperación. Así, "The X-Factor" salió el 2 de octubre de 1995 para demostrar que Iron Maiden tenía un aceptable futuro sin Bruce Dickinson. Canciones como

"Sign of the Cross" (Con Bruce Dickinson, originalmente canta blaze bayley)

"Man On The Edge" (Aqui si es blaze bayley jejejejeje)

muestran unas composiciones más maduras y quizá más complejas que las de los primeros discos. La gira de presentación del disco pasó por Israel, Sudáfrica, Bulgaria, Hungria, Rumanía, Canadá o Japón. En verano tocaron en Sudamérica y en varios festivales como el "Monsters of Rock" ante 50.000 personas en Sao Paulo.

Blaze Balyley demostró desde el principio que no venía a sustituir a nadie, tenía su estilo propio, pero cierto es que su voz no se adaptaba bien a las antiguas canciones con Bruce Dickinson.

Posteriormente apareció el disco recopilatorio "The Best Of The Beast" con los grandes clásicos de la banda y una nueva canción: "Virus"

Este disco tenía como portada una recopilación de todos los Eddies anteriores de la banda juntos. El siguiente disco fue "Virtual XI", un disco que continuaba las composiciones de "The X-Factor" con temas como "Don't Look To The Eyes Of A Stranger", "The Clansman" o la energética "Futureal"

Para la portada vuelven a contar con Melvyn Grant, que creará un Eddie un tanto especial, mostrando sólo su cabeza. En la gira de presentación este disco, durante la guira Sudamericana en 1998, se decidió prescindir de los servicios de Blaze Bayley, pues se tuvieron que cancelar algunos shows debido a que las actuaciones del mismo dejaban en algunos momentos bastante que desear, terminando aquí esta corta etapa de la banda.

Después del fuerte cruce de declaraciones que mantenían Bruce y el resto de la banda tras su salida del grupo, nadie podía imaginar la noticia que se produciría en enero de 1999: Bruce Dickinson volvía al seno de Iron Maiden, y no lo hacía solo, también regresaba Adrian Smith y sin producirse la salida de ninguno de los actuales guitarristas, con lo que Iron Maiden comenzaba una nueva etapa de rejuvenecimiento con Bruce Dickinson y tres guitarristas. Para conmemorar esta reunión y los 20 años de "Iron Maiden", se lanza "Ed Hunter": un recopilatorio con 20 temas elegidos por los fans a través de Internet y que incluía el videojuego "Ed-Hunter". Como cabía esperar tras la reunión, la gira posterior fue un rotundo éxito.

El esperado nuevo single "The Wicker Man"

salía a la venta el 8 de mayo del 2000, demostrando que empezaba una nueva etapa llena de buena música. El disco, con portada a manos de Derek Riggs de nuevo, no se hacía esperar y salía el 29 de Mayo bajo el nombre de "Brave New World".

A pesar de que todos los integrantes de la banda pasaban de los 40 años, la bestia nos trajo un disco lleno de rabia y calidad para tapar la boca de aquellos que pensaban que Iron Maiden habían muerto. Bruce volvía a demostrar ser una de las mejores y más potentes voces del mundo y los tres guitarras adornaban cualquier rincón de cada canción, con múltiples solos por parte de los tres.

Durante el año 2002, Iron Maiden lanzó una gran cantidad de material. Lanzó la grabación del "Rock In Rio 3", tanto en doble disco como en DVD (con material extra), un concierto verdaderamente impresionante. También es lanzado un nuevo recopilatorio bajo el nombre de "Edward The Great". Tras el disco en directo y el recopilatorio, se saca una caja, llamada "Eddie's Archives", con material especial como "Beast Over Hammersmith" con la grabación del mítico concierto de 1982 en el Hammersnith Odean en la gira de "Beast On The Road Tour", el "BBC Archives", un doble con grabaciones del "Friday Rock Show Session de 1979", "Reading Festival" de 1980 y de 1982 y el "Monsters Of Rock Festival" de Donington de 1988, así como otro doble con las caras B de todos los discos de la Doncella. Desde luego un auténtico lujo para los fans de la banda. Estos lanzamientos sirvieron para una nueva gira durante el 2003, "Give me Ed 'Till I'm Dead" donde tocaron un gran repertorio de canciones de todas sus épocas, con un escenario decorado con tapices con todos los Eddies de su historia. En estos shows tocaron alguna canción del nuevo disco que estaba ya grabado y que saldría en breve.

A mediados del 2003, se lanza un nuevo DVD "Visions of the Beast" que contenía todos los videoclips de la historia de Iron Maiden perfectamente organizados, así como alguna que otra sorpresa oculta (como pista mencionar el texto de la camiseta que vestía Steve Harris durante la gira: "666 The Number of the Beast, 664 The Bloke Next the Beast"). En septiembre se lanza el nuevo álbum "Dance of Death", un disco que continua por la senda marcada por el anterior "Brave New World", incluyendo grandes canciones como

"Rain Maker"

"Wildest Dreams"

"No More Lies" o "Montsegur". Como era lógico, el disco viene seguido por una gira que recibe una aceptación enorme, donde en ciertas canciones del nuevo disco el escenario acompaña con la decoración a las mismas y Bruce Dickinson se disfraza ejecutando sencillas representaciones de ambientación.

Tras esta gira, Iron Maiden anuncia su intención de bajar el ritmo de actuaciones a partir del 2004, de modo que los conciertos para la nueva gira se llevarán a cabo en menos ciudades que las anteriores, lo cual empieza a notarse en la rápida venta de entradas para los pocos conciertos anunciados, agotando en pocas horas la mayoría de ellas, según salen a la venta. El último lanzamiento, y motivo de la gira, es un DVD muy especial: recoge grabaciones en directo de las primeras épocas de Iron Maiden, como "Live at the Rainbow" de diciembre de 1980, "Beast Over Hammersmith" de marzo de 1982 y "Live ar Dortmund" en 1983 en Alemania, así como un documental sobre la época y otros contenidos extra. Dado el lanzamiento de este DVD, Iron Maiden han anunciado que para la gira volverá, a la época del "Number of the Beast" con la decoración del escenario y con la elección de gran parte del repertorio. Así pues, una oportunidad única para volver a ver a los Iron Maiden del '83.

En el 2006, salio a la calle su ultimo album hasta la fecha de hoy, "A Matter Of Life And Death" con varias canciones de grande factura "Different World"

"Longest Day"

con otra gran gira que les ha llevado por todo el planeta.

Biografia extraida de : http://www.webironmaiden.com

TED NUGENT "DOUBLE LIVE GONZO" (1978)

2007-07-17T12:13:00.000+02:00

Tras el sensacional “Cat scratch fever” de 1977, TED NUGENT se decidió a grabar un disco en directo, y lo hizo, como hemos comentado aquí en otras ocasiones, en un año mágico para ese tipo de álbumes, ya que en 1978 se publicaron algunos de los mejores discos en directo de la historia del rock. “Double live gonzo” fue uno de ellos, sin ninguna duda.

Los tres primeros discos publicados por esta bestia de la guitarra fueron realmente grandes, constituyendo uno de los mejores primeros tramos de carrera discográfica jamás encontrados. No podía elegirse, pues, mejor momento para plasmar toda esta potencia, creatividad y rabia en un directo. Los conciertos de TED NUGENT gozaban de fama por ser calientes e intensos, así que el principal hándicap era poder trasladar ese calor e intensidad a los surcos de un Lp. TED no sólo lo consiguió, sino que además grabó uno de los mejores discos en directo de toda la historia. Su guitarra sonaba mágica, poderosa, tremenda. La banda, por su parte, conjuntada al cien por cien y dando perfecta réplica a la maestría de este magnífico guitarrista y compositor.

Si a ello añadimos un sonido en directo impecable, poco más podemos pedir a un álbum en vivo para que se convierta en un clásico desde su misma publicación. Todos los temas son magníficos, conformando un repertorio no sólo repleto de calidad, sino muy bien elegido y escalonado. Ahí está el éxito por excelencia de esa etapa de TED NUGENT: “Cat scratch fever”

que no faltaba en ninguno de sus conciertos, pero también la apasionante jam que es “Motor city madhouse”

con sus más de 10 minutos de duración de excitante rock poderoso, o la sensacional versión de “Baby, please don’t go”, del genio del blues JOE WILLIAMS, pasando por la divertida “Wang dang sweet poontang” y sin olvidarnos de la GENIAL "Stranglehold".

“Double live gonzo” es el testimonio de la grandeza de un hombre que en los 70 fue uno de los más grandes guitarristas y compositores del rock, además de un showman espectacular, que en los 80 consiguió mantener el tipo y que posteriormente ha degenerado mucho. No obstante, nada podrá jamás empañar la grandeza de este maravilloso doble álbum en directo y de la trayectoria musical que muestra.

Extraido de : http://www.mundorock.org

CHILDREN OF BODOM "SOMETHING WILD" (1998)

2007-07-16T12:33:00.000+02:00

Cuando en 1997-98 Childen of Bodom hicieron su debut con este "SomthingWild", nos dieron una lección de virtuosidad, derroche de energía, complejidad musical, y tal vez lo más impactante eran sus edades, apenas pasaban de los 18 años!!!.

Este fue el disco que (además de Stratovarius) enfoco la vista del metal en Finlandia, logró unir a los que oían Black y Power Metal, algo que parecía imposible, más que un boommmm, era "Algo Salvaje", 7 canciones más una Outro escondida, unos 33 minutos, y el deseo de conocer y escuchar más de estos Niños de Bodom, porque además de ser tan corto, el disco solo traía la letra de una sola canción, "Touch like an angel of death", que tuvimos que esperar un tiempo para tener más información, pero eso es otro capitulo que luego veremos.

Todo inicia con una tormenta y un ambiente peculiar de Children, descargando

"Deadnight Warrior"

con intro de la película "It" y desde el principio son cambios guitarras que se persiguen en escalas melodiosas, batería a media velocidad hasta el segundo minuto de la canción, velocidad y luego desaceleración para entrar a los solos, "In the Shadows"

inicia con el bajo y luego al tarro... esta es de las más largas del disco y para mi de las mejores, muchos cambios de ritmo, Wirman hace muy buen trabajo en la ambientación de esta pieza.

Luego viene un título en dos canciones "Red Light In My Ejes, Pts 1 y 2", claro musicalmente nada que ver, solo comparten el título, tal vez la letra si traiga la relación, la 1ra pareciera ser, al inicio, la balada del disco pero no, conforme se desarrolla ese concepto se pierde, la 2da parte es un poco mas pirotécnica al inicio y creo que es mejor que la 1ra, el ritmo y la complejidad es mayor, es de sinfonía porque su primer riff es tomado de la Sinfonía Nº 25 de Mozart y el riff final del Requiem k.492: "Confutatis".

"Lake Bodom"

es la 5ta con unos riffs muy pegajosos tiene un "no se que", que la pone entre las mejores del disco, un bloque de solos entrelazados entre Laiho y Wirman en guitarra y teclado le pone un clavel en el ojal "The Nail" es la mas extensa, con una intro ¿otra de película?, si "Nightmare On Elm Street 2", da paso a lo que hasta ahora nos tienen acostumbrados sobre la base de las guitarras el teclado y la batería hacen malabares y cambios de ritmo y unos solos increíbles.

La penúltima es para mi la mejor, "Touch like angel of death", la única con letra y es un poco fuera de lo normal con relación a las otras canciones del disco, no es un derroche de virtuosidad, pero tiene un pegue excelente, el teclado soporta gran parte de la canción, además los solos son buenísimos. Alexi Laiho y compañía hicieron en enorme "Breakthrough" con este "Something Wild" marcando la historia del metal a nivel mundial, una historia que hasta hoy consta de 5 capítulos, esperamos que no nos decepcionen estos Niños de Bodom.

Extraido de : http://www.metalicos.com/

ESPECIAL "JOHN PETRUCCI"

2007-07-14T01:39:00.000+02:00

Guitarrista integrante de bandas como Dream Theater y Liquid Tension Experiment. Nacido el 12 de julio de 1967, Petrucci se crió en un ambiente familiar de músicos en Long Island, New York. Aunque sus padres no son músicos, su hermana mayor tocaba el piano y órgano eléctrico, su hermano toca el bajo y su hermana menor toca el clarinete. Aunque su hermana influyó en sus intereses musicales hasta cierto punto, John dice que empezó a tocar la guitarra eléctrica porque todos los muchachos del vecindario tocaban y le parecía algo divertido. Estudió en la escuela de música contemporánea de Berklee en Boston, donde junto a su compañero de secundaria John Myung, conocen a Mike Portnoy y fundan lo que hoy es Dream Theater.

John empezó a tomar clases de guitarra a los 12 años, practicando hasta 6 horas diarias con su colega bajista Myung, y de ahí ha surgido como uno de los guitarristas más importantes del mundo, en el marco del éxito de su banda Dream Theater, ha logrado el reconocimiento y respeto de muchos músicos en el mundo debido a su notable habilidad para componer estructuras musicales complejas y bellas, prueba de esto por ejemplo es su incorporación en la gira G3 junto a Joe Satriani y Steve Vai.

Actualmente John contribuye a la revista Guitar World Magazine con una columna mensual y también contribuyó con la escritura de las partituras para los libros de "Images and Words" y "Awake" (dos discos de Dream Theater). Tiene también un video actualmente a la venta. Los guitarristas que más han influido en el estilo de John (llamados todos casualmente Steve ó Al) han sido Steve Vai, Al Di Meola, Alex Lifeson (del grupo Rush), Steve Howe (del grupo Yes), Alan Holdsworth y el legendario Stevie Ray Vaughan. Sin embargo su máxima influencia, y la que el cita siempre como su guitarrista favorito cuando se le pregunta, es Steve Morse.

Empezó a experimentar con una guitarra de 7 cuerdas para el disco "Awake", lo cual, él cree, le dio al disco un toque más pesado y ha contribuido en la manera de componer y potenciar las posibilidades de este instrumento. Escribe activamente en su casa con su "four track studio" (consola de 4 canales) y siempre lleva con él un secuenciador a todas sus giras. A John le gusta, cuando no se encuentra totalmente envuelto en su música, hacer ejercicios, pasear en barco, el ciclismo y comer.

Fue a principio de los 90’s cuando apareció en el mercado el impresionante disco “Images And Words” y desde ese momento todas las miradas se centraron en el excelente guitarrista que interpretaba de manera perfectas veloces figuras y excelentes solos cargados de virtuosismo y talento. Ahí cambió radicalmente el estereotipo del guitarrista rock, basándose principalmente en lo innovador del lenguaje que proponía Petrucci y que hasta el día de hoy se utiliza casi como estándar para medir a sus pares.

Marcado por su escalofriante técnica, un gran gusto por ser exageradamente veloz, John Petrucci junto a Mike Portnoy se han transformado en los rostros representantes de Dream Theater, no sólo por que entre ambos han compuesto la gran mayoría de los cientos de temas de la banda, sino también porque en los últimos discos, ambos han realizado labores de producción, convirtiéndose, por si fuera poco, en los voceros de la banda.

Por otro lado, el sorprendente guitarrista no conforme con su agotadora labor en Dream Theater, trabaja en docenas de proyectos paralelos. Aquí destacan los 2 discos con Liquid Tension Experiment, la excelente participación de la gira G3 junto a Steve Vai y Joe Satriani y por último, la sorprendente placa solista “Suspended Animation”, lanzado este mismo año y que, por supuesto ha generado toda la expectativa que se podía esperar de cualquier trabajo de Petrucci o cualquiera de los integrantes de la banda que acaba de dejar nuestro país.

Por otra parte, si hablamos de John Petrucci y sus trabajos paralelos a Dream Theater, es imposible no hacer eferencia al excelente material pedagógico musical que ha publicado el eximio instrumentista, donde destaca por sobre todo el excelente libro / video “Rock Discipline”… sin duda material que todo guitarrista debe tener y estudiar, para trabajar la técnica y conocer un poco sobre las artimañas de Petrucci.

Extraido de : wikipedia y varias webs (ya no me acuerdo JAJAJAJAJA)

Ahora vamos a los videos, primero pondre, los mejores en su etapa en dream theater, y luego rarezas, solos y clases del MAESTRO!!

Canciones con DREAM THEATER!!

"Metropolis Pt.1"

"Learning To Live"

"Hollow Years" (Esta baladita le molara a ECHORIATH)

"Overture 1928/Strange Deja Vu" (Del alucinante directo Live Scenes From New York)

Ahora vamos con las rarezas, cosas extrañas, versiones de canciones.....

Empezamos con un solo de guitarra del mago petrucci

Tocando una guitarra Ibanez de 7 cuerdas

Un solo marca de la casa, la imagen no es muy buena, sorry!! ALUCINANTE!!

Unas pequeñas lecciones de su DVD "Rock Discipline"

De uno de sus discos en solitario, la cancion es Glasgow Kiss, tocada en la gira G3

El clasico de pantera "Cemetery Gates" versionada con dream theater (Con algunos invitados)

Y para acabar otro clasico, esta vez, Master Of Puppets de Metallica

Un saludin!!

VENOM "WELCOME TO HELL" (1981) & "BLACK METAL" (1982)

2007-07-13T11:46:00.000+02:00

“Venom fue la mejor banda del mundo con los peores músicos del planeta” Kerry King, Slayer.

Cuando en los años 50 la cerrada y conservadora sociedad estadounidense calificó el rock and roll como ‘la música del diablo’ ni se imaginaban que precisamente esa música, décadas después, les daría la razón. Hasta la aparición de la banda de Newcastle, lo único que se consideraba ‘Black Metal’ eran Jimi Hendrix y Phil Lynott, acepción realmente ridícula en nuestros días.
Y fue en 1979 cuando ese concepto comenzó a coger un significado bien distinto. Conrad Lant trabajaba en los modestos estudios Impulse, algo que a la postre sería fundamental en el desarrollo de la banda de la que estamos hablando.

Y fue cuando Conrad coincidió con Jeff Dunn, por entonces en Guillotine, el momento en que tomaron la decisión de fundar un grupo en el que la temática principal de las canciones fuera el ocultismo y el enaltecimiento del Diablo. Jeff llevó a Conrad a conocer a su banda que basaba su repertorio en versiones de clásicos como Saxon o Judas Priest. Pero Conrad tenía claro que él no quería formar parte de ‘una banda más’, quería tener una banda con una personalidad propia y única dentro del circuito metálico. Algo que, aunque resultara pretencioso para una banda que ni siquiera se había formado, resultó ser su mejor arma. Para muestra, un botón, no debutaron en Inglaterra que pudieron hacerlo en un local digno de los señores de las tinieblas, con suficiente amplitud para sus juegos pirotécnicos.

Lo curioso de ese debut es que fue en 1984, nada menos que cinco años después de haberse formado. Tras varias idas y venidas, finalmente Jeff y Conrad dieron con el batería de una formación llamada Oberon y así llegó Tony Bray que conformaría con Jeff y Conrad la alineación clásica de Venom. Para dejar clara su propuesta decidieron que Jeff, Conrad y Tony no eran nombres que sonaran demasiado satánicos con lo que adoptaron distintos sobrenombres artísticos: Conrad pasó a ser Cronos, un líder titán de la mitología griega hijo de Urano y Gea que, entre otras cosas, derrocó y castró a su padre; Jeff adoptó el nombre de Mantas, un demonio de antiguas culturas asiáticas; y Tony escogió Abbadon inspirándose en la tradición hebrea donde significa literalmente ‘el demonio del hoyo insondable’.

A través del trabajo de Cronos en Impulse, comenzaron a hacer sus primeras grabaciones de los temas que iban componiendo, una mezcla de metal ultra-rápido inspirado en las huestes de Lemmy Kilminster y los riffs cortantes de Judas Priest, voces agresivas y temática oscurantista. Tal era su determinación y tesón que después de varias demos de ínfimas prestaciones técnicas, Neat Records finalmente les produce su primer single, “In League With Satan”. Un título suficientemente claro y una temática más que directa, pero es que desde el primer momento se percibía que Venom era una banda con algo especial dentro del movimiento NWOBHM, ya que aunque la maldad y las figuras oscuras habían sido exteriorizadas por Black Sabbath, la diferencia principal era que mientras Ozzy y los suyos parecía que pretendían huir de esa maldad que les atormentaba, Venom decidió ir más allá y formar parte de la misma maldad e incluso del mismo Infierno.

A pesar de que comercialmente no se le podía augurar un gran futuro a su música, ese mismo año, Neat Records decide recopilar esas demos grabadas y aglutinarlas en “Welcome To Hell”, debut en larga duración de Cronos, Mantas y Abbadon. Un disco con un valor histórico incalculable, ya que nadie, absolutamente nadie, había sido capaz de acercarse a una propuesta como la plasmada en esa placa (quizás sus compañeros de generación Angel Witch eran los que más se acercaron a su sonido). Un trabajo de auténticos visionarios que cambiarían el metal para siempre tanto musical como visualmente.

El pésimo sonido de la grabación, a priori un hándicap, jugó a su favor ya que las canciones sonaban aún más crudas, sangrantes y cercanas a su mayor influencia: el rock sucio y canalla de Motorhead, aunque solo Satán sabe que sería de este disco con una producción decente. Además, el disco tuvo un impacto inmediato debido a su portada, nada menos que una cabeza de carnero que se funde con un pentagrama, lo que no deja lugar a dudas de lo que se puede encontrar uno en el interior. Una perfecta combinación de imagen y música: Venom venía mismísimo Infierno y eran los mensajeros elegidos por el Príncipe de las Tinieblas para hacer llegar su mensaje a todos los rincones del planeta. Y es que se podría decir sin equivocarnos que, probablemente, “Welcome To Hell” fue el primer disco ‘extremo’ de la historia y semilla de los estilos más agresivos del metal: thrash, death, black, grindcore… todos le deben lealtad a Venom.

"Welcome To Hell"

"Witching Hour"

Pero lo mejor estaba por llegar, ya que sólo un año después editaron este pedazo de historia llamado “Black Metal”, germen fundamental en un estilo que precisamente tomaría su nombre de este álbum y que ha alcanzado una popularidad difícilmente imaginable cuando fue registrado en 1982. Cargado de pinceladas efectistas e intros lisérgicas como cuando llenaron de arena el estudio y comenzaron a removerla para la intro de “Buried Alive”

un corte basado en un relato de Allan Poe, que nos lleva directamente al interior de un sucio agujero en el que agonizamos mientras estos tres zumbados nos van echando más y más tierra encima.

Toda una lección de cómo crear atmósferas cargadas e irrespirables. “Teacher’s Pet” es el equivalente al “Poison” del “Welcome To Hell”, una carcajada de Venom hacia quien les tomaba en serio, porque si “Poison” es una canción que habla de las enfermedades venéreas, la incluida en este disco no es sino una historia de sexo y lujuria entre una profesora y uno de sus alumnos, contada con pelos y señales y que según cuenta la leyenda está basada en algo que le ocurrió al propio Mantas en sus años escolares y que encima tiene un interludio de lo más blues. No deja de ser cachondo que unos tipos feos y malos como Venom que basaban sus letras en el satanismo y el ocultismo se desmarcaran con cortes como el acabamos de comentar.

La inspiración para “Countess Bathory”

proviene de la supuesta biografía de Elisabeth Bathory reflejada en la peli de serie Z “Countess Drácula” protagonizada por la pechugona Ingrid Pitt en la que con la ayuda del Capitán Dobi la condesa buscaba la eterna juventud bañando sus generosas curvas en sangre de jovencitas vírgenes (otro grupo inglés, Cradle Of Filth, le dedicaría un disco completo al asunto). Y por supuesto, también tenemos a los Venom más típicos, punkarras y mosqueados en “To Hell And Back”, “Don’t Burn The Witch” o la misma “Black Metal” llenos de riffs pastosos, batería al borde del colapso y blasfemias a los cuatro vientos.

Precisamente “Don’t Burn The Witch” no sólo es la mejor canción del disco sino que probablemente sea la mejor de los de Newcastle y uno de los mejores riffs de todo el circuito extremo. Además, la voz de Cronos anunciaría la guturalidad de la posterior ola de death metal. Otra vez debemos rendirnos ante la brillante simpleza de su propuesta.

Y como epílogo, una nueva ida de olla. “Black Metal” incluye una introducción de su siguiente pesadilla musical, “At War With Satan”. La duración del tema homónimo sumada a la de esta intro da como resultado de 21 minutos y 12 segundos en homenaje al “2112” de Rush. Venom rindiendo tributo a Rush!! Otro claro ejemplo de su actitud cachonda y lejana a su imaginería de rudos rockeros satánicos.

“Black Metal”

es uno de esos discos que marcaron un momento en la historia, una clase magistral de mala ostia y rapidez que resultaría en uno de los trabajos más influyentes del rock. Y es que Venom nunca ha sido una banda más. Más rápidos y sucios que Motorhead, más malignos y satánicos que Black Sabbath, más demoníacos y con más pirotecnia que Kiss, con más cuero que Judas Priest y más ‘true’ que Manowar.

Y casi tan ridículos como Spinal Tap, por aquellos primeros años en los que aseguraban tener un plan para conquistar el mundo y someterlo bajo las enseñanzas de Lucifer. Realmente lisérgico. Sencillamente, un disco tan imprescindible en la discoteca de aquel que se considere un ‘metalhead’ como “The Number Of The Beast”, “Screaming For Vengeance” o “Restless & Wild”, que también vieron la luz ese mismo glorioso 1982.

Critica extraida de : http://www.metal4all.net

UFO "STRANGERS IN THE NIGHT" (1979)

2007-07-12T21:13:00.000+02:00

Es difícil explicar con palabras lo que hay dentro, porque no es un disco en directo con improvisaciones, solos o variaciones al uso de sus propios temas, sino una colección de las canciones más representativas de la discografía del grupo tocadas en directo, con un feeling que pocos discos de este tipo logran captar, quizá ese sea el resumen con el paso de los años. Lo cierto es que son 13 temas que si por separado son a cual mejor, reunidos en un solo disco suponen uno de las piezas imprescindibles en toda discografía que se precie de ser completa.

En realidad es un doble en directo grabado entre Chicago y Louisville durante la gira del “Obsession” en 1978, con la formación clásica de UFO: Michael Schenker a la guitarra, Phil Mogg cantando, Andy Parker en la batería, Pete Way al bajo, el polivalente Paul Raymond en las teclas y guitarra y la colaboración de Paul Chapman metiendo rítmicas. Chapman ya había trabajado con UFO en el ’74 y fue el que sacó las castañas del fuego al grupo cuando Schenker les dejó tras la edición de este disco para reunirse con Scorpions de nuevo, volver a pensárselo y montar sus M.S.G. Y es que UFO también han sido cantera de grandes músicos, posteriormente reconocidos, como Bernie Marsden (Whitesnake, SOS), Billy Sheehan (David Lee Roth, Mr. Big, Talas), Danny Peyronel (en nuestros Banzai y Tarzen) o últimamente Ainsley Dunbar, aunque este ya con el colmillo retorcido.

Volviendo al disco, un “Hello Chicago... pleased to wellcome... U.F.O.” de presentación deja paso a “Natural Thing”, rock and roll del “No heavy pettin’” del ’76 con la voz de Mogg y la guitarra de Schenker en primer plano, con solo clásico en pentatónica y final empalmando con “Out in the street”

en la que el piano eléctrico de Raymond es el protagonista, con un arpegio que ha quedado para la historia y sobre el que se construye toda la canción. Varios cambios de ritmo en plan progresivo, y el Schenker de los primeros Scorpions en el solo de guitarra. “Only you can rock me”, es de corte también progresivo, con más presencia del bajo de Pete Way y un colchón de teclas que oscurecen algo el protagonismo de las guitarras. Y para cerrar la cara 1 el clásico entre clásicos del “Phenomenon” (1974): “Doctor doctor”, con sus acordes en quinta, los coros de Way arropando la voz de Mogg en el “...living, loving...” famoso, y que es uno de los temas del género que no tiene solo de guitarra como dato curioso.

La cara 2 se abre con “Mother Mary”, muy guitarrera, con demostración de tapping. Le sigue “This kids” en una onda parecida, con un riff muy heavy, y cierra el primer volumen “Love to love”, la más tranquila del disco, que sin ser balada sí está concebida como obra sinfónica de cadencia lenta, con las teclas otra vez en primer plano llevando el peso del tema, recordando los inicios del grupo no como banda heavy sino más bien de corte progresivo, aunque pertenezca a su disco “Lights out” (1977) de la etapa Schenker.

La cara 3 empieza con “Lights out”

la más cañera del disco, seguida de una versión de “Rock bottom”

de más de 11 minutos, quizá el momento cumbre del disco, por lo menos en cuanto a feeling.

La última cara también se abre con “Too hot to handle”

con un riff que siempre me recordó al “Living after midnight” de Judas Priest, y un estribillo no sé si pegadizo o pegajoso. “I’m a loser”, otro clásico, con el piano marca de la casa en lo más alto, “Let it roll” con ritmo de doble bombo y “shoot shoot”, cencerro incluido, y un “Thank you very much, good bless, good night...” terminan el disco.

Si alguien no tiene nada de los UFO clásicos y le gustaría, este es su disco. Por cierto, U.F.O. = Unidentified Flying Object (OVNI), ya, ya se que no hace falta, pero por si acaso...

Extraido de : http://perso.wanadoo.es/thesentinel2002

ESPECIAL "IRON MAIDEN" (1ª PARTE)

2007-07-11T22:44:00.000+02:00

Corria el año 1971 cuando un jovencísimo chico londinense de 15 años, Steve Harris, se compró un bajo Telecaster por unas 40 libras, inspirado por sus grupos favoritos: Wishbone, Jethro Tull y Genesis. Steve era jugador de fútbol en las secciones juveniles del West Ham, pero lo dejó debido al gran número de jóvenes de calidad que se agolpaban a las puertas de un contrato con algún club importante, ilusión que muy pocos conseguían. Debido a esto y tras meditarlo decidió abandonar la esperanza de llegar a ser profesional y centró sus esfuerzos en su otra gran pasión: la música.

En 1973 es aceptado en la banda "Influence", que posteriormente pasó a llamarse "Gypsy's Kiss". Tras tocar en pequeños conciertos antes escaso público, abandonó el grupo y se incorporó a otra con un poco más de "calibre": "Smiler". El problema de esta banda era que Steve era mucho más joven que el resto. Pese a ayudarle a acumular mucha experiencia, no encajaba del todo y abandonó también esta banda.

Steve decidió que lo que necesitaba para hacer la música que le gustaba y como quería era crear su propio grupo. Nació así, en 1975, "Iron Maiden". Para el nombre se inspiró en la película "El Hombre de la Máscara de Hierro", en la famosa "Doncella de Hierro" que en ella aparecía (aparato de tortura que consistía en un ataúd con multitud de pinchos en su interior donde las víctimas eran encerradas hasta morir. Precisamente la elección de este nombre le trajo a Steve algún que otro problema, dado que parecía hacer referencia a la por entonces Primera Ministra, Margaret Thachter.

Una vez decidido el nombre, Steve se dispone a buscar músicos para la banda. No tuvo que buscar muy lejos (estamos ya en el año 1976). En su propio barrio, East End de Londres, encontró lo que busca: Terry Rance y Paul Sullivan como guitarristas, Ron Matthews a la batería y Paul Day como vocalista; el propio Harris se encargaría del bajo. Con esta formación dieron unos conciertos en el pub "The Cart and Horses" en Stratford, en el East End de Londres. Esta primera formación sufrió grandes cambios: Paul Day fue sustituido por Dennis Wilcock de Smiler, el cual recomendó a un joven guitarrista para la banda, su nombre: Dave Murray (anteriormente en Urchin). La entrada de Dave fue tomada como un insulto por parte de los hasta entonces guitarristas Terry Rance y Paul Sullivan, abandonando ambos la banda. Entró también Bob Sawyer como segundo guitarra, adoptando el nombre de Bob D'Angelo y Ron Rebel para el puesto de batería, tras la salida de Ron Matthews. Con esta nueva alineación, Iron Maiden comenzó a dar pequeños shows por todo el este de Londres.

Tras varios conciertos en "The Bridgehouse", Bob Sawyer abandonó la banda y Dave fue despedido. La intención de Harris era la de cambiar el estilo del grupo y dejar un solo guitarrista y un teclista. Así se unieron a Iron Maiden Ferry Wapram como guitarrista solista y Tony Moore como teclista. Ron Rebel abandonó también la banda y fue reemplazado por Barry Purkis, también llamado "Thunderstick". Con esta nueva formación Iron Maiden tocó de nuevo en "The Bridgehouse" y Steve se dio cuenta de que lo de los teclados no le convencía. Tony Moore fe entonces despedido y Terry Wapram abandonó debido a que "No podía tocar sin los teclados". Harris persuadió para que volviese a la banda a Dave, en un concierto de Urchin al que asistió para dicho fin. Tras estos cambios, vinieron más: Dennos abandonó la banda junto con Thunderstick, y entró en la banda Doug Sampsom, ex-batería de Smiler. Un amigo de Steve le recomendó a un tal Paul Di'Anno como vocalista, un cantante con claras influencias "punk" que hasta entonces estaba en "Bird of Prey".

Tras todo el movimiento de miembros, Iron Maiden encontró su primera formación estable: Paul Di'Anno como vocalista, Steve Harris al bajo, Dave Murray como guitarrista y Doug Sampson a la batería.

El problema para Steve Harris ahora ya no era la formación, sino el encontrarse en medio de los años del Punk. Las calles se llenaban de gente vestida imitando a los "Sex Pistols" y este estilo de música se convertía en el negocio discográfico. Llegaron incluso a aconsejar a Harris que se cortase el pelo y adaptase con su grupo la estética y el sonido de los tiempos que corrían. Afortunadamente para nosotros, Harris se mantuvo en sus ideas y no hizo ningún caso.

En 1978 las posibilidades musicales habian mejorado lo suficiente como para que Iron Maiden pudiese dar conciertos de manera regular. Solían tocar en pequeños locales del East End, y se trasladaban de lugar en lugar con una pequeña furgoneta que llamaban "The Big Goddes", donde incluso alguna noche tenían que usar para dormir, puesto que solían tocar en cualquier lugar por poco más que unas cuantas cervezas.

A estas alturas era casi necesaria la grabación de una Demo. "Iron Maiden", "Strange World" y "Prowler" fueron grabados en los Spaceward Studios, cercanos a Cambrigde. La grabación tenía un coste muy alto, de modo que la banda no pudo comprar el original. Cuando consiguieron el dinero, las cintas ya habián sido borradas y solo pudieron conseguir cintas de sesiones sin mezclar. Dave pasó una copia a Neal Kay, un disc-jokey de renombre dentro del heavy británico, lo cual hizo que fuesen emitidos en las emisoras locales. Neal Kay les consiguió una presentación en el "Band Wagon Soundhouse". La gran repercusión obtenida le dio a la banda la posibilidad de firmar un contrato de actuación. En agradecimiento, Iron Maiden llamaron "The Soundhouse Tapes" a la demo, la cual se distribuyó (sólo se sacaron 6000 copias) de forma independiente en las tiendas de discos londinenses. Tony Pearson. Entró en la banda como segundo guitarra.

Una copia de la cinta llegó a manos de Rod Smallwood, lo que le hizo ir a presenciar una de las actuaciones del grupo. La actuación fue tan importante como accidentada. Poco antes del concierto, Paul Di'Anno fue detenido por posesión de arma blanca y el concierto fue en su mayor parte instrumental excepto alguna canción en la que cantó Harris. Pese a esto, Rod Smallwood quedó impresionado por la calidad del grupo y se ofreció como manager.

Rod consiguió algunos conciertos por todo el país para que las compañías discográficas se fijasen en ellos. El 13 de octubre de 1979, en un concierto en "The Marquee", John Darnley de EMI Records fue a verles. Rod le hizo una apuesta al manager de "The Marquee": prometía vender todas las entradas (unas 700) antes de las 7 de la tarde. Ganó y al més EMI firmó un contrato con Maiden. En noviembre, Iron Maiden entró en los EMI's Manchester Studios para la grabación de "Sanctuary" y "Wrathchild" para el recopilatorio "Metal for Muthats".

La banda sufrió de nuevo algunos cambios. Doug Sampson se vió obligado a dejar la banda por problemas de salud y también abandonó Tony Pearson. Entraron, Clive Burr y Dennis Stratton para cubrir las baja respectivas. El 8 de febrero de 1980, Iron Maiden lanzan su primer single:

"Running Free"

rompiendo las expectativas de la compañía discográfica, quedando en el número 44 del chart británico y siendo invitado para aparecer en la BBC. La banda acepta bajo la condición de tocar en directo, convirtiéndose en la primera banda que lo hacia desde "The Who" en 1972. Antes de la salida de este single, Irion Maiden colocaba en los conciertos una máscara de una especie de humano-zombie-monstruo a la que llamaban Eddie. Consiguieron contactar con Derek Riggs (el cual será el más importante dibujante para las carátulas de la Doncella) para que le diseñase un cuerpo. Para no desvelar el resultado final, en la portada del single aparece Eddie con la cara oscurezida para que no se viese.

El 14 de abril llega el primer álbum de la doncella llamado homónimamente "Iron Maiden" (donde ya sí aparece la cara de Eddie diseñada por Derek Riggs), el cual llegó rápidamente al nº 4. En él se encontraban clásicos como

"Phantom of the Opera"

"Prowler"

"Sanctuary"

canción que sería censurada por sus alusiones a la Primera Ministra. La banda hizo una gira por las islas tocando en cuarenta fechas como invitados de Judas Priest. En agosto fueron invitados por Kiss para el "Reading Festival" junto a UFO, donde Steve tuvo la oportunidad de tocar en el mismo escenario que sus ídolos.

Dennis Stratton deja la banda por diferencias musicales y entra Adrian Smith, por recomendación de su amigo Dave Murray y antiguo compañero en Urchin. Comenzaron a preparar el segundo álbum "Killers", junto con Martin Birch como productor. El disco sale el 2 de febrero de 1981, llegando al nº 2 en Inglaterra y embarcando al grupo en su primera gira mundial.

"Wrathchild"

"Killers"

Su visita a Japón llevó a la aparición de un nuevo single en directo: "Maiden Japan" y en marzo sale un video de 30 minutos del espectáculo de Navidad: "Live at the Rainbow".

Este genial ascenso de la banda no supo aprovecharlo en su justa medida Paul Di'Anno, que empezó a llevar una vida demasiado extrema (fumar, beber, drogas…) y su voz se resentía tan rápido como su relación con el resto del grupo y no rendía igual que antes. Fue finalmente expulsado en 1981 y fue sustituido por otro ex-Samnson: Bruce Dickinson. Bruce dio un nuevo aire al sonido del grupo con su potente voz, llegando a tonos que darían a Maiden la fuerza que le faltaba.

El año siguiente, 1982, superó todas las expectativas. Con Bruce Dickinson se grabó el que para muchos es el mejor disco de la banda: "The Number of the Beast". Salió a la calle el 29 de Marzo de 1982 y consiguió clocarse como nº 1 en las listas británicas. En este album se incluyen temas clásicos, no solo de la banda, sino del heavy en general:

"Run to the Hills"

"Hallowed Be Thy Name"

o la propia "The Number of the Beast"

La gira para este disco "The Beast On The Road Tour", les hizo recorrer medio mundo durante un año.

Es de señalar que, debido al nombre del disco y la portada, la gente empezó a tomar a Iron Maiden como una banda Satánica. A esta idea colaboraron ciertos rumores de sucesión de "cosas extrañas" acaecidas durante la grabación del mismo: los aparatos eléctricos se encendían y apagaban solos, se oían voces y, lo más increíble, el productor Martin Birth tuvo un accidente de coche cuya reparación costó nada menos que 666 libras; él se negó a pagar esa cantidad exacta y al final pagó 670 libras.

En este año, Clive Burr abandonaría el grupo por motivos personales. La incorporación de McBrain (ex-Trust) lograría la formación más estable de la Doncella y para muchos la mejor.

Con esta formación Iron Maiden se embarca en la grabación de su siguiente álbum "Piece of Mind". En 1983 sale este disco que inmediatamente se coloca como nº 3 en Inglaterra. En la portada de este nuevo disco aparece un Eddie sin pelo y con el cráneo sellado, encadenado a las pareces de la celda de un manicomio. Nuevo tour y video del single "Flight of Icarus", en el que la banda se tomó su tiempo. También en este disco se encuentran temas clásicos de la banda como "The Trooper"

o la anteriormente mencionada "Flight of Icarus".

Ya en 1984 Iron Maiden lanza otro de sus mejores discos, "Powerslave", con canciones como

"Aces High"

"2 Minutes to Midnight"

o la propia "Powerslave".

Para presentar este álbum, Iron Maiden se embarcan en una de las giras más largas que la banda ha realizado, la "The World Slavely Tour". Esta gira les llevó a paises como Polonia, Hungria o Yugoslavia. En este recorrido se grabó el material necesario para un video documental que posteriormente se editó: "Behind The Iron Curtain".

La gira fue verdaderamente agotadora. Iron Maiden estaban en un muy buen momento de forma y dieron más de 300 conciertos por todo el mundo. Participaron en la primera edición del "Rock In Rio" en Brasil junto a Whitesnake, Queen, Ozzy Osbourne, Scorpions y AC-DC. Se recogieron grabaciones en directo de los conciertos de la banda con la intención de sacar un nuevo vídeo. Esta agotadora gira acabó en julio de 1985 y tras la misma se editó un doble directo y un video con el material grabado durante ocho noches repartidas entre el "Hammersmith Odeon" de Londres y el "Long Beach" de Los Angeles. El directo salió a la venta en octubre y se llamó "Live After Death", alcanzando inmediatamente el puesto nº2.

Biografia de : http://www.webironmaiden.com

CONTINUARA........

QUEEN "A NIGHT AT THE OPERA" (1975)

2007-07-10T21:45:00.000+02:00

Para comenzar, un poco de historia... Corría el año 1975 y el grupo inglés Queen venía saliendo de la exitosa gira de su anterior disco “Sheer Heart Attack”, y también de los problemas contractuales con su anterior sello “Trident”, con el cual venían ganando la misma suma de dinero que obtenían cuando eran semi-profesionales. Para poder entrar al estudio, su nuevo manager, Jim Beach, les entrega la astronómica cifra (para esos tiempos) de 100.000 dólares para producción. El resultado de toda esta parafernalia lleva a la creación de una de las obras maestras de la música moderna. Sí, porque “A Night At The Opera” desde el 21 de noviembre de 1975 hasta el día de hoy sigue siendo votado dentro de los mejores discos de la historia.

Ahora vamos a lo que nos interesa, las canciones, que son todas, sin excepción, consideradas como clásicos dentro de la discografía del grupo. Para comenzar, la impresionante intro de piano de Mercury para el tema 'Death On Two Legs', con un ritmo muy marcado por la batería y el bajo, pero que deja espacio para el lucimiento de los coros y la guitarra de May. Nota aparte es la letra de la canción, que realmente sorprende por lo descarnada y ácida, que se dedica prácticamente a “destrozar” la imagen de un anterior productor de Queen, tanto, que el grupo debió pagar una suma de dinero para evitar la interposición de una demanda en su contra.

Luego, viene una de las varias rarezas del disco, la corta, pero muy alegre 'Lazing On A Sunday Afternoon', que parece sacada de un club de comienzos del siglo pasado, y que demuestra la versatilidad de Mercury y compañía. Ahora viene el turno del Hard-Rock y éste llegó con el inspiradísimo y emotivo tema de Roger Taylor, 'I'm In Love With My Car', el cual demuestra una potencia y fuerza en las vocales, además de dar cuenta que Queen no era el grupo de acompañamiento de Freddie, sino que eran un conjunto que puede dar cabida al lucimiento personal de cada miembro. Lo anterior queda reforzado inmediatamente con el hit 'You're My Best Friend'

una muy buena balada compuesta por John Deacon, que fue considerado el segundo single del álbum, canción que tenía una muy buena acogida en sus presentaciones en vivo.

Ahora le corresponde a Brian May, el genio de la guitarra que nos entrega ''39', una alucinación astronómica que se confunde con la teoría de la relatividad y con la literatura de George Orwell, que da lugar a la suave y cálida voz de May al son de una guitarra acústica. El disco prosigue con 'Sweet Lady' de May, que es un nuevo golpe eléctrico y que nos despierta con un ritmo muy duro y donde destaca el juego de guitarra y batería ( Roger Taylor confesó que era una de las canciones más difíciles de interpretar en vivo en la batería). Para finalizar el Lado A del vinilo, Mercury se despacha un verdadero lujo llamado 'Seaside Rendezvouz', la que se parece en ciertos aspectos a 'Lazing On A...', pero que demuestra técnica en cada nota. Ellos mismos confesaron que no la podían tocar en vivo, por su dificultad y por el uso de distintos y muy variados instrumentos.

En el Lado B, viene una canción que -según mi modesta opinión- es una de las mejores compuestas por Queen. Se llama 'The Prophet's Song', un larguísimo y potente tema, con un golpeado ritmo de bombo, bajo y guitarra, que en su parte central nos entrega un genial juego de voces y coros que realmente sorprende por la técnica utilizada ( doblaje de voces y mezclas agotadoras en los estudios de grabación). Para los verdaderos conocedores del grupo, esta canción es una de las básicas y debe estar en toda selección. Este track comienza con el estilo himno que tendrían las grandes canciones del grupo. Pero, después de la tormenta viene la paz, y ésta llega con el clásico 'Love of My Life', compuesta por Mercury, una de las más conmovedoras canciones de amor, en la cual Brian tuvo que aprender a tocar el arpa.

El álbum continúa con la composición de May titulada 'Good Company', similar a ''39', pues es semi-acústica y nuevamente es cantada por Brian. Ahora viene un trozo de historia de la música moderna, un tema que dio inicio a una nueva etapa en la industria discográfica y de los video-clips, 'Bohemian Rhpasody'

Como historia, esta sola canción tomó más de un mes de grabación y se recorrieron todos los estudios londinenses para su conclusión (Olympic, Roundhouse, Sarm, Rockfield, Scorpio, Landsowne), donde se cuenta la historia de un hombre que asesina a otro, y se despide de su madre para su ida al infierno. Este corte mezcló tres estilos: La Balada, la ópera y el hard- rock ( De ahí el nombre Rapsodia). Además permite el lucimiento individual de cada miembro del grupo. En la parte operática, demuestra una técnica vocal no vista en la música popular, con el uso de falsetes en su máxima expresión, y el estudio y aplicación de formas de grabación superiores y adelantadas a los tiempos que corrían.

En su sección hard-rock nos entrega una fuerza impresionante, con el despliegue de la peculiar guitarra de May. Además, crea una de las formas de comercialización más innovadoras que se han utilizado, el videoclip. La razón de su nacimiento es simple, el grupo se encontraba de gira y no podían ir a presentarla en el programa de TV "Top Of The Tops", por lo que encargaron al director Bruce Gowers la creación de un video conceptual que demostrara en imagen la idea de cómo sería la canción a los ojos del grupo. Para que decir que el tema, de anticomerciales 6 minutos de duración, se encaramó en la cima de los rankings musicales de todo el mundo y transformó a Queen en un súper grupo.

Para terminar el disco viene la adaptación de himno nacional británico hecha por Brian May, que sirvió parar finalizar todas los conciertos posteriores del Grupo... Es, en conclusión, una obra maestra de la música moderna que tuvo un efecto particular sobre el público, y que aún hoy sigue estando en las cimas de los rankings tanto de popularidad como de la crítica.

Critica extraida de : http://www.rockaxis.com

NIRVANA "NEVERMIND" (1991)

2007-07-10T01:04:00.000+02:00

Uno de los discos más vendidos de la historia, y que supuso un auténtico "Boom" a principios de la década de los 90, todo ello de la mano de una de las figuras más representativas para los jóvenes de medio mundo: Kurt Cobain (años más tarde mitificado debido que su muerte en extrañas circunstancias).

Nirvana eran la viva imagen de la amargura, personificada en Kurt Cobain; se mostraban apáticos frente a la sociedad donde se encontraban. Fueron nombrados reyes y creadores del Grunge (quizá erroneamente, pues The Melvins fueron anteriores), aunque nunca estuvieron solos dentro de ese círculo: Pearl jam, Alice in Chains, Soundgarden... y muchos otros nombres menos reconocidos.

Lo primero que hay que decir es que Kurt Cobain no quedó satisfecho con el sonido del disco, pues quería un sonido más sucio, más punk. La producción corrió a cargo de Butch Vig ( productor a su vez de Smashing Pumpkins y que años más tarde crearía su propia banda: Garbage).

La portada del disco nos muestra un bebe de 4 meses bajo el agua, llamado Spencer Elden (Kurt quería una mujer dando a luz bajo el agua).

El disco empieza con el himno generacional que todo el mundo conoce:
"Smells Like Teen Spirit"

la canción, acompañada de su video, captó enseguida la atención de una juventud inquieta, temeraria, q se sintió identificada con Kurt Cobain. El título de la canción hace referencia al desodorante de una ex-novia de Cobain. El riff, aún simple, es uno de los más conocidos de la historia de los 90.

El video-single fue grabado por Samuel Bayer; desde el principio las personalidades de éste y Kurt Cobain se enfrentaron: uno quería chicas guapas bailando y el otro coches destrozados y chicos quemando dinero. En el video se puede apreciar el enfado de Cobain, como el propio director comenta "con un aire desafiante ante la cámara, como queriendo enfrentarse a mí".
En resumen, una canción que resume la manera de pensar de una generación llamada (quizá erróneamente) "X", y que no se sabe q hubiera pasado con esta canción de no ir acompañada de un video tan explícito. Dave Grohl comentó en cierta ocasión que nunca esperó que ese fuera el hit del disco, que pensaba q podrían ser Lithium o In bloom, que hubiera sido curioso el haber sacado más tarde el video de "Smells".

El disco continua con "In Bloom"

la cual también fue single y tuvo su video. La batería es quien lleva en todo momento el ritmo de la canción. Se nos habla sobre la juventud y la música. El video nos muestra unos Nirvana (en blanco y negro), vestidos de traje y tocando, alternándose con Nirvana vestidos de mujeres, que al final del video destrozan su equipo (tónica general en sus actuaciones).

"Come As You Are"

(segundo single), habla sobre la sinceridad y amistad, sobre como el tiempo hace y deshace esos sentimientos. La línea del bajo de Krist Novoselic deja ver la melancolía durante toda la canción. En su video sale una pistola rondando por la pantalla ("no i don't have a gun..."), y el grupo tocando, bajo un efecto agua en la imagen.

"Breed" fue llamada en un principio "Imodium", y habla sobre como absorbe la sociedad a la gente joven. Es una de las canciones más sucias y rápidas del disco.

"Lithium"

tiene video con imágenes en directo del grupo (sus directos eran dignos de ver...). Nos cuenta como una persona, deprimida, abandonada por el resto del mundo, intenta creer en la religión. Su salida es el suicidio, pero opta por buscar refugio en conocer a Dios...

"Polly" es tan clara como explícita: cuenta la historia del secuestro y tortura de una chica.
Una canción bastante simple, así querida por Kurt. La batería en esta canción ( y en "In Bloom") la toca Chad Channing (sin ser mencionado en los créditos). Kurt usó una guitarra con 5 cuerdas de Nylon para esta canción; fue grabada en Smart, y no quiso volver a grabarla.

"Territorial Pissings" empieza con una intro de Krist Novoselic: "COME ON PEOPLE NOW, SMILE IN YOUR BROTHER EVERYBODY, GET TOGETHER TRY TO LOVE, TO ANOTHER RIGHT NOW". Es una canción antimachista, ataca a la gente q se cree superior por ser hombre. Junto a Breed, una de las más rápidas del disco.

"Drain you" es una "love-song", y una de las mejores del disco (a gusto personal). Leyendo la letra de la canción se puede apreciar claramente el sentimiento q desprende.

"Loung Act" trata sobre la visión que se tienen de las cosas, del acierto al tratarlas.
"Stay away" critica toda esa gente "niñata", que se acomoda en cierto sentido.
A mi modo de ver, la segunda mitad del disco se hace un poco más lenta q la primera; engancha algo menos, debido quizá a q desprende más melancolía y tristeza.

"On a plain" y "Something in the way" son quizá los 2 temas más tristes del disco. Tocados ambos en el Unplugged de la Mtv (de este disco también se incluyó "Come as you are"); la primera de ellas es una de las letras más profundas del disco, mientras que "Something in the way" es una canción autobiográfica de Kurt, cuando vivió bajo un puente al separarse sus padres. Esa separación fue una de las experiencias más traumáticas para él.

"Nevermind" fue (es, y seguirá siendo), punto de referencia para cualquier persona amante del rock. En sus poco más de 40 minutos (aunque el la duración del cd sea de casi 60), se plasman perfectamente los pensamientos de uno de los mitos musicales más grandes de la historia: Kurt Cobain.

Pocos años más tarde, el 5 de Abril de 1994, encontrarían su cuerpo muerto en su casa de Seattle. Desde entonces hipótesis sobre presunto suicidio, asesinato, controversias sobre las grabaciones inéditas del grupo y varios temas escabrosos han sido tratados (la mayoría de ellos por su viuda Courtney Love).

Terminando me sumo a las teorías: no creo que fuera un suicidio, debido a contradicciones... No metes más de una bala en una escopeta si te vas a suicidar... con una te vale.
Tenía dosis de heroína en vena 3 veces superior a lo considerado normal; aún así, tenía todos los "artilugios" para inyectarse guardados ordenadamente en una caja. No creo que se pueda hacer eso después de inyectarte, y tener fuerza para coger una escopeta, metértela en la boca y volarte la cabeza.

Todos los ojos apunta a una persona: Courtney Love. Si añadimos que las fechas antes de la muerte planeaba sobre ellos el divorcio... Kurt quería dejar la gira, el grupo... (la suma de dinero que podía perder Courtney era considerable). En fin, quizá nunca se sepa, pero cada uno es libre de pensar lo que quiera.

Para terminar, y haciendo referencia a la carta de "suicidio", Kurt decía en las últimas líneas: "Por favor, sigue adelante Courtney, por Frances, porque su vida será mucho más feliz sin mí. Os quiero".

La verdad, no sabemos si la vida de Frances Cobain ha sido mejor sin su padre; desde luego, la de muchas otras personas (al menos la persona q escribe esto), NO.
Kurt Cobain, descanse en paz.

Critica extraida de : http://www.metal4all.net

ESPECIAL JOHN BONHAM

2007-07-09T13:19:00.000+02:00

John Bonham, fue el batería de la banda de Hard Rock, Led Zeppelin. Hasta el día de hoy es considerado uno de los mejores baterías de Rock de la historia, ya que cambió el
enfoque que se tenía hacia el instrumento. John creó un estilo con una pegada más dura y con menos adornos, mucho más alejado del Jazz y el Blues (Estilos predominantes en los baterías de Rock/Pop de la época), cambiando revolucionariamente el mundo musical, influyendo a toda las generaciones posteriores de baterías de Rock.

Led Zeppelin - Immigrant Song

Bonham nació en Redditch, Worcestershire, Inglaterra. Empezó a tocar batería a los 5 años, pero tuvo su primer equipamiento rítmico a la a edad de 14 años. Éste fue un kit Premier del cual no se tienen mayores detalles.

En 1964, Bonham formó su primera banda, Terry Webb and the Spiders. También tocó para bandas locales, como The Blue Star Trio and The Senators. Fue en esta época que Bonham decide dedicarse a la música como profesión. Se une a varias bandas poco exitosas, incluyendo la banda de Blues Crawling King Snakes, cuyo cantante era Robert Plant. Durante ese periodo, Bonham se gana la reputación de ser el baterista mas ruidoso de toda Inglaterra. En una ocasión le pidieron que se fuera del Birmingham Studio porque tocaba demasiado fuerte como para ser soportado por el dueño quien incluso le dijo que no habría futuro para un baterista como él. 10 años después, el dueño del estudio recibió una nota en la cual se leía "Thanks for the career advice...", siendo acompañada por un disco de oro de Led Zeppelin. Siguió siendo parte, junto a Robert Plant, de bandas poco exitosas hasta que Tim Rose lo invita formalmente a ser el baterista de gira de su banda.
Cuando Jimmy Page quisó formar una nueva banda tras el quiebre de The Yardbirds, su primera opción como cantante fue Terry Reid, sin embargo Reid estaba trabajando con Mickie Most. Reid sugirió a Robert Plant, quien sugirió a Bonham, y a John Paul Jones. Después de ver a Bonham tocar para Tim Rose en Hampstead, Londres, en Julio de 1968, Page y Peter Grant (Manager del grupo) estaban convencidos de que Bonham era el indicado.

Led Zeppelin - Whole Lotta Love

Durante la primera gira de Led Zeppelin en E.E.U.U. (Diciembre de 1968), Bonham se hizo amigo de Carmine Appice, baterista de Vanilla Fudge, quien le dio a conocer las baterías Ludwig, marca que usó, y con la que firmó un contrato de representación, por el resto de su carrera. Bonham usaba también las baquetas más largas y pesadas del mercado, a las cuales él se referiía como "árboles".

Led Zeppelin - Stairway To Heaven

Su revolucionario estilo está presente en todas las composiciones de Led Zeppelin, pero fueron temas como "Immigrant Song" (Led Zeppelin III), "When the Levee Breaks" (Untitled fourth album), "The Ocean" (Houses of the Holy), and "Achilles Last Stand" (Presence) los que marcaron el estilo de la banda. El grupo lo reconoce como el creador de la figura rítmica del riff de "Kashmir" y del riff de "Out On the Tiles". La grabación en estudio de "Misty Mountain Hop" captura perfectamente su excelente dominio sobre las dinámicas.

Su trabajo tras "los parches" ha influenciado a casi todo baterista de hard rock/heavy metal. El estilo de Bonham estaba marcado por un "beat" muy rítmico acompañado con mucho "feel", "fills" explosivos y un uso único de figuras rítmicas invertidas, muy seguido ejecutadas entre el bombo y el tambor. Todo esto, combinado con su ataque escarpado, hizo a Bonham inmediatamente reconocible para el auditor.

Led Zeppelin - Communication Breakdown

Sus "solos" de batería, primero "Pat's Delight" luego llamado "Moby Dick" y "Over the Top", duraban cerca de media hora y muy seguido tocaba sin baquetas para lograr nuevos efectos sonoros. En los tours de Led Zeppelin que vinieron después de 1969 expandió su kit, incluyendo congas, timbales sinfónicos y gongs sinfónicos. A Bonham también se le da el crédito de usar los primeros timbales sintetizados electrónicamente, los cuales tocó durante la presentación de la canción "Kashmir" en Dallas, Texas, 1977.

Led Zeppelin - Kashmir

En 1974, Bonham apareció en el film Son of Dracula, tocando la batería en la Count Downe's (Harry Nilsson) backing band. Éste fue un film hecho por Ringo Starr. Bonham formó parte de una multitudinaria banda de percusión, la cual incluía a Keith Moon y a Starr. Bonham también era coleccionista de automóviles deportivos antiguos y motocicletas, los cuales tenía en la granja de su familia llamada The Old Hyde.

Pero Bonzo no solo grabó con Led Zeppelin. Bonham también encontró tiempo para hacer algo de trabajo de sesión para otros artistas. En 1970, Bonham tocó para Lord Sutch en su album Lord Sutch and Heavy Friends. También grabó para su amigo Roy Wood, en el album Wizzard (1979). Luego vuelve a los escenarios, pero esta vez junto a la banda de Paul McCartney: Paul McCartney's Wings on their Back to the Egg Rockestra Project.

Bonzo murió en la casa de Jimmy Page en Mill Lane por una intoxicación etílica tras ingerir una gran cantidad de vodka con naranja en una fiesta. Después de este suceso se especula sobre un posible sustituto para reemplazar la batería, pero al final todos deciden que Led Zeppelin no podía seguir existiendo sin uno de sus miembros. Al tener firmado un contrato discográfico que les obligaba a sacar un nuevo álbum, y ante la negativa de grabar nuevas canciones sin Bonham, se optó por buscar material inédito hasta entonces, material que conformó Coda (álbum) (1982), disco que presenta canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas.

Biografia Extraida de : http://www.taringa.net

Ahora van los videos extraños, extractos de actuaciones y cosas curiosas....

Un video de 1969, de un ensayo de una actuacion en francia.....

La cancion instrumental "Moby Dick" donde el señor bonham demuestra todo lo que vale, con un impresionante solo de bateria!!!

Un pequeño extracto de una entrevista de 1980.

Este es un video donde se escucha una cancion desconocida dentro del estudio de grabacion...

Un pequeño solo de bateria de una actuacion en directo.

Demostrando su velocidad.

Y ya para acabar una entrevista que le hacen a bonham y plant en 1970.

Espero que alguien que conozco que le gusta mucho bonham deje los respectivos comentarios hacia su idolo, JEJEJEJE

UN SALUDO!!

RUSH "MOVING PICTURES" (1981)

2007-07-05T21:10:00.000+02:00

Si existe dentro de la historia del Rock una banda difícil de definir dentro de un estilo, probablemente sea RUSH. Su primer álbum homónimo tenía un claro sonido Zeppeliano, que llamó la atención de los auditores de una radio de Cleveland, USA, muchos de los cuales incluso confundieron 'Working Man' con una canción de Led Zepellin. Luego de este primer éxito se produce el alejamiento del baterista original John Rutsey, lo que permite la llegada de Neil Peart, quién no sólo es un virtuoso percusionista, sino un gran aporte en las letras y temáticas de las composiciones. Esta gran contribución los lleva a una nueva etapa, definitivamente más progresiva, más artística e intelectual, pero sin perder la potencia del Hard Rock.

Esta pequeña introducción es necesaria para entender el sonido de "Moving Pictures" (1981), disco que logra, quizás, la mezcla perfecta de estas dos tendencias y define un sonido elegante y potente, absolutamente innovador pero accesible desde el primer segundo. No en vano este es el álbum que definitivamente puso a este 'Power Trío' canadiense en la mente (y en los oídos) de todo el mundo, y fue el más exitoso, precisamente porque si no es perfecto, esta muy cerca de serlo.

El álbum parte con 'Tom Sawyer'

indiscutidamente la canción más conocida del grupo. Potente, sorprendente, una composición perfectamente armada, construida para ser un clásico. 'Red Barchetta'

completamente distinta, es un corte electrizante que refleja perfectamente las emociones contenidas en la letra. No es necesario saber inglés para sentir el vértigo de manejar un convertible a máxima velocidad (Alex Lifeson se luce imitando los sonidos del Red Barchetta). La tercera canción, 'YYZ'

es quizás la mejor composición instrumental del grupo, seguida muy de cerca por la 'Villa Strangiato' ("Hemispheres" - 1978)... un ejemplo de virtuosismo, con solos de guitarra limpios y complejos, quiebres perfectos donde queda en evidencia la casi telepática conjunción de guitarra, bajo y batería.

Por otro lado, 'Limelight'

es según mi opinión, lo más alto del disco. El riff es memorable, los arreglos me parecen, pasados ya 22 años, insuperables y siempre contemporáneos. Neil Peart termina con una secuencia de redobles que invitan a escucharla nuevamente. 'The Camera Eye', por su parte, es una composición de más de 10 minutos, con un interesante trabajo de sintetizadores y que se caracteriza por un sonido especialmente elegante; sin embargo, a ratos se echa de menos las guitarras y los quiebres más progresivos presentes en composiciones anteriores ('Natural Science' y 'By-Tor' por ejemplo). 'Witch Hunt', la canción número seis del disco se ama o se odia y 'Vital Signs', el track final, es más bien un ejercicio interesante de fusión 'Reggae-Rock', incorporando la tendencia que comenzaba a imponer por esos años The Police y The Clash.

En definitiva, un clásico como otros de RUSH, pero con una diferencia: Este trabajo define un punto de inflexión en la banda, un antes y un después del "Moving Pictures". Es por eso que es el álbum indicado para quienes comienzan a conocer su música... como también es el tipo de disco que, a todos los que admiramos la música de RUSH, soñamos algún día vuelvan a componer.

Critica extraida de : http://www.rockaxis.com

ESPECIAL "BLACK SABBATH" (3ª PARTE)

2007-07-04T21:44:00.000+02:00

Tal y como os hemos adelantado, la reincorporación de Ronnie James Dio, lejos de ser algo casual o improvisado, venía gestándose ya de lejos. De hecho, incluso antes de que Geezer volviera formalmente a Black Sabbath, fue a ver a Dio en un concierto que este daba al frente de su propia banda en Minneapolis el 28 de Agosto de 1990. Allí fue donde se concretó el regreso del cantante a los Sabbath. Sin embargo, este line-up, no llegó ni a grabar ni a actuar en directo, porque a pesar de dedicar mucho tiempo y esfuerzos en la preparación de las nuevas canciones, esta vez los rumores apuntaban a un enfrentamiento entre Dio y Cozy de tal calibre que harían imposible la convivencia de ambos en el seno de un mismo grupo.

Lo cierto es que en Septiembre de ese mismo año Cozy sufrió una caída cuando montaba a caballo que le retiró de la circulación (otro accidente, esta vez de coche, le alejó de nuestro lado para siempre en el mes de Abril de este año 1998. Descanse en Paz). Se dijo con malicia que el accidente no había sido para tanto, y que la verdadera razón para que Cozy se retirara del nuevo proyecto fue una disputa económica. Al mismo tiempo fuentes cercanas al grupo mantenían que Dio había intentado que Simmon Wright, el batería con el que había grabado el con su propia banda en 1990, se integrara en Black Sabbath, pero Simmon optó por entrar en AC/DC (que desde luego tampoco es una mala oferta). Sean ciertos o no estos comentarios, los hechos son los siguientes: a pesar de que afirmaban que estaban dispuestos a esperar a que Cozy se recuperara de su accidente, el resto de los miembros de Black Sabbath se "agarraron" a las presuntas presiones de la compañía discográfica, que les apremiaba para entrar en el estudio de grabación, para buscar un nuevo batería...

Así que la gran reunión de 1992 para la grabación de Dehumanizer culminó con la entrada de Vinny Appice en la batería, con lo que nos encontramos con la misma formación que presentaba Black Sabbath el 31 de Agosto de 1980, que se corresponde a su vez con la cuarta alineación del grupo. Y afrontaban esta nueva etapa -según ellos- con la misma energía con la que se encontraban una década atrás, pero con la firme intención de no repetir los mismos errores, sobre todo el afán de protagonismo y el maldito ego que provocaron la ruptura la primera vez, palabras, palabras, palabras ...

Porque los viejos fantasmas resurgieron, y con más fuerza que nunca. Lo que se prometía como una grandiosa reunión que estaba llamaba a una continuidad y una estabilidad de la que renacería una de las mejores etapas de Black Sabbath -la que vivieron justo tras la marcha de Ozzy Osbourne, con la entrada de Ronnie James Dio- saltó por los aires. Y el culpable de todo esto, muy a su pesar, fue... ¡Ozzy Osbourne!. Muy a pesar, bien es cierto. Porque a Ozzy le había dado el punto de retirarse de los escenarios, y lógicamente poco tenia que temer Dio del viejo lobo, quien ya había anunciado que la gira que realizó en 1992 iba a ser la última -pero así-.

Bien, vayamos al grano. Ambas formaciones -Black Sabbath con Dio al frente y Ozzy con su propia banda- coincidieron en gira por los Estados Unidos, concretamente en California. Y los ex-compañeros de Ozzy creyeron que era de ley despedir a lo grande al viejo amigo/enemigo. Así que decidieron cancelar un par de fechas para poder ir junto a Ozzy y abrir dos de sus conciertos. Esto, que en principio no parece nada del otro mundo, si acaso un bonito gesto por parte de un grupo de veteranos músicos, desató las tensiones y los celos profesionales soterrados. Ronnie James Dio les dijo a sus compañeros que Black Sabbath no tenía que abrir los conciertos de nadie, ni siquiera aunque fuera el mismísimo Ozzy Osbourne (o más bien, que no estaba dispuesto a que Ozzy le quitara el liderazgo aunque solo fuese por una noche). Tony y Geezer le dijeron algo así como: "Muy bien, tú mismo", y se fueron a homenajear a "tío" Ozzy. Así que todo este embrollo daría lugar a un evento único: Rob Halford, reina por un día -mejor dicho, dos-, convertido en cantante de Black Sabbath.

"Sympton Of Universe" con el dios del METAL!! Rob Halford!!

"Heaven And Hell" otra cancion de aquella actuacion.

"Children Of The Grave" y otra mas.

Tony Martin, que era el elegido para estos dos únicos shows, no pudo ir debido a que, como se le avisó con muy poco tiempo, topó con la burocracia del Departamento de Inmigración norteamericano, y no pudo obtener un Visado de Trabajo para entrar en los Estados Unidos. Halford no sólo cantó con Black Sabbath, sino que llegó a realizar una entrevista el 16 de Noviembre de 1992 como si fuera un miembro del grupo.

Dos videos de la induccion en el hollywood rockwalk (algo asi como el paseo del rock de hollywood) presentados por rob halford!!

En el segundo de los dos conciertos de despedida de Ozzy Osbourne en Costa Mesa (California), se reunió de nuevo el line-up clásico de Black Sabbath, con Ozzy al frente, y con la aparición estelar de Bill Ward para la ocasión. Tocaron cuatro canciones, una de las cuales -"Black Sabbath"- figura en el vídeo "Live & Loud" de Ozzy Osbourne. Esta vez sí que parecía que iba en serio, y que esta sería la última oportunidad de ver a los cuatro juntos sobre un escenario. Sin embargo, otras fuentes apuntaban a la posibilidad de que esta retirada de Ozzy fuera un farol para preparar un regreso espectacular al frente de Black Sabbath. Esta hipótesis iba cobrando cada vez más fuerza, pero, como es bien sabido, no llegó a fructificar, y Ozzy se retiró a sus cuarteles de invierno.

Ni que decir tiene que inmediatamente después de los conciertos de Costa Mesa, tanto Ronnie como Vinny se marcharon de Black Sabbath y volvieron a reorganizar DIO. Una vez que lommi y Butler se dieron cuenta de que las negociaciones que habían mantenido con Ozzy para que volviera al grupo no iban a dar fruto, reorganizaron a Black Sabbath con el concurso de Tony Martin de nuevo como cantante y con Bobby Rondinelli en la batería. Con esta formación se grabó Cross Purposes -que se publicaría en Enero de 1994-, y con ella se realizó la gira de presentación. Una vez acabada esta, Bobby Rondinelli dejó el grupo, y por fin, tras catorce años en el grupo, el teclista Geoff Nicholls fue admitido como miembro oficial del grupo.

La salida de Bobby coincidió con un concierto de Black Sabbath, en el que el siempre dispuesto Bill Ward no tuvo inconveniente en tocar. Parecía (como siempre) que Bill se iba a quedar junto a sus compañeros, pero antes de que se decidieran a grabar un nuevo LP, se marchó de nuevo, esta vez para trabajar junto a Ozzy en el regreso discográfico de su ex-compañero, Ozzmosis, publicado en 1995, y para poner en marcha un proyecto en solitario, G//Z/R. Se marchó "dando un portazo", y declarando que jamás volvería a tocar con Black Sabbath (no digas de este agua no beberé)

La baja de Geezer fue cubierta con la reincorporación de Neil Murray, y poco después, con la salida de Bill Ward y la reentrada de Cozzy Powell, se produjo la reunión de la misma formación que grabó Tyr y que realizó la gira de Cross Purposses, entre Mayo de 1989 y Noviembre de 1990. En esta ocasión, el resultado de esta conjunción de fuerzas e ideas fue Forbidden, el Lp publicado en 1995, y en el que por primera vez en la historia del grupo había un cantante invitado: Ice-T, de Body Count, que intervenía en el tema "The Illusion Of Power". El guitarrista de Body Count, Ernie C, fue el productor del disco. La gira de promoción del disco no recibió el apoyo de su compañía discográfica, IRS, lo que unido a los constantes cambios en la formación, provocaron una pequeña debacle en el grupo.

La primera consecuencia fue la salida de Cozy Powell nada más acabar la gira americana de "Forbidden" alegando que estaba agotado después de varios años de grabaciones y conciertos sin descanso. Se despidieron amistosamente y Rondinelli volvió a hacerse cargo de 'las baquetas para acabar el tour.

La gira de "Forbidden" acabó en Diciembre de 1995, y Black Sabbath entró de nuevo en uno de esos períodos de hibernación. En Abril de 1996 su compañía discográfica. IRS, publicó un recopilatorio titulado The Sabbath Stones, que contenía una selección de temas grabados durante la estancia de Black Sabbath en el seno del sello, además de un tema de Born Again, Seventh Star y Eternal Idol. Se volvió a hablar de una posible colaboración con Rob Halford, que no llegó a materializarse, durante esta etapa se quedaron sin casa discográfica... así que Tony lommi se enfrascó de nuevo en la composición de material para un nuevo disco en solitario, para el que contó de nuevo con Glenn Hughes. En Octubre de 1996 saltó la noticia de que Tony Martin se había ido de Black Sabbath, algo que desmintieron tanto Tony lommi como el propio Tony Martin. Mientras tanto, Neil Murray estaba trabajando junto a Cozy Powetl en el Splinter Group que acompañaba al veterano Peter Green (fundador de Fleetwood Mac), mientras Bobby Rondinelli colaboraba con Ray Gillen en Sun Red Group, cuando la muerte sorprendió a Ray.

Un video promocional de un recopilatorio que se llama "The Last Supper"

En Marzo de 1997 comienza a correrse la voz sobre una reunión de Black Sabbath para participar en algunos de los conciertos del Ozzfest 97, Al principio se apuntaba a una reunión de la formación original, pero al poco tiempo se habló de una formación integrada por lommi, Butler, Osbourne y Mike Bordin (de la banda de Ozzy y Faith No More). Bill Ward no fue invitado por Sharon, la mujer y manager de Ozzy Osbourne. Pero la invitación de Ozzy sí se dirigía a Geezer y Tony, y se haría realidad entre Mayo y Julio de 1997, en los Estados Unidos.

Cuando finalizó la gira del Ozzfest en Julio de 1997, todos "se marcharon a casa" y la reunión "casi al completo" de la formación original de los Black Sabbath parecía haberse i quedado ahí. Porque, además, a pesar de que el rotundo éxito de la gira americana del Ozzfest había inclinado a Ozzy ampliar el tour a Europa, este deseo se vio frustrado porque la compañía discográfica de Ozzy Osbourne le apremió para que comenzara inmediatamente a preparar un nuevo disco. Este se publicaría en Noviembre de 1997, bajo el nombre de Ozzman Cometh, un recopilatorio de grandes éxitos de la carrera de Ozzy, tanto con Black Sabbath como en solitario, además de contener rarezas de las primeras etapas de los Sabbath y un CD-Rom con juegos, video-clip... Geezer Butler, por su parte, realizó una gira de clubes para presentar su nuevo LP de Black Science.

Tony lommi continuó trabajando en su nuevo álbum en solitario, con vistas a publicarlo a mediados de 1998. Pero esta aparente calma se rompía con un rumor, que más bien era un deseo generalizado entre los seguidores de Black Sabbath: una posible reunión al completo de los Sabbath originales -incluyendo a Bill Ward- para realizar un concierto a finales del año 1997 en el Reino Unido. A principios de Octubre se iniciaron los contactos con el manager de Bill Ward. Fue la propia Sharon Osbourne la que anunció la histórica cita: el 4 y el 5 de de Diciembre de 1997, en Birmingham, la ciudad donde nació el grupo. Sin embargo, Bill Ward no lo acabó de confirmar, y mantenía que únicamente había sido invitado a ensayar con el grupo en el mes de Noviembre, a pesar de que en las entradas, que ya se habían puesto a la venta, se especificaba "Original Black Sabbath". Al mismo tiempo, Ozzy, Tony y Geezer hicieron público que - ambos conciertos se grabarían para ser posteriormente publicados en formato de CD en directo y de vídeo para conmemorar en 1998 el 30 aniversario de Black Sabbath (aunque más bien deberíamos decir del encuentro de los cuatro músicos, ya que el nombre de Black Sabbath no se usó hasta 1969).

Video de la gira "Reunion", esta es War Pigs, aunque no hace falta que se presente jejejejeje

Esta actuacion es del OZZFEST '2005, cuando llegaron a inglaterra, la verdad que suena GRANDIOSO!!

De esa misma actuacion, el SUPER-CLASICO "Paranoid" (no es sabbath bloody sabbath, no confudamos al personal jejejejeje)

Y para acabar "Iron Man" de la misma actuacion.

El 11 de Noviembre de 1997, Bill Ward llegó a Inglaterra para comenzar los ensayos junto a Tony lommi, Geezer Butler y Ozzy Osbourne. Durante ese mes, la MTV Europea dio crédito a un rumor falso y anunció que Bill se había lesionado una mano, pero que iba a tocar en los conciertos a pesar de todo. Lo cierto es que todas las dudas se despejaron el 24 de Noviembre, cuando se hizo oficial tanto la celebración de ambos conciertos en la fecha prevista (4 y 5 de Diciembre) como la idea de grabarlos y editarlos posteriormente en vídeo y audio para que fueran publicados a finales de 1998 en formato de doble CD, que además incluía dos nuevos temas del grupo como bonus-tracks "Reunion". Supondrá el tercer disco en directo de Black Sabbath, tras la publicación de Live Evil en 1982 y de Cross Purposes Live en 1995. Pero el primero en el que estarán juntos Ozzy, Tony, Bill y Geezer.

Biografia extraida de : http://blacksabbath.es

Con esto damos por concluida la biografia mas extensa, de una banda, que se ha hecho en esta pagina, despues de esto, decir que han querido (hubo un intento) hacer un disco con la formacion original, pero no pudo ser, segun he leido, no por que se llevaran mal ni nada parecido, sino por que cada miembro tenia proyectos paralelos, tambien decir, que si va ver una "especie" de reunion, pero sin ozzy y bill ward, sino con dio y vinnie apice, por asuntos legales o algo parecido, no han podido usar el nombre de black sabbath (ozzy no les deja, segun he leido) y la nueva formacion se llama HEAVEN AND HELL, como el primer disco que grabaron con ronnie james dio, no se exactamente cuando saldra el disco, pero sale este año.

Si quereis saber cosas curiosas de la banda pasaros y ver los comentarios......

UN SALUDO!!

KISS "ALIVE" (1975)

2007-07-03T21:25:00.000+02:00

Por estos días está terminando la extensa, variada y exitosa carrera de los cuatro enmascarados que revolvieron el gallinero a gran escala durante los setenta. Su espectacular show escénico, los maquillajes y su simple pero efectivo Rock n' Roll, han servido de influencia para una amplia gama de destacados músicos, desde Motley Crue hasta Death, pasando por Garth Brooks y Nirvana. Han sido 30 años de máximo "Glamour" y su legado musical estará siempre junto al "Kiss Army", recordándonos lo grandes que fueron, y de paso refrescarnos esos únicos momentos de nuestras vidas. Cada disco (en mi caso desde "Lick It Up" de 1983) trae gratos recuerdos de entonces.

Pero volvamos al pasado y al disco que comenzó todo.....Corría marzo de 1975 y el futuro de Kiss era incierto. Todos comentaban lo poderosas y teatrales que eran sus presentaciones, pero no muchos compraban sus discos de estudio, "Kiss", "Hotter Than Hell" y "Dressed To Kill". El sello estaba en banca rota y la banda sugirió, como ultima medida, grabar uno de los shows (de la gira promocional de "Dressed To Kill") para así lanzar un disco doble en vivo, donde se podría captar toda la furia y energía de sus comentadas presentaciones. La situación era preocupante ya que era casi un suicidio comercial, primero porque en esa época no era muy común lanzar discos en vivos, segundo porque una compañía chica como Casablanca moriría instantáneamente si no funcionaba, y tercero, porque casi nadie conocia a Kiss!

Bajo la tutela de Eddie Kramer en las perillas, el resultado fue arrollador. "Alive!" fue el comienzo de una gigantesca y exitosa carrera para estos cuatro New Yorkinos, llegando a ser la banda de Rock mas popular del mundo durante gran parte de los setenta.

El disco se grabó el 27 de marzo de 1975 en el famoso "Cobo hall", en Detroit, ciudad que desde un comienzo recibió a Kiss como en su casa; por algo Stanley escribiría un año mas tarde el tema 'Detroit Rock City'. La magia de este disco está en que finalmente el público estaba expuesto al verdadero impacto sónico que era Kiss, ya que en sus discos de estudio no habían podido conseguir esa crudeza y enérgica tan bien captada por Kramer. De echo se grabaron también las presentaciones en New Jersey, Iowa y Ohio, para tener mas material de apoyo en la mezcla final del disco.

"Alive!" comienza con la clásica introducción ('You Wanted the Best...You Got The Best! The Hottest Band in The Land...KISS!!') y luego un bombazo para dar comienzo a una furiosa 'Deuce'

con Gene Simmons llevando la batuta y un Ace Frehley sólido e inspiradísimo. Le sigue el rock mas sexy de Paul Stanley con 'Strutter'

donde se siente que Peter Criss estaba en su noche. Todo suena fuerte, concreto, positivamente sucio, garaje y realmente en vivo! Es increíble escuchar como suena 'Firehouse'

con ese bajo llevando la canción a su "peak", las típicas sirenas al final del tema. El Rock n Roll siempre presente en Kiss se manifiesta con Simmons en 'Nothing To Lose' para darle paso al más melódico, pero poderoso, Stanley con 'C'mon And Love Me'. Casi terminando este demoledor lado A del disco, llega el temazo de Frehley, cantado por Simmons, 'Parasite', donde el "Astronauta" (o "Hombre del Espacio") deja en claro su potencial como compositor y maestro de las seis cuerdas. Pero lo mejor de esta (personalmente junto a 'Deuce') primera dosis está en la densa y obscura 'She', con el "Vampiro" (o "Demonio") poseído en las voces y en general la banda tocando como si fuese el último show de sus vidas. Pura pasión, onda, técnica y ROCK. Como toca Ace!!

El lado B sigue repleto de "Hits", todos de sus tres primeras producciones, comenzando con 'Watching You', otra de Simmons mas bien densa pero con su toque Zeppeliano, para darle paso a uno de los momentos más recordados de este disco: la catarsis de '100,000 Years', en la cual "El Gato" se luce en un alucinante (para la época) solo de batería, Ace toca uno de sus mejores solos de guitarra y un "Amante" (o "Niño Estrella") que delira junto al publico en "nombre del Rock n Roll"....es alucinante como vibra, grita y aplaude la gente con Stanley, acompañado de un histérico Peter Criss. Es uno de esos momentos ilustres en la historia del Rock, doce minutos de puro éxtasis y adrenalina! Después de esto y para calmar un poco las cosas, la banda sigue con 'Black Diamond', con esa hermosa introducción para luego explotar sobre los doce mil, y afortunados, espectadores presentes esa noche de marzo, hace 26 años atrás. Cabe destacar que en 'Black Diamond' es Criss quien toma el micrófono (y la batería), con esa rasposa y afinada voz del "Gato". Siguen puras joyitas como 'Rock Bottom', y el gran clásico de Ace, 'Cold Gin', uno de los temas que la banda nunca dejó de tocar en sus giras, hasta el día de hoy. Grande Ace. Ya casi terminando este explosivo show, Kiss estalla con su mega conocido tema, 'Rock and Roll All Nite'

que de echo fue el único single del disco y que los ayudase a ser lo que fueron: los reyes de Hard Rock durante 1975 hasta 1979. "Alive!" termina con toda la fuerza de 'Let Me Go, Rock 'n' Roll', donde creo que Ace Frehley toca unos de sus mejores solos de guitarra en Kiss. Excelente.

A pesar de lo arriesgado de la movida, "Alive!" finalmente fue el disco que puso a Kiss en el mapa mundial y en el cual quedó un registro histórico de la potencia, entrega y pasión por el Rock que tenían entonces estos cuatro jóvenes, que se subieron a una larga montaña rusa, que finalmente termina por estos días con el "Farewell Tour" (Pero como ya saben sin Criss, sino que con Singer como el "Gato"!?...cosas del negocio). "Alive!" terminó vendiendo casi 5 millones de copias, hasta el día de hoy, y es para muchos no solo uno de los mejores discos de Kiss, sino uno de los mejores discos en vivo en la historia del Rock.

Critica extraida de : http://www.rockaxis.com

THIN LIZZY "JAILBREAK" (1976)

2007-07-02T13:46:00.001+02:00

Hay cosas que nunca cambian. Por más grande que llegue a ser U2, por más Grammys que ganen, jamás van a ser “la banda de rock más importante de Irlanda”. Ese sitio lo tiene ganado, por los siglos de los siglos, una agrupación que a los oídos comunes puede ni siquiera sonarles, pero que la tradición rockera ha elevado bien, bien alto: Thin Lizzy. ¿No les suena? Comandados por su legendario bajista y localista, Phil Lynott, un personaje sin igual… los que llevaron a la fama ‘Whiskey in the Jar’, ‘Don’t Believe a Word’, ‘Jailbreak’ y ‘The Boys are Back in Town’ entre otros… ¿sigue sin sonarles?

A ver. Hay una época de la historia del rock, en la primera mitad de los setentas, la posterior a las apariciones de Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath, en que se comenzó a pulir el sonido de lo que hoy nos suena a “rock clásico”. Una sonoridad mucho más gruesa, más equilibrada, pero también más entradora. Expositores de ello son los pioneros Free; Grand Funk Railroad; Bad Company; y porqué no decirlo, Aerosmith. Bueno, entre todos ellos, con más o con menos elementos en común, Thin Lizzy fue un monstruo que en algún momento amenazó con comérselos a todos. Ese sonido del que les hablo, es el que Lynott y los suyos llevaron a su máxima altura.

La carrera de los irlandeses fue bien pareja, al menos entre “Vagabond of the Western World” de 1973 y “Bad Reputation” de 1978. Es decir, me refiero a que en ese periodo dieron pocos pasos en falso en cuanto a lo musical, y nunca perdieron su esencia. Pero fue “Jailbreak” el que les aseguró un lugar entre los grandes. El motivo, no podían ser otros, son las tremendas canciones que contiene, y un par de himnos reconocibles por cada uno de nosotros.

El tema que le da título a la placa comienza con un aullido guitarrero muy heavy metal, para luego iniciar una loca narración de un motín al interior de una prisión. Una letra delirante, alarmas de peligro, sirenas de patrullas, y una dupla de guitarras gemelas que son pura adrenalina. De la misma manera en que el coro es peligro puro. La esencia de Thin Lizzy. Tremenda. Rock and roll!!! Esa vibra el cuarteto la mantuvo durante toda su carrera. Para ello, la voz de Lynott fue clave, hay que destacarlo. La dupla de guitarras que en aquel momento componían Scott Gorham y Brian Robertson suenan de lujo, y la sección rítmica del mismo Phil con Brian Downey no lo hace mal. Pero el plus es la voz, tremendamente original e intimidante. Nada de delicadeza, nada de trabajos vocales complejos ni armonías sorprendentes. Rock, crudo y duro.

"Jailbreak"

Nada de ello se pierde en la pachanguera ‘Angel from the Coast’, otra descarga brillante de potencia y talento. Demasiado entretenida como para dejarla pasar sin repetírsela. Como dije antes, tal vez será el sonido, quién sabe, pero te deja una sensación de ser un clásico sin que la hayas escuchado nunca antes. ‘Running Back’ rápidamente muestra otra cara, mucho más elegante. Sin perder la presencia, Thin Lizzy se muestra mucho más radial y amigable. Se suponía que éste sería el primer single del álbum, pero no lo fue. Sabia decisión, pues podía creer una imagen un tanto distorsionada de lo que los irlandeses eran.

‘Romeo and the Lonely Girl’ es una tremenda mezcla. ¿Por qué? La letra y el canto de Lynott son bastante “delicados”, no tienen nada de peligro. Sin embargo, de fondo, la banda de esmera en contradecir a su líder. La batería de Downey jamás se queda tranquila. Inquieta jovencita. Y la guitarra de Gorham irrumpe casi enojada, reclamando su lugar, que de buena manera recupera. Con las cosas de vuelta en su lugar, ‘Warrior’ nos trae de vuelta a esa rudeza del grupo. Con la descortés y a la vez irresistible invitación del bajo de Phil a meterse en el tema, las guitarras solo con un salvaje manto para la amenazante voz de su líder y principal compositor. El toque de Downey, que me recuerda mucho a John Bonham por su vehemencia, no hace otra cosa que sacarle brillo a la chapa que posee el cuarteto hasta el día de hoy, como una de las agrupaciones más potentes de todos los tiempos.

Y llegamos a ese poema de guitarras llamado ‘The Boys Are Back in Town’

probablemente uno de los mayores clásicos del hard rock británico de todos los tiempos. Principalmente, porque no se concibe el termino “hard rock” sin Thin Lizzy y sin este temazo. Un coro explosivo, una melodía irresistible, y tal vez uno de los punteos más famosos de toda la historia de la guitarra. Desde Black Sabbath y su ‘War Pigs’ que no salía algo tan coreable, y definitivamente esta es una tremenda influencia para el futuro del metal. Desde Iron Maiden a Metallica, a todos les toca su parte. Corran la voz, adivinen quién volvió al pueblo. Definitivamente, si tuviera una pandilla, me gustaría poder revivir a Lynnot e incorporarlo. Un maldito demonio el tipo.

‘Fight or Fall’ baja las revoluciones, y es lo más parecido a una balada que vayan a encontrar en este álbum. Una melodía muy gringa, estilo America. ‘Cowboy Song’ podría ser otro tema tipo Tío Sam pero no lo es. It’s OK Amigo, porque sin tener una melodía fácil de atrapar a primeras, el relato idealista, soñador, que concluye diciendo que “la vida del cowboy es la vida para mí”, te interna a un mundo en el cual el álbum no se había metido aún. La de la “búsqueda de la felicidad”, por más cursi que suene. Es decir, no todo es adrenalina, sino también esa fantasía-poesía de vivir como uno quiere. Rebeldía. Qué se yo. Rock and roll.

Bueno, ni pensar en una especie de hippismo rezagado. Nada que ver. ‘Emerald’

cierra la placa con el regreso de las guitarras épicas, graves, avasalladoras y llenas de personalidad. El sonido de esta canción no puede dejar de recordarme los dos primeros discos de Maiden. No creo que esté tan lejos la relación. Esos cortes, esa misma manera de aproximarse al clímax, esa riqueza para confrontar guitarras con voz… Demasiado vital todo lo que hizo Thin Lizzy para lo que hoy entendemos como metal y hard rock.

Pocos grupos han sido tan dejados de lado como estos irlandeses. A pocas bandas se les debe tanto en un período súper particular y de inmenso desarrollo y valor en la historia del rock pesado. Phil Lynott es con todas sus letras un héroe, así como lo fueron sus múltiples compañeros de batallas, desde el siempre leal Brian Downey a Scott Gorham, quien hoy en día sigue tocando bajo el nombre de la agrupación que Phil comandara de gran forma durante más de una década.

Realmente no se me ocurre qué tendría que acontecer para que Thin Lizzy fuese tan valorado como debería serlo. Ninguno de nosotros irá “evangelizando” por ahí ni nada de eso. Pero hay un par de discos, como “Jailbreak”, “Vagabonds in the Western World” o “Johnny the Fox”, que merecen ser escuchados cada cierto tiempo, a un volumen lejos de lo “prudente”. Ese es nuestro único deber. Así, el malo de Phil estará feliz de tener otro motivo más para celebrar.

Critica extraida de : http://www.rockaxis.com

Pues poco mas que decir a este clasico del SR. PHIL LYNOTT, y su super-banda THIN LIZZY, como dice al final de la critica, una pena que no se le tenga mas en cuenta, por que junto a JUDAS PRIEST, fueron de los primeros en usar dos guitarras en un grupo de rock/metal, PHIL LYNOTT otro que fallecio de alcohol, como JOHN BONHAM y BON SCOTT, una verdadera pena, era un CRACK!! NOSOTROS, EN ESTA PAGINA NO OLVIDAREMOS A PHIL LYNOTT Y EL LEGADO QUE DEJO CON SU BANDA DE CULTO, THIN LIZZY!! NUNCA!!

UN SALUDO!!

ESPECIAL NEIL PEART

2007-06-29T14:12:00.000+02:00

Neil Peart nació el 12 de Septiembre de 1952 y comenzó a tocar batería a los 13 años, cuando le regalaron las clases. Neil se fue a Londres en 1969, desilusionado del escenario musical de Canadá. Cuando regreso formó parte de una banda llamada Hush, la que dejaría para unirse a Rush en 1974, reemplazando a John Rutsey.

Peart comenzaría un verdadero cambio en el estilo de Rush incorporando más sentido a las canciones, agregando el estilo épico que caracterizaría después a Rush, con obras de larga duración y llenas de sentido. La batería pasaría a ser un instrumento fundamental, incorporando grandes solos en algunas partes, suaves acompañamientos en otras y un gran despliegue de virtuosismo y energía donde fuera necesario. Así Neil Peart es considerado hoy uno de los mejor percusionistas de la historia del Rock y de la música.

El característico estilo de Neil y los renovados solos no son el único aporte de Peart a Rush, también él es el responsable de la gran mayoría de las letras de las canciones, con las que también alcanzaría un lugar de privilegio. La razón de esto, según el propio Neil, fue que al llegar a Rush, ni Geddy ni Alex estaban interesados en este aspecto, dejándole a él este trabajo.

La escritura es uno de los mayores talentos de Neil Peart, y no sólo ha escrito las canciones y los libros de tours de Rush, sino que además posee dos libros: Radiance Over the Rockies (1988, Cumberland Editores) y The Masked Rider (1996, Potterfield).

The Masked Rider es posible encontrarlo en algunas tiendas especializadas. También co-escribió una pequeña historia en 1994 con Kevin J. Anderson titulada "Drumbeats" y además ha escrito numerosos artículos y editoriales. Algunas de sus influencias literarias incluyen a Ernest Hemingway, John Steinbeck, F. Scott Fitzgerald, Ayn Rand, Gabriel García Marquez y J.R.R. Tolkien.

Neil Peart también realizó y produjo el proyecto del tributo a Buddy Rich ("Burning for Buddy") y un video instructivo llamado "Work in Progress". Los lectores de "Modern Drummer" han votado a Neil como el mejor baterista de Rock, todos los años entre 1980-86 y entró al Salón de la Fama de esta misma en 1983.

Neil ha debido soportar grandes adversidades en su vida, ya que su esposa Jackie murió de cáncer en Junio de 1998, y su única hija, Selena, murió en un accidente el 10 de Agosto del 97. Aún así Neil sigue en Rush, y se han desmentido rumores sobre una supuesta separación por estos motivos.

Equipo usado por Neil:

Tama Drums Slingerland Snare Drums Zildjian Cymbals Pro-Mark Sticks KAT Triggers Akai Samplers

Algunos de sus Premios:

Salón de la Fama (Modern Drummer Magazine)

Mejor Baterista de Rock: 1980-81,1982-85.

Mejor Multi-Percusionista: 1983,1984,1985,1986.

Mejor Percusionista Instrumental: 1982.

Nuevo Baterista más Promisorio: 1980.

El Mejor de los Mejores: 1986.

Mejor Performance Grabada:81-82,85-86,88-90,92,94

Honor Roll: 1986 (Rock Drummer,Multi-Percussion).

Mini-Biografia extraida de : http://rush.netfirms.com

Si, lo se, es demasiada corta, pero la vida de neil esta asociada a RUSH, banda de culto del rock progresivo, y ahora mismo despues de que perdiesemos a KEITH MOON y COZY POWELL, es mi verdadero dios de la bateria, y una autentica maravilla ver tocarlo sin apenas despeinarse. THE PROFESOR lo llaman muchos y sinceramente no les falta razon, compone todas las letras de RUSH, y como dice la biografia ha escrito algunas novelas, pues ahora vamos con algunas canciones y algunos solos que sobresalen en su dilatadisima carrera.

Un solo de hace unos años.....desconozco el año de este video.

Este video extraido del IMPRESIONANTE directo, RUSH IN RIO, en el cual se le ve a el interpretando una cancion de RUSH, SUBDIVISIONS, y solamente le enfocan a el tocando la bateria, para que veais que ES EL PUTO AMO DE LA BATERIA!!

Otro solo en el homenaje a BUDDY RICH (otro genio de la bateria) que el organizo....

Otra maravilla del PROFESOR, que no me deja de sorprender cada vez que lo veo!!

Y para acabar, el solo que realizo en el directo RUSH IN RIO!! DE LO MEJOR QUE HE VISTO EN UNA BATERIA!!

Bueno, como cada semanita, conoceis a mas personajes emblematicos del rock, y en este caso, para mi ha sido un privilegio que hayais conocido (quien lo conozcan, no habra sido tanta sorpresa) a THE PROFESOR!!

UN SALUDO!!

ALICE IN CHAINS "DIRT" (1992)

2007-06-28T12:48:00.000+02:00

Como una bitácora de actitud, virtuosismo y prolijidad interpretativa, podríamos definir el trabajo artístico que a mediados de 1992, Alice in Chains, concibió bajo el nombre de “Dirt”. Una placa intimista, que nos ofrece el lado más doloroso de la drogadicción, amparada en el desgarro de un tipo como Layne Staley, dotado de una garganta privilegiada, capaz de sensibilizar los textos más duros y convertirlos en una oda a la reflexión interior. Factor que, unido a la voz y a las seis cuerdas de Jerry Cantrell, trae como resultado un trabajo agresivo, melódico y sombrío que no da pausas ni respiros. Cualidad artística que deja de manifiesto la diversidad conceptual del cuarteto, impregnado de aristas grunge, del heavy metal clásico y una psicodelia muy similar a la utilizada en la década de los 70.

Sin duda, “Dirt”, marcó el antes y el después en el éxito comercial del grupo, que por ese entonces, se unía al furor desatado por Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden, por citar algunos exponentes de la lluviosa Seattle. Una explosión que traía consigo un abanico estilístico, que ofrece cabida e independencia para desarrollar conceptos intimistas y cargados de talento. Y claro estaba, en Alice in Chains, Staley imponía el estilo y Cantrell el cerebro. El primero recalca la angustia de una adicción que le cavó la tumba, con un vibrado personalista e inexpugnable. Mientras que el segundo, se alza como el perfecto contraste en dos polos que se atraen con una energía mística y envolvente.

La apertura con ‘Them Bones’

y ‘Dam The River’, deja traslucir esa fuerza que suena como un taladro en el tímpano. Cualidad que se desprende en el transcurso de todo el material, con ese agradable zumbido de honestidad y rock & roll común de los años 90. No hay falsas poses ni palabras para la galería, muy por el contrario, hay una realidad que habla de una generación devastada por la soledad y la permanente búsqueda de identidad.

Negatividad que se acentúa con ‘Down in a Hole’

Un tema que aborda el infierno de la heroína, relatado a través de los altos y bajos que genera dicho estado, agravado por el permanente fantasma de la muerte que persiguió a Staley. Temática relatada desde la perspectiva de un yonqui, que nunca logró dar con aquel equilibrio tan ansiado. No en vano, por aquellos días, el espigado cantante declaraba que “al ingresar al mundo de las drogas todo era estupendo”. Sin embargo, recalcó su preocupación por los jóvenes que se estancaron en la jeringa, puesto que no deseaba dicho futuro para su persona.

Una de las particularidades en “Dirt”, es su variedad sónica presente en temas tan redondos como ‘Sickman’ o ‘Rain When I Die’. Cuestión que se hace extensiva e indiscutible para la sobrecogedora ‘Rooster’

Una especie de balada metal con rasgos punk, que literalmente vomita sentimiento, adornada de una atmósfera lírica que enaltece lo que entendemos por rock. Tema que además cuenta con el soporte audiovisual del realizador, Mark Pellintong, el mismo que hizo de ‘Jeremy’ (Pearl Jam) una verdadera obra de culto.

Continuando con la tónica de la placa, ‘Angry Chair’

sobresale con sus paralizantes cambios rítmicos que generan un cierto grado de esquizofrenia, algo disparatada, pero sensible y a la vez relajante. Algo que ‘Would’

arrastra al extremo, ya que la voz de Staley es digna de elogios. Su introvertida personalidad queda en segundo plano, dando cabida a la agresividad de un grito cargado de furia, llanto y desahogo. Características que otorgan una potencia, que, dada su magnitud, doce años atrás parecieron indescriptibles.

De esta forma, se cierra una producción inmortal, en una década atiborrada de tipos que tenían algo que decir y aportar. Los Cobain, Cornell, Vedder o Staley, fueron parte de una generación que apeló a las raíces y a la transparencia de un rock arraigado en los sentimientos más puros del ser humano. Había espacio para todos y eso era lo importante. No olvidemos el proyecto Mad Season, que lejos de ser una banda de talentos con fines de lucro, se transformó en un cuarteto de culto donde el sello de Alice in Chains está más que presente.

Es muy probable que “Dirt” haya ingresado a la galería de los grandes discos de la historia. Su calidad incuestionable lo hace un material indispensable en la cabecera de cualquier rockero, no obstante – y sin restar mérito a la banda- gran parte de su talento ya no vive con nosotros. Por ende, Layne, con la misma honestidad que nos confidenciaste tu angustia, reconozco que a dos años de tu ausencia aún se extraña tu voz remeciendo las capaz de la tierra.

Critica extraida de : http://www.rockaxis.com

Un clasico de los 90, con la voz de layne staley y la guitarra de jerry cantrell fueron imparables. Siempre se les puso la etiqueta de grunge, por que salieron de seattle y tener las letras tan auto-destructivas, pero no era asi, al contrario que nirvana, consiguieron ser fieles al HARD ROCK y ser mucho mas experimentales (y en mi opinion) mas influyentes. A mi no me gusta el grunge, pero el proximo disco imprescindible de los 90 sera el NEVERMIND de NIRVANA, por que pienso que es un disco historico, solo me gusta un par de bandas como es el caso de SOUNDGARDEN y PEARL JAM, pero tampoco es que sean santo de mi devocion, pienso que es historia y por eso le dedico esta seccion.

UN SALUDO!!

ESPECIAL "BLACK SABBATH" (2ª PARTE)

2007-06-27T15:31:00.000+02:00

Con la salida de Ozzy se inicia un periodo de inestabilidad y de innumerables cambios en la formación de Black Sabbath. Sin embargo, y a pesar de que mucha gente consideraba que la salida de Ozzy provocaría la disolución de Black Sabbath, el grupo no sólo siguió adelante, sino que con la incorporación del ex-cantante de Rainbow, Ronnie James Dio, grabó un LP -Heaven And Hell- que puede ser considerado una obra maestra y uno de los mejores álbumes de Black Sabbath. Pero antes, tendrían que superar una nueva crisis: Bill Ward abandonaba la nave en Agosto de 1980. Y para cubrir el hueco dejado por el segundo miembro de la formación original que se marchaba del grupo, se requirió a Geoff Nicholls (ex-Quartz).

"Neon Knights"

"Heaven And Hell"

Pero, cuando Geezer regresó de nuevo a los Sabbath, Nicholls no dejó el grupo, sino que pasó a hacerse cargo de los teclados ... y así lleva dieciocho años, siendo el miembro de Black Sabbath que más tiempo ha permanecido en el grupo, si exceptuamos, claro está, a Tony lommi. En estos turbulentos meses, los Black Sabbath también "usaron"' (así lo afirmaba literalmente Tony lommi en una entrevista) durante un tiempo a Craig Gruber (ex-Rainbow) como bajista, pero han desmentido repetidamente que fuera Gruber y no Geezer el que grabara realmente Heaven & Hell.

Bill Ward dejó el grupo en plena gira, concretamente el 31 de Agosto de 1980, nada más terminar lo dos conciertos que dieron los Sabbath en Hawai. De nuevo, y al igual que en caso de Ozzy Osbourne, la combinación de un exceso de alcohol con una grave depresión, provocada por la muerte de sus padres en un corto intervalo de tiempo, fueron el caldo de cultivo para que el batería "se rompiese". La gira hubo de posponerse hasta que se encontrara un sustituto adecuado, que fue el ex-batería de Axis Vinny Appice. Fue este quien acabó la gira del "Heaven & Hell", y también el batería que grabó el siguiente Lp del grupo, Mob Rules, realizando la gira completa correspondiente a la presentación de este álbum, que seria grabada para ser posteriormente publicada en Diciembre de 1982 como el primer LP en directo de Black Sabbath, Live Evil.

Sin embargo, el tandem formado por Vinny y Ronnie James Dio dejaría Black Sabbath para formar DIO a finales de 1982. Una vez más no están claras las razones de esta ruptura en el seno del grupo, circulando diversas -y. evidentemente, bastante interesadas-versiones, pero lo que está claro es que existía una incomunicación y un ambiente tenso en el seno del grupo que se manifestaba en las sesiones de grabación, en las que era habitual ver entrar en el estudio por un lado a Dio y a Vinny, y por otro a Tony y a Geezer. Y, aunque en la época en la que estaban preparando Dehumanizer desmintieron estas disputas, lo cierto es que las cosas no acabaron demasiado bien entre ellos.

Con el recuerdo aún fresco de la excelente contribución de Dio a Black Sabbath, estalló la bomba: lan Gillan, el ex-cantante de Deep Purple, sería el nuevo vocalista de Black Sabbath. Una vez más la intuición de Tony lommi parecía que había salvado a la legendaria banda de Birrningham de la disolución. Porque, además del fichaje de una de las voces más carismáticas del Hard Rock, volvía a reclutar para los Sabbath a Bill Ward a la batería (mareado debía andar ya entonces el señor Ward de tanto entrar y salir del grupo). La verdad es que lan Gillan ha sido bastante sincero respecto a su estancia en Black Sabbath, y ha reconocido que la única razón que le movió a ingresar en el grupo fue el dinero. Y, a decir, verdad, no es uno de los períodos de los que el grupo se sienta más orgulloso. No tanto por los temas que han quedado de aquella etapa -el LP Bom Again no es un mal álbum- sino más bien porque era un matrimonio imposible, en el que la química no funcionó, y que no consiguió transmitir prácticamente nada en directo.

"Trashed"

"Zero The Hero"

De hecho, la primera actuación de Black Sabbath en nuestro país, con Gillan como frontman, en al año 1983, dejó una profunda sensación de frustración entre todos los seguidores del grupo y una seria preocupación por el futuro de la banda. Por cierto, era verdaderamente curioso escuchar en un concierto de Black Sabbath el "Smoke On The Water" de Deep Purple. La consecuencia más evidente de este pequeño desastre fue que la única vez que se ha incluido algún tema de Bom Again en una gira de Black Sabbath que no fuera -claro está- la gira de presentación de este LP fue en el año 1986, durante el tour correspondiente al álbum Seventh Star, en el interpretaron "Zero The Hero" en algunos conciertos.

Durante la gira del Born Again Bill Ward se volvió a caer del line-up debido a su precario estado de salud y de ánimo, siendo sustituido por Ben Bevan, un batería natural de Birmingham que había crecido humana y musicalmente en el mismo entorno que los fundadores de Black Sabbath. Y aunque con esta alineación consiguieron acabar la gira, al final de la misma lan Gillan se descolgó del proyecto para resucitar Deep Purple, aunque él alegara problemas en la voz, unos problemas de los que se recuperó milagrosamente en cuanto los Purple estuvieron juntos de nuevo y que no se dejaron notar en la gira de reunión con Blackmore, Pace, Lord, y Glover. Gillan y los Sabbath volvían a ser unos "Perfectos extraños"

Bev Bevan también dejó el grupo, para trabajar en el segundo proyecto de ELO. Y, ¿a que no puedes ni imaginarte quién se hizo cargo de la percusión en Black Sabbath? ¡Bingo! Sí señor, Bill Ward de nuevo. Pues, ¡hala!, ya sólo quedaba encontrar un nuevo cantante y a seguir tirando millas. Durante un corto periodo de tiempo Dave Donato se hizo con el trono. Pero su "boquita de piñón" le perdió y unas desafortunadas declaraciones a una revista británica provocaron su fulminante derrocamiento. Se rumoreó entonces que el front-man de L.A. Metal, Ron Keel era el nuevo ¿afortunado?, pero no se llegó a confirmar. Harto ya de esta situación de provisionalidad casi permanente, Geezeer Butler pasó olímpicamente de su banda de toda la vida y se lo montó en solitario. Su nuevo proyecto, "The Geezer Butler band" sí llegó a actuar en directo. La estampida en el seno de Black Sabbath continuó con la (enésima) salida de Bill Ward, y el grupo entró en una fase de hibernación que daba toda la sensación de anunciar la definitiva disolución del grupo. Una disolución que si no se produjo fue única y exclusivamente porque la compañía disco-gráfica presionó a Tony lommi para que "transformara" lo que en principio iba a ser el primer LP en solitario del guitarrista en un nuevo disco de Black Sabbath.

Así que, desde mediados del 84, y tras los fracasados intentos de reclutar un nuevo vocalista (Donato, Keel, etc.), se puede afirmar que el grupo estaba "oficiosamente" disuelto. No hubo nunca un comunicado oficial en el que se reconociera que el grupo se había disuelto, pero tampoco hacía falta un certificado de defunción. Durante el año 1986 Geezer había declarado en numerosas entrevistas que estaba "hasta el gorro" (bueno, él lo expresó de una manera un poco más cruda) y que se había marchado definitivamente del grupo. Bill Ward seguía hundido en un pozo que le mantenía alejado de cualquier actividad musical. Pero Tony lommi se negaba a enterrar Black Sabbath, y puso todo su empeño para poder seguir utilizando el histórico nombre.

Noticias contradictorias, confusión, incertidumbre... una situación cuyo mejor exponente es la polémica en torno a la incorporación de Jeff Fenholt como cantante. Una cuestión que todavía, trece años después, no ha sido aclarada. Desde el seno de la banda se afirma que lo de Jeff se quedó en un mero intento. Jeff, por su parte, sostiene que formó parte de Black Sabbath durante siete meses, y que estuvo trabajando en la preparación del LP Seventh Star, un trabajo que no fue recogido en los créditos a pesar de considerarse co-autor de algunos de los temas, entre los que estaría "No Stranger To Love".

Para apoyar sus tesis, Jeff afirma que posee una fotografía en la que aparece con el resto del grupo, aunque no tengo constancia de que exista dicha foto o que haya sido publicada en ningún lugar. Y, en todo caso, tampoco sería una prueba irrefutable de que llegó a formar parte como miembro de pleno derecho del grupo. De lo que sí podemos estar seguros es de que la relación que entonces mantenían Tony lommi y Lita Ford fue determinante para que aquel contara con Eric Singer y Gordon Copley -que entonces formaban parte de la banda de Lita- para su proyecto en solitario. El problema surgió cuando, a finales de 1985, Lita comenzó una nueva gira. Gordon dejó "colgado" a Tony para realizar el tour con Lita, mientras que Eric permaneció junto a lommi. Por eso Gordon únicamente aparece en la versión final del tema "No Stranger To Love".
En todo caso, Tony lommi no estaba trabajando en un nuevo Lp de Black Sabbath, sino en un Lp en solitario, por lo que no es nada arriesgado sostener que Jeff Fenholt no perteneció nunca a Black Sabbath, sino que, en todo caso, colaboró en el primer proyecto en solitario del guitarrista. Porque si finalmente se publicó como un LP de Black Sabbath fue única y exclusivamente por las presiones de la compañía discográfica.

Y el 13 de Julio de 1985, por primera vez en seis años, los fundadores de Black Sabbath volvían a subirse ¡untos a un escenario, con motivo del "Live Aid Festival" organizado para recaudar fondos con los que poder paliar los efectos del hambre en África. El concierto tuvo lugar en el JFK Memorial Stadium, en Philadelphia (Pennsylvania). Salieron a las 10 de la mañana, e interpretaron tres canciones. Inmediatamente se dispararon los rumores de una reunión permanente de los miembros originales de Black Sabbath. Pero se disiparon tan rápidamente como habían surgido.

"Iron Man"

Como ya hemos dicho, Tony lommi comenzó a trabajar en su nuevo LP en solitario en el Verano de 1985. Para ello reclutó a Glenn Hughes como cantante, y Dave Spitz sustituyó a Gordon Copley, que estaba de gira con Lita Ford. Pero la compañía discográfica no veía con muy buenos ojos este proyecto de Tony, así que presionó todo lo que pudo para que el álbum apareciera por lo menos bajo la advocación de "Black Sabbath Featuring Tony lommi", y lo consiguió. El Lp llevaría por título Seventh Star, y tiene algunos cortes soberbios, aunque pasó inmediatamente al ostracismo a la hora de configurar los repertorios de los conciertos de Black Sabbath inmediatamente después de realizar la gira correspondiente. Únicamente se recuperaron algunas canciones de este Lp en un concierto benéfico en 1988 y en la gira del "Tyr" en 1990, en donde interpretaban una versión de "Heart Like A Wheel".

Cuando llevaban 5 ó 6 conciertos de la gira de "Seventh Star", Glenn Hughes fue sustituido por Ray Gillen. Las causas de este cambio vuelven a ser confusas, y van desde los rumores de que señalan que Glenn estaba permanentemente "colocado" (y que se ponía hasta arriba de drogas y alcohol), hasta la versión oficial, más diplomática, en la que se apuntaba a "la incapacidad para cantar adecuadamente los clásicos de Black Sabbath en directo". Sin descartar los rumores, parece ser que Glenn no destacó precisamente por su talento a la hora de interpretar los clásicos de la banda, porque se afirma que en el concierto que dieron en Detroit destrozó el "War Pigs". Así que por una vez y sin que sirva de precedente nos conformaremos con la versión oficial. La solución de urgencia para superar esta crisis fue Ray Gillen, un amigo de Dave Spitz que pasó en apenas un día de tocar en pequeños clubes en New Jersey a enfrentarse a miles de personas en estadios repletos encabezando Black Sabbath. Y no lo debió hacer nada mal, porque no sólo realizó toda la gira, sino que incluso se contaba con él para la grabación del siguiente LP del grupo. Pero dejó Black Sabbath antes de la finalización de The Etemal idol.

"Heart Like A Wheel"

A mediados de 1987 comenzó un nuevo baile de nombres en la formación de Black Sabbath. Y, aunque parezca mentira, 1987 seria el año en el que existiría más confusión en el seno del grupo, superando con creces la crisis de 1985. Durante el proceso de producción de The Eternal idol, Ray Gillen se marchó del grupo porque pensaba que Black Sabbath carecía de un rumbo determinado y que no tenía ningún futuro. Así que, a pesar de tener el Lp casi terminado, hubo que volver a empezar de nuevo, primero buscando un nuevo cantante, que tendría que grabar de nuevo todos los temas con su voz. El elegido fue Tony Martin (ex-Misha Calvin). Como anécdota hay que señalar que del trabajo de Ray se conserva una risa de fondo que aparece en la canción "Nightmare".

Bien, como a Tony lommi le crecían los enanos por todas partes, una vez solucionado el problema con Ray Gillen, se encontró con un nuevo abandono: esta vez fue Dave Spitz el que dejó la nave, aunque se dice que no lo hizo por propia voluntad, sino que tuvo algún que otro problema con Tony por un quítame allá esas libras (vamos, que la disputa surgió por dinero) y que fue expulsado del grupo. Así que fue Bob Daisley -un viejo conocido de la afición, puesto que había sido el primer bajista de Ozzy Osbourne en su carrera en solitario, grabó varios LP's con él, y participó también a la hora de escribir las letras- el que acabó la grabación de The Eternal idol.

Bien, tocando madera, llegamos a la decimotercera alineación de Black Sabbath, un combo que sólo se mantuvo durante la breve gira de "The Eternal Idol". Tan breve que el último concierto de esta (casi podríamos decir) mini-gira iba a celebrarse el 28 de Diciembre (vaya inocentada) de 1987 en el Hammersmith de Londres, pero tuvo que ser suspendido. Así que Black Sabbath no llegaron con esta gira a Estados Unidos ni al Reino Unido. El paso de Jo Burt por el grupo fue tan breve como la gira, y la estancia de Terry Chimes tampoco fue demasiado más larga, porque de hecho tampoco había intención de que este line-up se mantuviera más allá de la gira.

Esta formación de Black Sabbath sólo realizó una actuación, de apenas 20 minutos, en un concierto benéfico celebrado en el Reino Unido el 29 de Mayo de 1988. Fue la primera aparición de Tony Martin con Black Sabbath en el Reino Unido. Este concierto es destacable por dos razones: La primera es que Geoff Nicholls vuelve a actuar como bajista del grupo, y la otra es que es la única ocasión en la que interpretaron un tema de Seventh Star -"Heart Like A Wheel"- después de la gira de presentación de dicho LP. Además de este tema, Black Sabbath tocaron únicamente otras dos canciones: "Neón Knights" (del LP Heaven & Hell) y "Paranoid" (del Lp homónimo). Tras este show, Tony Martin se marchó a trabajar junto a John Sykes en Blue Murder, pero no se llegó a incorporar al a banda, a pesar de que Martin figura en los créditos como co-autor de la canción de Blue Murder "Valley Of The Kings".

Durante el verano de 1988, los dos Tonys se unieron a Cozy Powell y comenzaron a escribir nuevo material para el siguiente Lp de la banda, que llevaría finalmente por título Headless Cross. Se grabó entre Agosto y Noviembre de 1988, y durante todo este tiempo Gloria Butler estuvo intentando convencer a Tony lommi de que Geezer iba a incorporarse de nuevo al grupo. Así que en principio contaban con Laurence Cottle únicamente para la grabación del Lp. Estuvieron esperando a Geezer hasta Abril de 1989, pero este se incorporó a la banda de Ozzy Osbourne, así que optaron por llamar a Neil Murray para el momento en que se publicara el LP. Headless Cross.

"Headless Cross"

Con esta formación se realizó íntegramente la gira del "Headless Cross", y posteriormente se grabaría el LP Tyr y realizarían una parte del tour correspondiente a dicho disco. Durante el mismo hubo algunas sorpresas, como por ejemplo, que en algunos conciertos de la gira hubiera invitados muy especiales: lan Gillan, Geezer Butler y Brian May. A pesar de que tenían previsto ampliar la gira a los Estados Unidos, tuvieron que suspenderla. Cuando estaban finalizando el tour, se corrió el rumor de que tanto Geezer Butler como Ronnie James Dio iban a volver al grupo.

"Feels Good To Me"

De momento únicamente se cumplieron las previsiones respecto del primero, y aunque tarde, se cumplieron las promesas de Gloria Butler, y Geezer "volvió a casa por Navidad" (y van...), cuando acabó la gira de "Tyr". Sin embargo, con esta alineación Black Sabbath no llegó a grabar ni a realizar conciertos. Porque antes de comenzar a escribir el material para Dehumanizer, y a decir verdad antes de que el pobre de Tony Martin se diera cuenta. Tony lommi, Geezer Butler y Cozy Powell llevaron adelante un plan que llevaban ya algún tiempo madurando. Sí, en efecto, hacer que la segunda parte del rumor extendido un par de meses antes se hiciera realidad. Y dicho y hecho, Tony Martin se encontró de la noche a la mañana fuera del grupo. Ronnie James Dio volvía al grupo tras nueve años de ausencia.......

Biografia extraida de : http://blacksabbath.es

Hasta aqui la segunda parte de la biografia, al final he tenido que recortarla y hacerla en 3 partes, asi, supongo, que se hara mas llevadero, de esta etapa, quitando cuando estaba DIO, hay pocas fotos del grupo, y es realmente dificil pillarlas, si alguien encuentra mas, que me lo haga saber y las pondre con mucho gusto, pues nada mas, espero que no se os haya hecho muy aburrido y os espero en la tercera y ultima parte de esta EXTENSA BIOGRAFIA, hasta el proximo MIERCOLES.

UN SALUDO!!

DEEP PURPLE "MADE IN JAPAN" (1972)

2007-06-26T16:03:00.000+02:00

Muchas han sido las veces en las que me he tenido que enfrentar a birrias supremas, discos penosos que dan ganas de quitarlos con tan sólo escuchar unos minutos, y eso es una verdadera tortura. Pero amigos, todo eso se me pasa, se queda en el camino, cuando endulzo mis oídos con cosas como ésta. Muchas virtudes se han dicho de "Made in Japan", por lo que cualquiera ajeno al mundo del rock podría pensar que es un directo sobrevalorado (¿cómo puede ser tan sublimemente bueno?). Pues yo tengo en mi posesión la verdad: "Made in Japan" es un directo PERFECTO.

En aquel mágico 1972, los chicos de Deep Purple lo bordaron, y puedo llegar a afirmar que no hicieron nada (absolutamente nada) mal. No sólo hicieron unos buenos arreglos y un buen sonido, recordemos que detrás de todo esto, hay 5 tíos sudando como cerdos para satisfacer al siempre difícil público japonés. He visto a grupos gastarse millonadas en sus giras, y luego tocar como patatas. Estos fueron a un territorio comanche (y más en aquella época), se enfrentaron a uno de los públicos más difíciles del mundo, y ganaron. La gente no para de animar al grupo, se entrega al 100%, y no me puedo imaginar que detrás de esos gritos y palmas hay unos tipos bajitos con los ojos rasgados. Antes de dedicar unas palabras a este disco, quería dejar claro que voy a desgranar la versión del 25º aniversario, que aunque no es la original, el contenido del disco es el mismo (más un CD extra con tres temas más en directo (y desde Japón) y algunos de sus temas más famosos remasterizados en versión estudio). Bueno, después de esta pequeña reflexión, allá voy.....

Abre el set-list "Highway Star", uno de los tantos clasicazos de la banda, muchísimo mejor en directo (como probablemente todo lo que hizo Purple) que en estudio. Magnífico solo de Ritchie Blackmore, que ya empieza a caldear el ambiente y, como ya sabréis, un ritmo trepidante y nada de descanso es lo que se da en este tema. Le sigue el que quizás (quizás no, seguro) sea la mejor canción del grupo, y una de las mejores canciones de la Historia del hard-rock y del rock en general "Child in Time"

Ian Gillan siempre al pie del cañón, con unos agudos que me hacen erizar el vello (¿pero de dónde saca ese chorro de voz este tío?), demostrando ya no en estudio, sino en directo, que es de los mejores vocalistas que nos ha dado la música.

Ahora el señor Blackmore nos regala otro de sus magistrales solos de guitarra, que a más de uno le haría levantarse de la silla y ponerse a pegar saltos. Después de algunos cambios de ritmo y mucho, mucho saltar, escucho el riff de "Smoke on the Water", la canción más famosa de estos señores, sin duda. Mucha gente tacha a esta canción de ser sobrevalorada, y de fama no merecida. Quizás no sea una "Child in Time" (eso es obvio), pero nadie puede negar que esta canción tiene una fuerza que hace subir por las paredes al más pintado. Me llena de energía y esos toquecitos de platillo me hacen prosternarme ante los grandes DEEP PURPLE.

Uno tímidos punteos finiquitan el tema, seguidos de un montón de japoneses vitoreando a los grandes. "The Mule"

comienza, es una muy buena canción, pero pronto me doy cuenta de que el propósito de esto no es ni más ni menos que un ESTREMECEDOR solo de batería de Ian Paice, lo que me hace pensar, que aunque tomado en cuenta, este tipo está infravalorado. Después de escuchar una lección de cómo hay que tocar una batería bien tocada, se nos echa encima "Strange Kind of Woman". Un tremendo riff rocanrolero a más no poder de tío Ritchie y su posterior solo de guitarra hacen que me ponga a clamar al cielo por qué no estuve yo allí ese día... clamando, clamando, empieza "Lazy".

Un riff especial de John Lord acompañado por las palmas de los allí asistentes hace que mis ojos entren en órbita. Mi cuerpo comienza a levitar con el solo de Blackmore (ya lo he repetido millones de veces, ¿pero qué queréis que haga? Sus solos son mortales). Ya ha acabado la canción, pero... ¡espera! ¿"Space Truckin´"? Sí, puedo seguir en estado de nirvana que esto va para rato. Y menudo rato... 20 minutos aproximadamente de hard-rock, repito: HARD-ROCK. El tema se desarrolla de la leche, y no creo que puedo parar de moverme y de cantar a dúo con el gran Gillan. De los 15 minutos de más respecto a la versión de álbum, creo que no sobra ninguno...¡INCREÍBLE! Al final de estos 20 minutos de infarto (¡juro que casi me da uno!) se oyen a esos locos bajitos que habían como público aplaudiendo y vitoreando a sus ídolos, seguramente pensando:"yo estuve allí".

En el CD extra podemos encontrar tres bises de aquellos mágicos conciertos: "Black Night" (inédito), un tema ebrio, aunque se deja ver algún que otro agudo de Gillan por ahí. "Speed King", buenísima. Aquí se sueltan un poco la melena, y suena como si estuvieran de pachanga, pero mola mazo. Ahora sí, la canción por la que vale la pena el CD extra: "Lucille", es que esta canción, la toquen Deep Purple o el Payo Juan Manuel, me encanta (bueno, habría que ver lo que hace con ella el payo, jejeje), y otra vez me pongo a cantar a pleno pulmón (y al parecer el público también).

Critica extraida de : http://www.mundorock.org

Que mejor que comenzar esta nueva seccion con uno de los mejores directos que se han grabado jamas?? Este disco demuestra a que nivel puede llegar un banda, y en donde quedaron, despues de sacar este LP en aquella epoca, un disco de LEYENDA y PADRINO de todos los directos de la historia, TODOS, ABSOLUTAMENTE TODOS los componentes del grupo se salen, ALUCINANTE, COLOSAL, ESPECTACULAR......................

UN SALUDO!!

SLAYER "REIGN IN BLOOD" (1986)

2007-06-25T14:07:00.000+02:00

Es dificil hacer una critica que haga justicia a un clasico del metal como este disco. Reign In Blood marco un antes y un despues dentro de la musica extrema, fue un autentico adelanto a su tiempo, y es sin duda el mejor album de los americanos Slayer. Considerado por muchos el aspirante mas claro al trono del mejor disco del Thrash Metal, puesto que se disputa con Master of Puppets de Metallica (y en el q tambien algunos situan al Rust In Peace de Megadeth), Reign in Blood nos muestra a unos Slayer agresivos, potentes, demoledores, sin concesiones a pasajes melodicos, todo pura caña.

10 temas en los que la duracion media de los mismos esta en torno a los 2 minutos y medio, siendo cada uno de ellos una autentica descarga de rabia y adrenalina, en los que sobre todo destaca un elemento: la velocidad. Dave Lombardo demuestra en este disco lo veloz que puede llegar a ser con su instrumento, sin dejar a un lado la precision de su pegada. Brutal su uso del doble bombo a lo largo de este disco, sobre todo en el tema que lo abre, Angel of Death.

Este tema, basado en el holocausto nazi y mas concretamente en la figura y experimentos del Oficial de la SS el Dr Josef Mengele, se convertiria en uno de los himnos mas representativos del grupo a lo largo de su carrera, siendo a menudo utilizado para cerrar los conciertos. Siendo el mas largo de todo el disco, Angel of Death nos muestra rapidamente la evolucion de Lombardo (y todo el grupo en general) desde su anterior trabajo en Hell Awaits.

Mucha mas dureza, y sobre todo, un mayor apoyo en el doble bombo, q machaca sin piedad en el estribillo del tema. Seguidamente nos llega otro trallazo, Piece By Piece, cuya apertura nos hace presagiar un medio tiempo, q poco despues se convierte en caña pura, tecnica q aumenta en el siguiente tema, de solo 1 minuto y 38 segundos de duracion, Necrophobic. Caña sin contemplaciones, sin dejar un respiro a nadie. Si la cosa va bien hasta ahora, llega uno de los mejores momentos del disco, el binomio formado por los temas Altar of Sacrifice y Jesus Saves, empalmados en la grabacion de forma que la segunda complementa a la primera de forma perfecta, llegando incluso a parecer una parte de la misma, eso si, bastante mas pausada en su comienzo, que despues desemboca en un riff brutal que evolucionara en una verdadera espiral de punteos.

Tras esto, llega Criminally Insane, con un comienzo pausado, en el que Lombardo nos introduce el tema, uniendosele despues las guitarras para llevarlo al tempo brutal q caracteriza el resto del disco, a lo que seguir� un pequeño interludio nuevamente a medio tiempo para terminar nuevamente a toda velocidad. Reborn y Epidemic no muestran nada que no haya aparecido antes en el resto del disco, pura tralla, lo cual no quiere decir q sean malas canciones en absoluto. Es con Postmortem cuando llega el que es a mi juicio el momento cumbre del disco, el protagonizado por este tema y el grandioso Raining Blood.

Postmortem da comienzo con un riff sencillamente genial acompañado por timbales y platos, para seguidamente desembocar en un medio tiempo de thrash puro y duro. Un tema memorable que en su ecuador muestra un crescendo en el tempo para llevarnos a una ultima parte sencillamente brutal, la cual debido a un fallo en la masterizacion del disco en su edicion de CD entro a formar parte de la pista de la siguiente cancion, Raining Blood, fallo q fue subsanado en la reedicion del disco en 1998. Asi, tras esa demostracion de caña, llega el tema cumbre de Reign In Blood, la casi homonima Raining Blood (fonaticamente, la pronunciacion es la misma en ingles). Un tema con un inicio inolvidable, un verdadero clasico del metal, y para mi, un verdadero estandarte de lo que es y debe ser el thrash metal.

Incleibles los riffs, y una bateria a caballo entre el medio tiempo y la caña sin concesiones. El tema esta dividido en dos secciones, una primera, la mas interpretada en directo, que suele ir empalmada con algun otro tema, que nos muestra un hibrido perfecto entre el medio tiempo y partes mas aceleradas, con un doble bombo demoledor perfectamente arropado por un riff ya clasico en el metal. La segunda parte, menos comun en los escenarios, es caña sin contemplaciones, con un punteo vertiginoso y un tiempo que va ascendiendo progresivamente hasta desencadenar en la tormenta que cierra el disco.

Y es q no hay un sonido mejor para cerrar este disco, que desde luego es una verdadera tormenta de sensaciones agrupadas en una media hora escasa. Como anecdota cabe decir que gran parte de las letras del disco fueron escritas por King y Hanneman en la furgoneta del primero de camino al estudio de grabacion. En resumen, decir simplemente que se trata de un disco totalmente imprescindible para todos los amantes del thrash, death y demas estilos extremos. Fundamental es poco...

Critica extraida de : http://www.metalmas.com

Un disco BRUTAL DE PRINCIPIO A FIN, CLASICAZO!! Sobran las palabras!!!!

UN SALUDO!!

ESPECIAL COZY POWELL

2007-06-23T12:37:00.000+02:00

Hacer un tributo a Cozy Powell, para muchos el mejor baterista en el rock, es meterse en “camisa de once varas”, ya que hablamos de uno de los músicos mas prolíficos, en la historia del rock/metal, Powell perteneció a un numero increíble de bandas, de las cuales no llegare a nombrar todas. Powell fue protagonista de grandes eventos en el Rock, su solo presencia ya garantizaba que la producción seria un éxito. Su status es de leyenda, una figura de renombre mundial. Su biografía, obra y aportes a la música parecen infinitos, es por eso, que haré lo mejor posible en diseñar un tributo que bien valga la pena.

Colin “Cozy” Powell, nació el 29 de Diciembre de 1947, en Cirencester, Inglaterra. Su primera banda conocida fue “The Sorcerors” formada alrededor de 1964-65, mas adelante la banda cambio su nombre por el de “Youngblood”, la banda se movía entre Alemania e Inglaterra, en estos viajes Powell conoció a Casey Jones y montaron una banda, “Casey Jones and The Engineers”, parecía que cada 5 minutos Powell formaba parte de una nueva banda o proyecto. Para 1968 se unió a una agrupación llamada “Ace Kefford Stand” pudiendo con ellos editar un álbum single, llamado “For your love / Gravy booby jamm”.

En 1969 Powell ingresa a una nueva banda, llamada “Big Bertha”, 4 canciones fueron grabadas, hecho que atrajo la atención de otro legendario, Jeff Beck. En 1970 Powell, se convierte en el baterista de Beck en su “Jeff Beck Group”, grabaron varias canciones pero nunca fueron lanzadas al publico.

Si mal no recuerdo el volvió a Big Bertha, por allá en 1971, y sé que un álbum en vivo fue editado (en fechas recientes 99 o 2000). Igualmente en el 71 reingresa a Jeff Beck Group, la banda se presentó para algunos conciertos, luego Beck disolvió la banda.

En el 72 ingresa a una banda de nombre Bedlam, la misma se disolvió en el 74 y se que grabaron un material que hasta la fecha no ha visto la luz.

En 1974 ya Cozy Powell era conocido ampliamente en el mundillo del rock (y como no va a ser reconocido si había ya tocado con medio Inglaterra), y por lo tanto crea su propia banda Cozy Powell’s Hammer, con un super-lineup:

Frank Aiello (voz)

Bernie Marsden (guitarra)

Don Airey (teclados)

Neil Murray (bajo)

Cozy Powell (no va a ser la pandereta de seguro).

Por razones personales Powell disolvió la banda en 1975.

Cuando estaba con Phil Lynott en THIN LIZZY "Don't Believe A Word"

Ese mismo año comienza la etapa más famosa de Cozy Powell, se le da la oportunidad de ingresar a Rainbow junto a Ritchie Blackmore, la banda la completaban Jimmy Bain, Mickey Lee Soule y Ronnie James Dio. Junto a Rainbow graba los legendarios, “Rainbow’s Rising”, “On Stage” y “Long Live To Rock N Roll” (aquí es donde sale el súper clásico “Kill The King”

coescrita por el propio Powell), igualmente edita con la misma banda “Down To Earth” y “Difficult To Cure”, después de allí renunciaría a Rainbow.

Para 1980 Powell, ya tenia una nueva banda, ahora con otro legendario de la guitarra Michael Schenker, que tras su partida de Scorpions y UFO, había ensamblado el combo de rock llamado MSG, junto a el grabo el “MSG”, en 1981 y un álbum en vivo el “One Night at the Budokan” pero las fuertes personalidades de ambos chocarían generando la salida de Powell para 1982. Poco duraría sin empleo.

En su paso por el grupo de MICHAEL SCHENKER!! "Cry For The Nations"

David Coverdale, el ahora legendario Coverdale, había creado al monstruo llamado Whitesnake en 1982 y el mejor baterista que había para llenar ese puesto en la banda era Cozy Powell, completaban la formación Micky Moody, Mel Galley, Colin Hodgkinson y Jon Lord, es decir, “puros mochos”. Grabo con Whitesnake el “Slide It In”, aunque la version americana, tenía como guitarrista a John Sykes y a Neil Murray, aquí hago una observación personal, cuando estaba mas joven y revisaba algún disco de X banda, si en este decía, “interviene Cozy Powell” era seguro que Neil Murray, el bajista, también estuviese allí, es quizás la pareja de músicos mas famosa en participar con gran cantidad de bandas, sin ser miembros fijos. Powell abandona a Whitesnake en 1985.

"Love Ain't No Stranger" de Whitesnake

Todo el mundo conoce a ELP, Emerson, Lake y Palmer, Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer, bueno Powell fue el que quito el Palmer de ELP. Para 1986 Cozy tenia a ELP como su banda, sin embargo fue muy corto su periodo. 1987 lo reunió con su compañero en Whitesnake, John Sykes, quien lo invito a formar parte de su nueva banda llamada Blue Murder, problemas que involucraron a Ray Gillen hicieron que Powell renunciara. En 1988 se une a la banda que digamos, le faltaba pertenecer, Black Sabbath.

Con Sabbath, edita el disco “The Headless Cross” y el llamado “Tyr” y estaba planeado que tocase en el album “Dehumanizer” pero un accidente le impidió ese trabajo. Esto fue a mediados de 1991. A partir de esta fecha interviene a una cantidad más que increíble de proyectos, tales como: Brian May Band-1991, Cozy Powell Hammers reactivado despues de casi 17 años, Black Sabbath nuevamente para 1994 en el disco "Forbbiden", Saints asn Sinners-1996, Peter Green con la leyenda de la guitarra Peter Green-1996, The S.A.S. Band, Glenn Tipton, se reunio con el guitarrista de Judas Priest para el disco "Baptizm in Fire", Yngwie Malmsteen, en el álbum "Facing The Animal", Brian May nuevamente para 1998.

En su paso por BLACK SABBATH, dejo esta joya "Headless Cross"

Fue en este mismo año, para ser más exactos el 5 de abril de 1998 cuando en un accidente automovilístico Cozy Powell perdió la vida. Tenía solo 50 años. Pocos son los músicos que han tenido (o tienen) una carrera tan dilatada como la de Powell, su aporte a la música es incomensurable, es protagonista de grandes producciones en la historia del rock y es igualmente considerado una de las figuras más importantes en su instrumento. Tras su muerte gran cantidad de tributos a su persona se hicieron, muchos artistas dedicaron sus obras al legendario baterista.

Aqui esta con otro dios de la bateria PETE YORK.....

Este mismo año salió al mercado el trabajo “TIPTON, ENTWISTLE & POWELL - Edge of the World”, una colección de canciones que digamos, “sobraron” cuando Powell trabajó con Glenn Tipton y con el también fallecido John Entwistle en el disco “Baptizm of Fire”. Tipton decidió recoger ese material y editarlo bajo el nombre arriba mencionado.

Ahora los solos:

Un solo cuando estaba en rainbow

Otro cuando estaba con whitesnake

Cuando estaba con EMERSON LAKE AND POWELL.......o era PALMER?? JEJEJEJE

Y para acabar un solo marca de casa

Y esto es lo mas extraño que habia visto nunca, lo he pillao de casualidad, el programa debe ser una especie de QUE APOSTAMOS version inglesa, realmente raro, pero muy curioso, demostrando que era una PUTA BESTIA!!

Biografia extraida de : www.metalraw.com

Poco mas queda decir, un autentica leyenda, y uno de los mas grandes detras de la bateria, ESPECTACULAR!!

UNJ SALUDO A TOD@S!!

AC/DC "HIGHWAY TO HELL" (1979)

2007-06-21T21:56:00.000+02:00

La muerte de Bon Scott a seis meses de la realización de “Highway to Hell” por una de las drogas legales (y malditas) que más vida se ha llevado, es decir, el alcohol, significó un atraso a la carrera artística de AC/DC, en esta portada donde a pesar de la escasa belleza estética y esa pose que marcó directamente al rock’n’roll, ellos siempre con el estilo ‘hard’ más marcado. Paradójico el hecho de ese orgullo que conservan, pero fiel espíritu de lo que empezaron a crear AC/DC al otro extremo del planeta (Australia) junto a los ingleses Rolling Stones, americanos como los locos de The Stooge (Iggy Pop) y los virtuosos de Led Zeppelin, o sus posteriores seguidores archi maquillados: Kiss. El surgimiento de una forma de vida, una música trasgresora (en su momento acusada como música del diablo) y la actitud chulesca propia de este estilo.

“Highway To Hell”

conserva uno de los himnos más coreados en todo el planeta, difícilmente no haya un solo padre de familia que no le suene esta canción. Una muestra de su difusión y alcance, que dio mucho de sí. Sobre todo a sabiendas que pensar en AC/DC empezó a ser una muestra de garantía en directo, conciertos que estaban hechos para ser multitudinarios. Estadios, pabellones, festivales donde estos jóvenes australianos vestidos como si de un colegio estuvieses (estética que Jack Black rendía culto en la película “School Of Rock”), llenaban y brillaban con esa muestra excelente de su rock.

La consagración de un sonido tan característico, y duplicado miles de veces (aquí tienen una legión de fans también, ¡hasta un grupo que les venera haciendo versiones!: The Bon Scott Band) no se exime sin una una producción excelente para sus tiempos, que en esta pieza, fue a cabo de Robert John Lange en los estudios Roundhouse de Londres. El motivo de la nitidez de estructuras y sonido, donde las guitarras de Angus Young y su hermano Malcolm son complementarias, de riffs duplicados por seguidores millones de veces. El trabajo de Phil Rudd, así como Cliff Williams al bajo son ambos base de la maquinaria AC/DC, que junto a Led Zeppelín se podrían nombrar y The Stooges como artífices de la creación del rock’n’roll más salvaje, definitorio y obra magna de la actualidad rock en general. ¿Que serían The Darkness sin la voz de Bon Scott y el sonido de sus compañeros, tan característico?.

La fiesta hard rock que recoge este disco, con el clásico de todos los tiempos con el que comienza el disco, continuando con el disco, el álbum recoge con mejor exactitud todas las virtudes del grupo australiano. Desde la sencillez que emanan para hacer grandes canciones rock, radiantes riffs. Simplemente, rock’n’roll en estado puro como en

“Shot Down In Flames”

asi como el extenuante tema final repleto de arreglos y punteos llamado “Night Prowler” que resaltan el trabajo de Angus y Malcom (“Girls Got Rhythm” también es una muestra, siendo un excelente regalo a las mujeres, que también son rockeras) y el groove tan característico que ha marcado los tiempos

“If You Want Blood (You’ve Go It)” como mayor ejemplo.

El trabajo vocal que no me cansaré de destacar, a sabiendas que este fue el álbum póstumo para Bon Scott, con el tema “Touch Too Much”

Un total de 10 temas que serían imposibles de elegir una pieza que sobre o falte, que no invite al baile con un desfase entre llamas, chicas, drogas que tanto anhelaban en sus comienzos (de ahí los principios un tanto ‘machistas’ del rock’n’roll, pero que sin ellos no sería lo mismo) mientras ensayaban en su local en Sydney, y que gracias a piezas como estas se merecían todas sus fantasías y mucho más en agradecimiento, el haber puesto a su país de Oceanía en el mapa del rock. Aunque su excelente ingenio artístico (aunque sea solo para seguir llenando estadios cantando cualquiera de sus himnos) literalmente se fuera abajo tras un Lp como este, nunca se les puede crucificar por ello y ya sea tan solo por Bon Scott seguir conservar pleitesía es algo incondicional para nosotros. Incluso para nosotros en Zona-Zero, aunque en nuestras manos lo tengamos en un reformado formato y minúsculo CD y no en vinilo, que con esa fabulosa portada, hay que envidiar a nuestros padres, una imagen de tamaño apreciable Bon Scott con cuernos y cola de diablo –en clara referencia de lo que el rock’n’roll significaba para las mentes más retrógradas y conservadoras de la sociedad anglosajona-. Sin duda, un disco que debes de tener en tu exquisita y selecta biblioteca musical.

Critica exttraida de : http://zona-zero.net

Un clasico entre los clasicos, y en mi opinion la epoca de ac/dc con bon scott es BRUTAL, aunque brian johnson es un vocalista buenisimo, la carisma y voz de bon scott le metio de lleno en el olimpo de los dioses, es innimitable e inmortal, pasaran los años y perdurara siempre el GRANDISIMO LEGADO que dejo, QUE GRANDE ERAS BON!!

Como nota curiosa, decir que el primer video, el que da nombre al titulo del disco, fue la ultima actuacion de bon scott en television, y fue aqui en españa, en el programa APLAUSO, año 1980.

UN SALUDO A TOD@S!!

ESPECIAL "BLACK SABBATH" (1ª PARTE)

2007-06-20T13:42:00.000+02:00

Estamos en el año 1948, un 3 de diciembre para ser más concretos. ¿El lugar? Aston, un triste y gris suburbio de la ciudad inglesa de Birmingham. Ese día el matrimonio formado por John y Lilian Thomas vieron llegar al mundo a John Michael Osbourne, el cuarto hijo de los seis que llegarían a tener. Una familia numerosa nada fácil de mantener aunque gracias al esfuerzo de ambos progenitores (él trabajaba en una fábrica de herramientas y ella en la industria del automóvil) nunca les faltó de nada, tal y como el propio Ozzy se encarga de recordar. No busquemos aquí, pues, infancias difíciles o desgracias familiares para justificar el comportamiento rebelde de nuestro protagonista. Ya de pequeño le gustaba ser el centro de atención de sus compañeros de clase (que fueron los que le pusieron el mote de "Ozzy") y no perdía oportunidad de hacer alguna payasada cuando consideraba que tenía suficiente público que le riera sus gracias.

Pero Ozzy no cambió a medida que fue creciendo sino que de las tonterías sin importancia pasó a otras actividades menos graciosas como la de cometer pequeños hurtos para financiar sus vicios o aterrorizar al resto de sus compañeros al mando de su pandilla de amigotes. Dicen que por entonces Ozzy y sus compinches habían adoptado una estética en plan teddy boy (¿cuánto pagaríais por una foto de la época?), listos para meterse en líos en todos los pubs de la zona. La vocación musical de Ozzy procede de esa época de correrías cuando descubre a los Beatles. Aún hoy en día les sigue reconociendo como una de sus mayores influencias. Y tanto impacto le causó la música de los cuatro de Liverpool que no tardó demasiado en formar una banda llamada Black Panthers para emular sus hazañas. Claro que habían detalles sin importancia, como que ni siquiera llegaran a comprar instrumentos para tocar, pero, eso sí, toda la ciudad se enteró de la existencia del "grupo" gracias a la cantidad de pintadas que hicieron en sus paredes...

Aproximadamente a los quince años Ozzy dejó la escuela y empezó a buscarse la vida por su cuenta, trabajando en lo que encontrara: fontanero, carnicero (como podéis ver sus encuentros con los animales comenzaron muy pronto). Aunque nuestro protagonista no duraba demasiado en ningún sitio debido a su especial carácter, se las arregló como pudo para salir adelante. Fue por esta época cuando entró en contacto con el movimiento mod, otro impacto en la cara de la puritana e hipócrita moral inglesa de entonces, con todas sus consecuencias. O sea que Ozzy fue uno de los protagonistas de las palizas que hubo en su momento entre mods y rockers y, cómo no, se metió en una espiral de consumo de todo tipo de sustancias más o menos peligrosas que duraría muchísimo tiempo. De hecho, todavía ahora está pagando las consecuencias de sus desenfrenos.

Sus padres, desesperados por encarrilar a su hijo por el buen camino, hicieron lo posible por encontrarle un trabajo que le hiciera sentar la cabeza. La verdad es que el empleo que le consiguió su madre en la fábrica en la que trabajaba como probador de bocinas no era demasiado atractivo, así que, ante el lógico disgusto de su atribulada madre, dejó el trabajo para dedicarse a desvalijar pisos, actividad mucho más rentable. No obstante, tampoco eso lo debió hacer demasiado bien pues lo pillaron al poco tiempo de meterse en el negocio. Ozzy recibió entonces una buena lección de su padre (de hecho nunca le guardó ningún rencor por ese gesto pues entendió muy bien la actitud de su progenitor), cuando éste se negó a pagar la fianza que le hubiese librado de tres meses de prisión. Cuentan que en el recinto penitenciario descubrió una nueva utilidad para los orinales de metal, abriéndole la cabeza con uno a un recluso que quiso intimar con él más de la cuenta.

Por cierto, que su nombre tatuado en los nudillos de su mano izquierda se lo hizo durante este período de vacaciones pagadas...
Suponemos que Ozzy aprendió bien la lección (aunque no sería la última vez que volviera a la cárcel) pues una vez en la calle empezó a buscar como un loco algo que le mantuviera ocupado sin tener que meterse en líos. Un amigo le pasó el dato de que un grupo llamado Approach buscaba un cantante y se presentó a la prueba. Finalmente no entró en dicha banda porque la propuesta no le pareció lo suficientemente interesante para su gusto, pero al menos de la experiencia sacó una conclusión positiva: acababa de descubrir qué era lo que más le gustaba hacer en la vida. Ozzy siguió buscando algún grupo que le dijera algo mientras no paraba de ensayar con el equipo de voces que se acababa de comprar. Como anécdota curiosa cabe decir que estuvo probando con un grupo llamado Music Machine (que tampoco le convenció por su aparente falta de aspiraciones) del que saldría gente que posteriormente alcanzaría el éxito, como Rosko Gee, futuro bajista de Traffic.

Ozzy siguió en su empeño de contactar con músicos para hacer algo grande -ya soñaba con ser una estrella- y llenó la ciudad con anuncios ofreciéndose como "el mejor cantante". Esta estrategia dio sus frutos pues un paisano suyo que tocaba el bajo se presentó en su casa para probar suerte. Su nombre era Terry "Geezer" Butler (Terence Michael Butler, 17 de julio de 1949) y a partir de ese momento ya podemos decir que el espectro Sabbath comenzaba a tener forma. Pero no nos adelantemos a los acontecimientos.

Butler ya tenía alguna experiencia como bajista pues había militado en varias bandas locales y últimamente estaba enrolado en una aventura llamada Rare Breed junto a un guitarrista llamado Jimmy Philips. Algo especial les debió ver Ozzy porque en esta ocasión si que decidió quedarse en el grupo. En un momento dado se quedaron sin batería y buscando, buscando, dieron con uno llamado William Ward (5 de mayo de 1948), que tocaba en un formación llamada Mythotogy al que no tardaron en convencer para que pasara a completar la base rítmica de Rare Breed. En otro momento de esta historia un guitarrista llamado Frank Anthony lommi, amigo de Ward y ex compañero de filas de Mythology, se pasó por casa de Philips para hacer una jam. La química debió funcionar bien pues lommi pasó a formar parte de Rare Breed y con la formación del grupo al completo se dispuso a quemar los locales de los alrededores.

Estaban viviendo su pequeño sueño rockero, cambiaron su nombre por el de Polka Tulk y poco mas tarde se convertiría en Earth. Sin embargo la banda no llegó a dar ningún concierto en Birmingham (su ciudad natal) antes de su visita europea a Alemania, donde se apercibieron que existía un grupo con su mismo nombre y decidieron ponerse el de una de las películas favoritas de Geezer y a la postre una de sus mejores canciones Black Sabbath.

El grupo comenzó a relacionarse con la gente más en boga en ese momento, se hicieron grandes amigos del batería Rick Lee de Ten Years After, quien les presentaría a su primer manager Jim Simpson, ¡un trompetista de jazz apadrinando a una banda de rock duro! Los Sabbath decidieron trasladarse a Londres, muy a pesar de tener que aguantar la harmónica de Ozzy durante todo el viaje, y pronto pudieron fichar por el recién estrenado sello Vértigo y mezclar su primer álbum en tan solo dos días. El tiempo era mínimo y Ozzy tuvo que cantar varios temas en el estudio mientras la banda tocaba en directo, incluso tuvieron que incluir una larga improvisación basada en el Warning de la banda de Aynsley Dunbar. El álbum apareció el viernes 13 de febrero de 1970 en el Reino Unido y, a pesar de su aún intencionada influencia blues, ofrecía un rock pesado que junto a Deep Purple In Rock y Led Zeppelin II seria la piedra filosofal sobre la que se asentaría el rock de los 70.

"Black Sabbath"

"Nativity In Black (NIB)"

La tormenta Black Sabbath se mezclaba con una extraña voz, maléfica y emparentada con el diablo en the Wizard o Evil Woman (que en la versión U.S.A. seria sustituida por Wicked world). La banda se pone en contacto con el rey de los brujos Alex Saunders que les promete protección a sus personas en cuanto llevan cruces y realizan satánicos experimentos (se dice que Ozzy bailaba sobre las tumbas en noches de luna llena). (?)

No tardaron mucho en grabar su segundo álbum Paranoid que en un principio debía llamarse War Pigs, cambiándolo a causa de las presiones de los americanos. Y fue en 1970 cuando Black Sabbath por vez primera cruzaron el mar para presentar sus ritos ante la yankis que les acusaban de practicar magia negra .Paranoid apareció en Septiembre de 1970 y fue grabado en apenas 5 días.
El tema-título les colocó arriba en las listas junto a Black Night y Whole Lotta Love. El tema representó tanto para el mundo del heavy rock que se siguió reeditando año tras año en diferentes versiones y remezclas. Los textos de las canciones escritos en su mayor parte por Geezer Butler, Eran punzantes y describían la cara sórdida y malvada de la vida occidental.

"Paranoid"

"War Pigs"

"Iron Man"

1971 fue un ano decisivo para la popularidad de la banda en ambos lados del Atlántico, la gira inglesa sin embargo tuvo que posponerse debido a una gripe de Iommi y al estado exhausto de Bill Ward tras el primer tour americano. El público aprendió a tomarse en serio las posturas y declamaciones que Ozzy realizaba en directo y en muchos lugares llegó a ser recibido como un auténtico diablo viviente. En Julio de 1971 vio la luz el tercer álbum de la banda Master of Reality con la maravilla Solitude y el rock pesado e intenso de Sweet Leaf o Children of the Grave.
Iommi añade pequeños fragmentos instrumentales Embryo y Orchid para dar variación al vinilo que demuestra la mejoría instrumental que el grupo va alcanzando mes tras mes.

"Children Of The Grave"

"Into The Void"

En marzo de 1972 los Sabbath vuelven a América donde sus álbumes van a convertirse en oro uno tras otro.

Bill Ward decide el nuevo título para el álbum que acaban de grabar casi por entero en Los Angeles, Snowblind, que es desestimado por la compañía discográfica por su clara alusión a las drogas que lo edita en septiembre de 1972 como Black Sabbath Vol.4. Ozzy da cuenta por su afición de hacer giras por los states mientras Iommi dedica Laguna Sunrise a un lugar de la costa oeste denominado Laguna Beach, incluso hay un tema romántico con piano y melotrón llamado Changes. Por contra de nuevo el ruido espontáneo de Tomorrow´s Dream o Wheels of Confusion. Geezer anuncia un álbum en solitario que nunca acabará de grabar. En marzo inician un tour presentando Black Sabbath Vol.4 en el, tocaban como adelanto un tema del siguiente álbum Killing yourself to live. Se pone en marcha el estudio móvil de los Rolling Stones para grabar un hipotético álbum en directo (que a la postre seria Live at last editado en 1981 por su antigua compañía sin el consentimiento de los sabs) y el grupo es teloneado por Groundhogs de Tony McPhee y Stray.

"Snowblind"

"Wheels Of Confusion"

En 1973 deciden trasladarse a vivir al campo, fuera de la insidiosa ciudad de Birmingham, y en diciembre aparece Sabbath Bloody Sabbath, para muchos su mejor álbum. El disco apareció en España con la contraportada como portada, sin carpeta doble y sin uno de los temas (?). Ozzy arranca desgarradamente con temas como Sabra Cadabra, o el propio Killing Yourself to Live y el aspecto diabólico del grupo se supera gracias a los efectos en los teclados que el gran Rick Wakeman incluye en bastantes canciones. Aparece el single conteniendo el tema-título con la cara B Changes del anterior álbum y a inicios del 74 los Sabs participan en el increíble California Jam en abril junto a Deep Purple y Emerson, Lake and Palmer. En mayo inician nuevo tour por Inglaterra y luego el silencio.

"Sabbath Bloody Sabbath"

Larga etapa de descanso en la que los problemas con los managers Patrick Meehan y Wilf Pine estarán en el orden del día. El periodo de hibernación será sin embargo complaciente una vez lancen su nuevo álbum Sabotage grabado en Julio de 1975 en los Morgan Studios de Londres y Bruselas y primer disco del grupo con el sello Nems. Tony Iommi utiliza al London Chamber Choir para un tema épico y Ozzy escribe Am I Going Insane, una especie de declaración moral propia que se trasluce en single éxito mas tarde. Symptom of the Universe aún la toca Ozzy en sus actuaciones en directo. Sabotage es uno de los álbumes más complicados de la historia del grupo, con muchos fragmentos enrevesados y ampliamente influenciados por el año en que apareció y la situación del mundo del rock. Al final de la canción The Writ , si subimos el volumen, podemos escuchar, solo en ediciones inglesas y americanas así como en alguna reedición en nuestro país, una canción Blow on the jug toca y canta al piano Bill Ward y la letra la hizo su secretario Mark Jones sobre una variación de la original de Nitty Gtritty Dirt Band. Cuando es hora de comenzar el tour americano el grupo se refuerza con el teclista Gerald Woodruffe que años mas tarde formaría parte del Pictures at Eleven de Robert Plant.

"Hole In The Sky"

"Sympton Of Universe"

Aprovechando el éxito actual de la banda, se lanza en Diciembre el recopilatorio We Sould Our Soul For Rock´n´Roll (que seria reeditado en Agosto del 76 por su amplio volumen de ventas) y el grupo sigue negándose a sacar a la luz pública el disco en directo que tanto prometieron. En marzo de 1976 el grupo en pleno debe aparecer en la High Court para contrarrestar la querella impuesta por su anterior manager Jim Simpsom. A partir de ahí se llevarán a si mismos sin mediar ninguna persona en sus negocios, y comienzan los problemas con Ozzy que por primera vez decide abandonar el grupo.

En octubre de 1976 estará en la calle el séptimo álbum oficial de la banda Technical Ecstasy en el que Bill Ward canta en It´s all Right, el álbum es un continuo contraste marcado por la sobriedad y dulzura de She´s gone y la dureza y rompimiento de Dirty Women, Gerald Woodruffe toca todos los teclados y el grupo en general siente que el sonido soterrado y angustioso de los primeros álbumes del grupo han dado paso a paso a algo mas concreto y mejor producido. El álbum fue grabado en los Criteria Studios de Miami y se presentó en forma de quinteto en un largo tour por las islas Británicas. El asunto de los impuestos hace que el grupo desaparezca una vez más de su país y se largan a vivir a Los Angeles.

"It's Alright"

Los problemas personales de Ozzy provocaron el primer cambio -de momento, provisional- en la formación de Black Sabbath. En Octubre de 1977, el cóctel de drogas y alcohol en el que estaba permanentemente envuelto Ozzy, unido a la depresión que sufrió como consecuencia de la muerte de su padre ese mismo año, agudizaron la tensión existente entre el cantante y el resto de la banda, y provocaron que durante un periodo de tres meses Ozzy estuviera fuera de la formación. Como los compromisos con su compañía discográfica les obligaban a presentar un nuevo álbum a principios del año 1978, y como quiera que en aquel momento no se sabía si Ozzy se reincorporaría o no al grupo, Tony lommi decidió ponerse en contacto con Dave Walker (ex-Fleetwood Mac) para que participara en la composición y en la grabación de los temas de su nuevo LP, Never Say Die. Con esta formación llegaron a actuar en directo en una única ocasión, en Enero de 1978, en el programa de la BBC británica "Look Here!". Y aunque llegaron a grabar varios temas de Never Say Die con Dave Walker, el regreso de Ozzy ese mismo mes les llevó a regrabar todas las canciones con la voz del señor Osbourne, que además reescribió varias de las letras. Sin embargo, se conservan algunos de los temas grabados por Walker, y en concreto, la versión original del tema "Juníor's Eyes", cuya letra se transformó a instancias de Ozzy en un homenaje a su padre muerto.

Con el regreso de Ozzy parecía que las cosas volvían a la normalidad. Pero era sólo un espejismo. De hecho, Geezer y Tony, cuando hablan de ese periodo en el vídeo "The Sabbath Story Vol. 2" recuerdan que Ozzy se negó a grabar algunos de los temas compuestos con la colaboración de Walker para Never Say Die, y que por eso -entre otras cosas- hay un tema instrumental que en principio no iba a ser tal. La última ocasión en que se pudo ver en directo a la formación clásica de Black Sabbath fue el I I de Diciembre de 1978, en el último concierto de la gira de "Never Say Die".

"Never Say Die"

La ruptura se produjo ese mismo mes -todavía no llega a estar claro si fue Ozzy el que se marchó o si le expulsaron del grupo-, pero lo que es cierto es que Tony ya le había sugerido algo a Ronnie James Dio...

Biografia extraida de : http://blacksabbath.es

Hasta aqui la primera parte de su extensa biografia, he intentado coger la biografia de donde mas largo sea, y como a mi no me importa leer si es algo que me gusta, como es este caso, por mi no hay problema para leerme todo esto!!! Una de las bandas de culto mas grandes de la historia!!!

UN SALUDO A TOD@S!!

Solos De Guitarra (10ª Parte y Final)

2007-06-19T15:04:00.000+02:00

Despues de varios meses con esta seccion creo que ya es bueno darle un final, por supuesto que va a continuar, de eso no lo dudeis, pero con otro nombre, ya mirare a ver que nuevo titulo le pongo, por tanto, la seccion solos de guitarra se da por concluida, el martes que viene, vendra con otro titulo........

In Flames - Pinball Map (Los que me conocen, ya saben lo que opino de esta banda, por tanto lo que pueda decir, sobra, una de sus mejores canciones)

Sentenced - Noose (Esta banda de finlandia, tiene el privilegio de tener una canciones buenisimas, y dos discos IMPRESCINDIBLES, en otro ocasion, se analaziran dichos discos, os dejo con esta grandisima cancion)

Dark Tranquillity - Monochromatic Stains (Junto a In Flames, ahora mismo, los reyes del death metal melodico, potentes y con grandes canciones, IMPRESCINDIBLES)

Hypocrisy - Adjusting The Sun (El grupo de peter tagtgren, tiene por derecho propio un gran rincon dentro de mis bandas favoritas, ahora se dedica mas a la produccion y ha dejado un poco de lado sacar unos mejores discos, sin duda, una de mis favoritas, HYPOCRISY, PEDAZO BANDA)

Venom - Black Metal (Venom, otra de mis bandas favoritas, con esa cancion crearon uno de los estilos mas polemicos de la historia del metal, EL BLACK METAL)

Con esto da por concluida la larguisima entrega de solos de guitarra, como ya dije arriba, la proxima semana se llamara de otra manera, mañana una biografia de otro grupo de culto.

UN SALUDO A TOD@S!!

PANTERA "VULGAR DISPLAY OF POWER" (1992)

2007-06-19T01:29:00.000+02:00

Cuando la forma moderna de hacer metal se debatía entre la renovación o la muerte, los sonidos emitidos por la guitarra de Diamond Darrell distorsionaron la realidad imperante y cambiaron nuestras mentes para siempre. "Vulgar Display Of Power" fue la ratificación del liderato de Pantera, la banda que supo renovarse a principios de los noventa con su "Cowboys From Hell" y que pasó a engrosar el selecto grupo de los clásicos que cambian el destino musical de la humanidad.

Era tanta la potencia derramada en nuestros oídos no preparados que creímos estar en frente de unos alienígenas. Lo afilado de los riffs, la saturación del bajo y la máquina "derrumba muros" que estaba detrás de la batería, daban cuenta de lo mejor de su juventud, sentándose en el mercado que vivía del grunge y contaba sus dólares. En el metal la cosa estaba parecida, los grandes íconos de todos los tiempos se estaban auto-devorando y faltaba esa cuota de imaginación que lograra algún sonido diferente. Y vaya que Pantera lo consiguió, renovó una escena decaída y nos golpeó en la cara con el "peso más pesado" de todos los tiempos.

Entrando en materia de esta revisión, la potencia de 'Mouth For War'

ya te deja con la boca abierta. Esos riffs no pueden ser tan endemoniados, pesados, afilados, pero a la vez con una onda y un groove casi mágico. Volvió el solo de guitarra, los triggers en el doble bombo y una garganta majestuosa. Phil Anselmo se convirtió rápidamente en el favorito de muchos adolescentes y su rabia juvenil inundó las ideas de miles de sus seguidores.

Pantera pasó a un nuevo nivel ('A New Level') e instaló clásicos en la conciencia de humanidad como 'Walk'

'This Love'

y 'Fucking Hostile', una de las canciones más violentas y energizantes de la década de los '90. El resto del álbum nunca pasó a ser single, pero no por eso deja de ser menos atractivo. Canciones como 'By Demons Be Driven', 'Regular People', 'Rise' o 'No Good (Attack The Radical)' son el complemento ideal para grandes clásicos. Un material necesario para entender la evolución de la humanidad.

Critica extraida de : http://www.rockaxis.com

Poco mas se puede decir de uno de mis discos favoritos, e influencia tan grande para toda una generacion, un documento increible de describir, todo lo que se pueda decir es poco para esta OBRA MAESTRA, que salio en el año exacto para abrir camino a tantos grupos, DIMEBAG ERAS UN DIOS, NO TE OLVIDAMOS!!

UN SALUDO!!